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La Galerie des Gobelins rend hommage à l'un des plus grands designers français, Pierre Paulin, dont les réalisations sont certainement plus célèbres que son nom lui-même.
Au fil de 40 ans de collaboration avec le Mobilier national, il a mis son talent au service du pouvoir, mais également au service de tous avec des éditions largement connues du grand public.

Dès les années 1950, séduit par le mobilier scandinave, Paulin créé des sièges, des tables et des bureaux en bois blond, aux lignes simples et légères. L'empreinte de ces créations dans nos décors d'aujourd'hui saute aux yeux : ce style n'en finit pas de séduire les citadins en recherche de meubles clairs et peu encombrants.

Impression de les avoir vus mille fois aussi, et pour cause : les sièges créés pour les locaux des administrations, aux formes non seulement fonctionnelles mais aussi d'une rondeur très accueillante. En regard de ceux-ci, Pierre Paulin a choisi de montrer le mobilier de campagne de Napoléon 1er. "Pourquoi en France n'a-t-on jamais été capable de faire du moderne autrement que pour la guerre ?" s'interroge-t-il. Pliables, modulables, d'une élégance sobre, le tout emballé dans de la toile de jute... Il est vrai que ces pièces sont d'une surprenante modernité.

Designer du pouvoir, Paulin a également oeuvré à deux reprises pour la Présidence de la République. La première fois, ce fut pour Pompidou, en demande d'un décor moderne. Paulin aménagea plusieurs pièces à l'Elysée, dont un salon et une salle à manger. Afin de respecter l'enveloppe architecturale, il "re-chemisa" les espaces de grège clair et y installa un mobilier magnifique de sobriété. Teintes lumineuses beige et marron glacé, textiles chaleureux, lignes en rond ou en demi-lune... de façon un peu étonnante, ce mobilier n'évoque que douceur !
François Mitterrand passa également commande, pour un style radicalement différent, très années 1980 ; cette fois pour un mobilier de bureau : lignes franches et anguleuses, le bleu s'étale largement, coupé de fines lignes rouges...

Cette très belle exposition est ponctuée de choix de Paulin parmi les collections du Mobilier national. L'on voit ainsi par exemple un tableau de Pierre Soulages, ou encore, afin de souligner l'inspiration orientale du designer pour ses créations de sièges collectifs comme ceux de la Grande galerie du Louvre, des tapis persans du XVIème siècle, fortement évocateurs de cette idée de "s'assoir ensemble"...

Pierre Paulin, le design au pouvoir
Mobilier national - Galerie des Gobelins
42, av. des Gobelins - Paris XIIIème
Jusqu'au 20 juillet 2008
Tlj sauf le lundi de 12 h 30 à 18 h 30
Entrée : 6 € (TR 4 €)
Visite avec conférencier les mer., ven. et sam. à 15 h 30 et 17 h
Tarif 10 € (TR 7,50 €)

Image : Fumoir du Palais de l’Elysée © Collection Mobilier national, photo Olivier Amsellem

Le mot "tapisseries" évoque aujourd'hui pour beaucoup des vieilleries aux couleurs fanées et aux motifs historiques un peu assommants.

C'est ignorer que les manufactures des Gobelins, de Beauvais et de la Savonnerie continuent de produire chaque année, comme il y a quatre cents ans, des oeuvres d'art tissées d'après les modèles originaux d'artistes contemporains.

Telle est la découverte que nous offre l'exposition Les Gobelins 1607-2007, Trésors dévoilés, quatre siècles de création présentée à la Galerie des Gobelins jusqu'au 25 novembre prochain.

Le rez-de-chaussée réserve ainsi un déploiement spectaculaire de couleurs intenses, chatoyantes, où l'on peut admirer des tapisseries signées Alechinsky, Philippe Favier (magistral hommage à Miro) ou encore le tapis de Matali Crasset (Hommage à l'utopie de Ledoux, 2006).

Au pied de ces véritables tableaux, sont harmonieusement exposés des meubles issus de l'Atelier de recherche et de création du Mobilier national, dans d'heureux mariages de lignes et de tonalités.

Le 1er étage, réservé au passé, crée l'événement avec la Tenture Royale d'Artémise. Cet ensemble de quinze tapisseries tissées au fil d'or et d'argent d'après des dessins d'Antoine Caron avait été commandé par Henri IV pour être offert à Catherine de Médicis. Scindé dès le XVIIème siècle, il est présenté pour la première fois au public dans son intégralité.

A découvrir enfin, un échantillon du mobilier créé au fil des siècle pour orner les lieux du pouvoir. Ors, magnificence, splendeur : rien ne semble trop beau pour le décor des palais de l'Etat.
Si l'on contourne certaines pièces témoins de la folie des grandeurs de nos gouvernants – tel cet immense bénitier en cristal, cadeau à l'impératrice Eugénie – ce sera pour mieux d'approcher de splendides oeuvres du XVIIIème siècle : un adorable bonheur du jour en acajou, bronze et marbre, ou encore un cartonnier orné d'une pendule, avec marqueterie en bronze et écaille de tortue, signé André-Charles Boulle.

Un petit film (15 mn) met joliment en perspective l'héritage du passé et le savoir-faire des ateliers, en montrant le travail et les techniques des artisans qui, aujourd'hui encore, fabriquent et restaurent tapis, tapisseries et mobilier. Entre art et histoire, il met en valeur un délicat travail d'observation et de minutie passionné et passionnant.

Les Gobelins 1607-2007, Trésors dévoilés
Galerie des Gobelins
42, avenue des Gobelins – Paris 13ème
Jusqu'au 21 novembre 2007
Tlj sauf le lundi de 12 h 30 à 18 h 30
M° Gobelins, bus 27, 47, 83 et 91

On peut aussi visiter les ateliers des manufactures toute l'année, les mardi, mercredi et jeudi de 14 h à 16 h 30 (10 €, TR : 7,50 €)

Dès l'entrée, on sent qu'on va avoir le champ libre.
Foin de chronologie ; table rase sur l'histoire des styles.
Les textes à la graphie poétique se limitent à quelques synthèses libres et inspirées (et facultatives).
La scénographie se remarque à peine tant elle est réussie.
Avec cette exposition de meubles et objets décoratifs du début du XIXème siècle (et parfois même bien plus anciens) à aujourd'hui, montrés avec simplicité, les Galeries du Grand Palais semblent s'affranchir de leur cadre habituel.

Cela n'a l'air de rien, mais cette exposition est la légèreté même.
La simplicité n'est qu'apparente. Les oeuvres, le plus souvent remarquables de beauté et de créativité, sont soigneusement choisies et exposées. Les rapprochements tombent sous l'évidence.
L'heureux emmêlement des époques donne à l'exposition une consistance exceptionnelle.

On débouche donc sans préambule dans une vaste galerie consacrée aux formes.
A gauche, tout n'est que cercles, sinuosités et volutes : des merveilles qui vont de la chaise au dossier en coeur (noyer), en provenance du Vienne des années 1820, à Bubbles, chaise longue en carton ondulé de Frank Owen Ghehry (1987). A droite, c'est tout carré, parfois même Art nouveau, mais ça finit de guingois...

Au rez-de-chaussé, le public s'échauffe. Avec les motifs tirés de la faune et de la flore, on est ici dans le figuratif, voire dans l'affectif.
Hanap à l'escargot, coquille de nacre, tête en argent doré et pied sculpté semble tout droit sorti d'un cabinet de curiosités du XVIIème siècle. Mais de belles chichiteries Art nouveau ne sont pas en reste, telle cette lampe qui tombe de la gueule un peu effrayante d'un animal au corps reptilien fin et courbé.
Le plus excitant est au fond, lorsqu'on touche au corps humain : sofas en forme de bouche, de main, de pied, de courbes féminines... sans échapper à The Womb House (Atelier Van Lieshout, 2004), alcôve rouge équipée de kitchnette, douche, WC, en forme... d'utérus !
Auparavant, on aura eu l'occasion de relever une fois de plus que l'audace ne date pas du XXème siècle, avec ce bol en forme de sein de Marie-Antoinette (1788)...

En fin de parcours, on est invité, après avoir ôté ses chaussures, à pénétrer dans l'installation Phantasy landscape (1970).
Faites ce qu'on vous dit et entrez : choisissez votre position, par exemple, buste incliné et jambes surélevées. Au dessus de vôtre tête, bleu, violet, rose, rouge, orange et jaune s'harmonisent en un large arc-en-ciel lumineux.
La chaleur, la mousse, les formes arrondies, la musique sucrée dans la demi-obscurité détendront et feront taire aussi vos voisins (cinq au maximum). Fatigué mais léger, vous laissez couler le temps un moment... avant de ressortir en flottant.

Design contre design, deux siècles de création
Galeries nationales du Grand Palais
Jusqu'au 7 janvier 2008
Tlj sauf le mardi de 10 h à 20 h, jusqu'à 22 h mercredi et vendredi
M° Franklin-Roosvelt et Champs-Elysées-Clémenceau
Entrée 10 € (TR : 8 €)
Catalogue : 374 p., 59 €

Des moineaux à la gorge gonflée délicatement posés sur une branche, couverts de brillants : voici l'une des premières créations de René Lalique, lorsqu'il travaillait dans l'anonymat pour les grands joaillers Boucheron et Vever.

Déjà éclatent la finesse et le travail profondément créatif de l'artiste.

Né en Champagne en 1860, Lalique puise dans son enfance champêtre une constante inspiration.
Motifs végétaux, floraux et animaux les plus ordinaires demeureront présents tout au long de sa prolifique carrière, conférant à son œuvre une simplicité que ses autres inspirations - bien de son temps - n'altèreront pas.

Lorsqu'il fonde son propre atelier en 1887, il abandonne la joaillerie et a l'audace d'utiliser des matériaux moins nobles, comme l'ivoire et la corne, des pierre fines aux couleurs étranges comme l'onyx, le jaspe, l'agate, l'opale, qui lui permettent d'explorer sans limite le champ des couleurs et des formes, à la mesure de son génie créatif et de son imagination débordante.
Sensible aux inspirations de l'époque, son œuvre permet de retrouver les grandes tendances des arts décoratifs de la fin du XIX° et du tout début du XX°.

De l'éclectisme fin de siècle, avec la veine égyptienne qui persiste depuis les conquêtes napoléoniennes, à l'Art Déco du XX°, René Lalique se délectera un long moment dans le mouvement de l'Art Nouveau avec sa faune, sa flore, ses volutes, mais aussi un symbolisme très marqué avec le cygne, le serpent ...
Des estampes japonaises qui circulent alors à Paris, il utilise les motifs de pivoines, chrysanthèmes, branches de prunier, pavots, ombelles, qu'il incruste dans des peignes de bois laqués.

De tous ces mouvements, il fait un miel qui lui est propre, reconnaissable entre tous (un coup d'œil sur les créations d'autres concepteurs contemporains permet de le vérifier) : délicatesse, grâce, originalité, mais aussi une délicieuse ambiguïté dans sa représentation - constante - de la femme.
Au lissé des visages à l'ovale parfait, à la nudité innocente des corps féminins, se mêle le doux effroi des animaux qui font frissonner, insectes, iguanes, crapauds, chauves-souris ...

Au delà de la beauté pure de ses bijoux d'exception, René Lalique ouvre ainsi au visiteur attentif tout un monde de poésie, de fantasmes et de fantaisie, qui fait de cette exposition un véritable enchantement.

René Lalique, Créateur d'exception 1890-1910
Musée du Luxembourg, 19 rue de Vaugirard - Paris 6ème
Jusqu'au 29 juillet 2007
Entrée 10 €
Catalogue de l'exposition, 264 p., 32 €

Image : épingle à chapeau Guêpes, or, émail, opale, diamant (vers 1890-1900)

Le Musée des Arts décoratifs a rouvert récemment, après une totale réhabilitation.
Le résultat est très réussi et mérite une bonne visite.

En suivant le parcours chronologique, on embrasse en quelques heures l'évolution des arts décoratifs du Moyen-Age aux années 2000.

L'équipe du musée a fait des choix d'exposition (6 000 pièces sur les 150 000 que comptent les collections), évitant ainsi de surcharger les salles, ce qui accroît la limpidité et le plaisir de la visite.

Toutes les périodes sont bien représentées ; mais, évidemment, une grande place est faite au magnifique dix-huitième siècle, particulièrement fécond.
Certaines salles méritent vraiment une pause : notamment celle consacrée à l'inénarrable style « Rocaille ». Sous le règne de Louis XV, il brise le carcan du style « Grand Siècle » de Louis XIV : tout à coup, les lignes prennent vie, ondulent, on ose l'asymétrie, l'exubérance ; des motifs de fleurs, de coquillages se posent ça et là ... Un style un peu chargé mais dont on apprécie la fantaisie, dont on s'amuse à observer les détails.

Au fil du parcours, des « period rooms » donnent une idée de l'ensemble du décor d'une pièce à une époque donnée : de la chambre à coucher d'un aristocrate de la fin du XV° siècle, qui était alors un véritable lieu de vie et de réception, avec lit imposant et coffre sculpté, tapisseries ... à l'appartement de Jeanne Lanvin dans les années 20 (photo), tout de soie, stuc, marbre, cristal avec son petit boudoir à vitrines, en passant par le goût néo-renaissance d'une chambre Louis Philippe... que de chemin parcouru !

Bien sûr, de très belles pièces Art Nouveau et Art Déco.
Mais aussi les Chinoiseries, qui suscitent l'engouement en France sous Louis XVI : d'adorables petits meubles se parent de panneaux de laque, et deviennent de véritables « peintures », la porcelaine est finement décorée de scènes de la vie chinoise ; délicatesse des formes, des motifs, des couleurs ... un véritablement ravissement face à ces « petites choses » qu'on ne se lasse pas de détailler.

Musée des Arts décoratifs
107, rue de Rivoli – Paris 1er
Du mardi au vendredi de 11h à 18h
Samedi et dimanche de 10h à 18 h
Nocturne le jeudi jusqu'à 21h
M° Palais-Royal, Pyramides, Tuileries
Tarif : 8 € (TR : 6,5 €)

Les Katagami sont des pochoirs en papier utilisés au Japon dès le XIII° siècle pour décorer les tissus.

Les modèles en papier brun présentés dans la première partie de l'exposition nous donnent un aperçu de la variété des motifs choisis, qui puisaient leur source dans les mondes animal, végétal et plus particulièrement floral, avec une infinie poésie. Il n'y a d'ailleurs qu'à lire le nom de certains d'entre eux pour commencer à rêver : Feuilles de cerisier au fil de l'eau, Fleurs de prunier, motifs d'oxalides en arabesques...

Des costumes, notamment des kimonos décorés à l'aide de ces pochoirs, avec leurs belles teintes profondes nous donnent une idée de l'élégance des réalisations rendues possibles grâce à cette technique.

Datant essentiellement des XVIII et XIX° siècles, âge d’or des Katagami, ils nous paraissent cependant d’une grande modernité.
La raison en est essentiellement que cette beauté épurée a plus tard séduit les Occidentaux : à la fin du XIX° et au début du XX° siècles, les mouvements Art nouveau puis Art déco vont trouver une formidable inspiration dans ce qu'on va alors appeler le japonisme : les volutes, courbes sinueuses et épurées, motifs stylisés inspirés de la nature seront repris dans l’architecture (Hoffmann à Vienne, Guimard à Paris), le mobilier, les arts décoratifs, les bijoux ... Dans cette deuxième partie de l'expo, on admire meubles, afiches, frises de Gustav Klimt, couvertures de livres, mais aussi les splendeurs que, dans cette veine, Lalique a créées : vases en verre dépoli, bijoux aux lignes ondulées, d'un raffinement et d'une simplicité remarquables.

A la finesse des motifs floraux de la première partie de l'exposition répond celle d'une écharpe de soie brodée simplement baptisée "Champ de marguerites", en teintes délicates et lumineuses. Du XVIII° siècle japonnais au XX° siècle européen : de superbes réinterprétations dont on ne peut que se réjouir.

Maison de la culture du Japon à Paris - 101 bis, quai Branly à Paris 15ème
Jusqu’au 20 janvier 2007, du mardi au samedi de 12h à 19h / Nocturne le jeudi jusqu’à 20h.
Tarif : 6 € (TR 4 €)
Catalogue de l’exposition : 30 €
M° Bir Hakeim/ Rer Champs de Mars Tour Eiffel