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Le musée d'Orsay a souvent l'audace de proposer des expositions originales.
Celle-ci l'est tant par son thème - l'Art nouveau, à une époque où l'on revisite plutôt l'Art déco - que par sa démarche : parcourir ce style décoratif à l'aune de l'air du temps qui l'a porté au fil du XXème siècle.

L'Art nouveau a été une déferlante aux alentours de 1900 dans le domaine de l'architecture, du mobilier et des arts décoratifs, suscitant d'ailleurs de vives critiques, avant de retomber aussi vite qu'elle était montée, anéantie par la puissante vogue Art déco.

Il a fallu attendre les années 1930 et la vivacité des Surréalistes pour que l'Art nouveau retrouve ses reliefs, à partir de 1933 précisément lorsque Salvador Dalí publia dans la revue Minotaure un article intitulé De la beauté terrifiante et comestible, de l'architecture modern'style, illustré de photos de Brassaï et de Man Ray, le mouvement d'André Breton s'étant alors jeté avec enthousiasme sur les lignes libres de l'Art nouveau. Les superbes images des deux photographes avant-gardistes mettent en valeur l'aspect organique des entrées de métro dessinées par Hector Guimard et de l'architecture débridée d'Antoni Gaudí. Placés dans un même espace, le tableau de Dalí L'énigme du désir et les miroirs de Gaudí pour la Casa Milá semblent frappés de la même mollesse formelle...

Deuxième revival de l'Art nouveau, les années 1950 et surtout 1960 dans le domaine du mobilier et des arts de la table : en réaction à la tyrannie du modernisme fonctionnel et froid, le design organique se déploie, privilégiant les courbes proches de la nature en général et du corps humain en particulier. Légèreté, fluidité sont les maîtres mots de ce style qui effectivement - la démonstration dans la grande salle est édifiante - s'est réapproprié pour les réinterpréter, le plus souvent avec bonheur, les lignes de Bugatti et de Guimard.

A la même époque, un autre domaine se place avec délices sous l'emprise des courbes sinueuses et asymétriques de l'Art nouveau, reprenant aussi ses motifs végétaux, floraux, voire animaliers : celui du graphisme. Magazines, affiches de cinéma et de concert, pochettes de disques, papiers peints et même les robes de nos mamans sont inondés de folles spirales, d'explosions florales et de couleurs pepsy. Exposées côte à côte, la ressemblance avec les affiches du début du siècle est troublante : si les couleurs sont devenues plus acides, les arabesques et les volutes avaient inspiré les graphistes depuis belle lurette.

Le parcours se termine de façon éclatante avec l'année 1974 et les miroirs commandés par Yves Saint-Laurent à Claude Lalanne, encadrés de branchages de cuivre et de bronze doré, motifs naturalistes à la fois simplissimes et sophistiqués, magnifiques échos aux œuvres non moins admirables d'Emile Gallé (girandole Coloquintes de 1902) et de Georges Hoentschel (cheminée ornée de ronces, de tournesols et d'iris, 1900-1902). La boucle semblait alors bouclée... ; mais la mode est paraît-il un éternel recommencement.

Art Nouveau Revival. 1900. 1933. 1966. 1974
Jusqu'au 4 février 2010
Musée d'Orsay
1 rue de la Légion-d'Honneur - Paris 7°
TLJ sf lun., de 9h30 à 18h, le jeu. jusqu'à 21h45
Entrée 9,50 € (TR 7 €)

Images : Bonnie MacLean, affiche pour le concert The Yardbirds, 1967, Paris, galerie Janos © DR et Albert Angus Turbayne, affiche pour "Peacock", Edition. Macmillan's illustrated standard novels, 1903, Lithographie couleurs Chemnitz, Städtische Kunstsammlungen © Kunstsammlungen Chemnitz / May Voigt

Les amateurs d'arts décoratifs ne peuvent que trouver leur bonheur dans la nouvelle exposition visible depuis le 5 mai à la Galerie des Gobelins. La quatrième depuis sa réouverture en 2007 et, une fois de plus, une démonstration de la richesse et de la qualité du fonds détenu par le Mobilier national et les Manufactures nationales.

Avec Elégance et modernité 1908-1958, la sélection embrasse cinquante ans de production mobilière, période passionnante puisqu'elle fut celle d'une étroite collaboration entre les trois établissements des Gobelins, de Beauvais et de la Savonnerie (réunis administrativement en 1937 seulement). De plus, phénomène tout aussi nouveau, l'association entre les artistes qui dessinèrent les meubles et ceux qui en réalisèrent la "peinture" en tapisserie fut également très forte.

Ce processus créatif a eu pour résultat une nette cohérence entre la forme et le motif. D'où l'élégance parfaite des meubles, un régal pour l'œil, qui tourne autour des dossiers finement sculptés, descend vers les pieds délicatement courbés, caresse les laques et les essences de bois précieux, flatte la marqueterie, la dorure, le galuchat et la patine.
Ces joliesses constituent l'écrin de pièces de tapisseries tout aussi recherchées. Car à partir de 1908, le directeur des Gobelins, puis celui de Beauvais en 1917, et ensuite leurs successeurs ont initié un renouvellement des motifs pour ce mobilier destiné à orner les palais de la République, demeures présidentielles et ambassades.
Représenter le savoir-faire et le bon goût français encore et toujours, mais en le modernisant. On fait appel aux grands décorateurs de l'époque pour créer les cartons : Raoul Dufy, Paul Vera, Odilon Redon, André Groult, proches du monde de la haute-couture et du luxe national.
Avec Paris, ensemble composé d'un spectaculaire paravent et de multiples sièges, Dufy réalise un tableau de la capitale des plus bucoliques, où les monuments les plus célèbres sont magnifiés dans un décor tout de rose, de bleu et de mauve, réalisé sur un tissage extrêmement serré, héritage de la finesse de travail atteinte au XIXème siècle.

Ce renouveau thématique est visible tout au long de l'exposition. On représente (en poétisant beaucoup) les régions de France, les Pyrénées, la Provence..., les fleuves, mais aussi des oiseaux exotiques et des scènes arabes ; on illustre les contes de fées ; on montre les villes et la nature à la manière des peintres. En haut de l'escalier d'honneur, il ne faut pas manquer (sa pâleur pourrait la faire passer inaperçue, à côté d'une profusion de couleurs) "l'adaptation tapissière" des Nymphéas de Monet : quelle délicatesse, quel fondu, et quel contraste aussi entre la transparence du motif et la chaleur du support !
La production du Mobilier national reflète aussi les aspirations de son temps. Apparaissent ainsi les thèmes du sport et des loisirs, vogues nées dans cette première moitié du XXème siècle. Dans ce registre, au rez-de-chaussée, l'on découvre avec ravissement, sur canapé et fauteuils, Les beaux dimanches de Paul Vera et René Prou, ode nette et pimpante à l'heureux temps des loisirs, ou encore le surprenant Plaisirs de la plage, où modernité et histoire se mêlent : sur un divan aux formes pures et contemporaines, dans des coloris très clairs et lumineux, les plaisirs de la plage prennent les traits de figures mythologiques, comme pour faire un dernier clin d'œil à la tradition du noble motif...

Galerie des Gobelins
42, av. des Gobelins - Paris XIIIème
Jusqu'au 26 juillet 2009
Tlj sauf le lundi de 12 h 30 à 18 h 30
Entrée : 6 € (TR 4 €)
Visite avec conférencier les mer., ven. et sam. à 15 h 30 et 17 h (10 €, TR 7,50 €)
Gratuité le dernier dimanche de chaque mois

Images : Augustin HANICOTTE et Eric BAGGE, Les Pyrénées, paravent, 1926 © Isabelle Bideau / Mobilier national
et CHOUASNARD, sac à main, 1928, © Isabelle Bideau / Mobilier national

On peut reprocher à jacques Garcia la folie des grandeurs de ses décors, leur côté ostentatoire, voire "nouveau riche". Une impression que donnent parfois les lieux à la mode qu'il a griffés depuis une dizaine d'années.
Mais qui de mieux que lui pouvait assurer la scénographie d'une exposition consacrée à la splendeur décorative de l'époque de Louis XIV ?

Retour aux sources, donc, à la Galerie des Gobelins, qui fut fondée officiellement au début du règne de Louis XIV et dont Colbert confia très vite la direction à Charles Le Brun, devenu par la suite Premier peintre du Roi. Y sont présentés jusqu'au 1er mars 2009 des tapisseries, soies peintes, dessins, gravures mais aussi du mobilier créés à la gloire du règne commençant.

Le rez-de-chaussée est consacré à la chronique des conquêtes de Louis XIV. Celle des Provinces-Unies (la suprématie commerciale des Pays-Bas étant alors insupportable, le Roi décida d'y mettre fin) est présentée sur trois grandes toiles de soie peinte, procédé extrêmement original et demeuré inédit dans les collections de la Galerie Nationale. Deux tapisseries évoquent ensuite la guerre de dévolution en exaltant la bravoure royale, pour ne pas dire en faisant oeuvre de propagande ; Van der Meulen, sous la direction de Le Brun y montre un Roi prenant part personnellement aux combats, descendant même dans la tranchée sous les cris de ses généraux qui l'implorent de ne pas mettre ainsi ses jours en péril...

Mais le coeur battant du parcours est à l'étage, où est exposé pour la première fois l'ensemble de tapisseries célébrant les conquêtes d'Alexandre le Grand, entièrement réalisé à partir de cartons de Charles Le Brun. Est ici explorée une autre veine de la célébration de la gloire royale, le registre allégorique qui puise dans l'histoire de l'Antiquité. La référence au grand conquérant, notamment à ses exploits en Perse, était évidemment des plus flatteuses pour notre Louis XIV.
Il s'agit de l'oeuvre à laquelle Le Brun s'est consacré avec le plus de ferveur et de soin, élaborant à cet effet quelques 250 dessins (tous conservés au Louvre).
Le résultat est époustouflant, avec ses multiples scènes d'action audacieuses, ses compositions complexes et ses couleurs vives, le rouge avant tout bien sûr, mais aussi le très beau bleu roy.

C'est le rouge, précisément, que Jacques Garcia (mécène de l'exposition) a choisi pour la scénographie du rez-de-chaussée. La couleur triomphale s'étale en une magnifique perspective, rythmée par deux arcs de triomphe ornés des portes de l'ancien garde-meuble de la Galerie des Gobelins. Au fond de cette enfilade qui évoque les appartements royaux, l'on aperçoit un superbe cabinet en marqueterie Boulle (écaille de tortue, étain, ébène, cuivre doré...), tandis qu'au sol s'étale l'un des tapis (le 53ème exactement !) créés par Le Brun pour la Grande Galerie du Louvre.

Plus beau encore, le premier étage, lui tout en vert, restitue, pour accueillir les tapisseries d'Alexandre l'ambiance des jardins aménagés par Le Nôtre, avec ses allées bordées de topiaires et, au centre, sur un podium de buis... le buste de Louis XIV bien sûr. N'en jetez plus, direz-vous ? Certes, mais il faut reconnaître qu'on est sacrément ébloui !

Alexandre et Louis XIV, Tissages de gloire
Galerie des Gobelins
42, av. des Gobelins - Paris XIIIème
Jusqu'au 1er mars 2009
Tlj sauf le lundi de 12 h 30 à 18 h 30
Entrée : 6 € (TR 4 €)
Visite avec conférencier les mer., ven. et sam. à 15 h 30 et 17 h (10 €, TR 7,50 €)

Image : Tapisserie des Gobelins, Tenture de L'Histoire d'Alexandre, d'après Charles Le Brun, La famille de Darius aux pieds d’Alexandre, XVIIe siècle. Photo : Philippe Sébert

La Galerie des Gobelins célèbre cette année quarante ans de collaboration avec le designer Pierre Paulin à travers une passionnante rétrospective : lire ou relire le billet du 5 février 2008.

Dans ce cadre, demain mercredi 28 mai de 14h à 16 h 30, l'artiste accueillera le public à la Galerie. Il dédicacera à cette occasion les deux livres Pierre Paulin, le design au pouvoir (éditions RMN) et Pierre Paulin designer (éditions Archibooks).

Pierre Paulin, le design au pouvoir
Mobilier national - Galerie des Gobelins
42, av. des Gobelins - Paris XIIIème
Jusqu'au 20 juillet 2008
Tlj sauf le lundi de 12 h 30 à 18 h 30
Entrée : 6 € (TR 4 €)
Visite avec conférencier les mer., ven. et sam. à 15 h 30 et 17 h
Tarif 10 € (TR 7,50 €)

Chassons toute idée de l'oeuvre a priori, telle qu'elle peut résulter des pauvres reproductions plaquées ici ou là sur des tasses, des répertoires ou des serviettes en papier.
Ces choses-là n'ont évidemment rien à voir avec le chef-d'oeuvre du XVème siècle qu'est la La Dame à la Licorne, tenture composée de six tableaux, que l'on peut aller voir en vrai (et librement comme on sait) au Musée National du Moyen-Age à Paris.

Une salle lui est réservée, plongée dans la semi-obscurité comme il se doit (eu égard à la dimension onirique de l'oeuvre - en réalité pour des raisons de conservation bien sûr) mais éclairant notre Dame de façon satisfaisante.
Car cette tapisserie a tout pour susciter le rêve : son décor merveilleux fait d'une île bleue, d'un ciel rouge constellé de fleurs, de petits arbres mythiques (orangers, chênes, houx...). Mais aussi ses "personnages", animaux aux douces fourrures, familiers comme le lapin et le renard, ou sauvages comme le lion, la panthère et le guépard, mais au regard bienveillant. Et surtout, une licorne magnifique à l'air "intelligent" et attentif, mais non dénué d'ambigüité.

Au centre de chacun des six tableaux, une dame aux toilettes toutes différentes mais aussi élégantes et riches les unes que les autres, brocart, moire ou soie sans parler des bijoux... Elle évoque avec l'aide de ses compagnons, lion, singe et licorne chacun des cinq sens : le goût ; l'ouïe ; la vue ; l'odorat ; le toucher. La sixième tenture porte le beau nom de A mon seul désir. Elle est la plus mystérieuse et a donné lieu à de nombreuses interprétations.

Verticalité ; simplicité et splendeur des couleurs ; grâce des expressions ; innocence mêlée à un symbolisme très fort (1), ces scènes éblouissent et fascinent. On pourrait rester des heures à les contempler, comme pris au piège de ce monde fantasmatique et poétique imaginé il y a plus de cinq siècles par un dessinateur resté anonyme.

La Dame à la Licorne.
Musée National du Moyen-Age
Thermes et hôtel de Cluny
6, place Paul Painlevé - Paris 5ème
M° Cluny-La Sorbonne / Saint-Michel / Odéon
Bus n° 21 - 27 - 38 - 63 - 85 - 86 - 87
RER C Saint-Michel / l B Cluny - La Sorbonne
TLJ sf le mardi, de 9 h 15 à 17 h 45
Entrée libre jusqu'au 30 juin 2008

(1) Animal mythique, la licorne a un corps de chèvre et une tête de cheval surmontée d'une corne en forme de dent de narval. Douée d'une rapidité et d'une force prodigieuses, elle ne pouvait être capturée que grâce à une jeune fille. Fréquemment représentée dans l'iconographie médiévale, elle est à la fois un symbole religieux - une figure du Christ - mais aussi un symbole profane - celui de l'amant.

Après les excès du rococo, les arts décoratifs marquent à la fin du XVIIIème siècle et au début du XIXème siècle un retour aux sources classiques grecques et romaines, inspirations majestueuses qui siéront à l'Empire avec ses marbres, ses bronzes dorées, ses soieries et ses damas de velours.
Alors que le style Empire français se répand en Europe, se développe à partir de 1815 en Autriche, dans cette mouvance néo-classique, un style original que l'on appellera rétrospectivement Biedermeier.
Il ne tardera pas à gagner les autres régions de l'Europe orientale et de l'Allemagne, où il perdurera jusqu'à 1850 environ.
Le nom de Biedermeier est celui d'un personnage de fiction créé tardivement pour un hebdomadaire satirique munichois pour parodier le mode de vie de la société bourgeoise d'Europe centrale. Si effectivement ce type de mobilier robuste et confortable évoque avant tout les milieux bourgeois conservateurs du début du XIXème siècle, l'on apprend en parcourant l'exposition que les idées esthétiques à l'origine de ce mouvement furent d'abord promues par la famille impériale autrichienne et par l'aristocratie. Celles-ci, après les guerres napoléoniennes, rejettent le grandiose et l'ostentatoire (qui avait cours en France) et mettent en avant un mode de vie replié sur les valeurs morales et la sphère familiale.
Et, contrairement à ce que ses lignes simples et sa faible ornementation laissent présumer, le mobilier et les arts décoratifs Biedermeier sont au départ des œuvres artisanales. Ce ne sera qu'à partir des années 1830-1840 que l'Empire Austro-Hongrois adoptera les modes de fabrication industriels développés plus précocement en Angleterre et que le style se diffusera alors dans les intérieurs bourgeois.
L'exposition vaut le détour tant il est vrai que le Biedermeier est un style singulier, une sorte de synthèse lointaine du Regency anglais et de l'Empire français, mais qui, surtout, annonce le design moderne adapté à la production de masse.
Cela est frappant avec les arts de la table : dès le début du XIXème siècle, les modèles d'orfèvrerie sont extrêmement dépouillés si bien que les plats et les théières paraissent étonnamment "d'aujourd'hui".
Les meubles sont certes imposants, parfois même un peu "mastoc", mais leur grandes lignes géométriques arrondies, leur sobriété évoquent un sens pratique, voire un souci d'ergonomie novateur et séduisant. Les bureaux révèlent des rangements astucieux, les tables deviennent multi-usages, les chaises s'équipent de dossiers en éventail, bas et courbés. L'austérité des formes était par ailleurs largement réchauffée et égayée par le choix des couleurs de garniture et de papier peint, avec des jaunes, des bleus et des verts très vifs.
La simplicité et l'épure, le pragmatisme voire l'audace confèrent au Biedermeier, deux siècles après son émergence, un aspect moderne tout à fait surprenant.

Biedermeier, de l’artisanat au design
Musée du Louvre
Aile Sully, 1er étage, salle de la Chapelle
Jusqu'au 14 janvier 2008
TLJ sauf le mar., de 10 h à 18 h, nocturne (22 h) mer. et vend.
Entrée 9 €, 6 € après 18 h mer. et vend. (billet collections permanentes)
Catalogue, en partenariat avec le musée de Milwaukee, le musée historique de Berlin et l’Albertina de Vienne (Coédition Musée du Louvre Éditions /Officina Libraria /Éditions Nicolas Chaudun), 240 p., 35 euros.