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C'est comment l'opéra au cinéma ? Sans chanteurs, sans orchestre et sans plateau, évidemment ce n'est plus du spectacle vivant... mais sur l'immense écran de la Géode à Paris, et la qualité sonore de la salle, c'est quand même quelque chose !
Le Met reprend cette saison la diffusion en haute définition de ses plus grands spectacles, en direct dans le monde entier (42 pays, un millier de salles). Tosca samedi, Aïda le 24, Turandot le 7 novembre, Les Contes d'Hoffmann le 19 décembre... la programmation est faite pour attirer (avec succès) le grand public. Sauf que lors de sa première au Metropolitan Opera, le 21 septembre dernier, la mise en scène de l'un des plus célèbres opéras de Puccini, signée Luc Bondy a été huée. Ont scandalisé notamment les décors non conformes à "la tradition" de l'oeuvre, la représentation d'un Scarpia entouré de prostituées, ou d'un Cavaradossi embrassant la Vierge sur la bouche... Le metteur en scène français précisait dans Le Monde de samedi que cet accueil était dû à la particularité d'un public de première, "un public de gala pour une grande part venu pour se montrer", et que ces manifestations ne s'étaient pas reproduites lors des représentations suivantes...

Le fait est que la Tosca de ce 10 octobre, en matinée à New-York, en soirée à Paris, fut un régal absolu. Luc Bondy, a fait ressortir toute l'humanité des personnages et de l'histoire, captivante ("un thriller", pour reprendre le mot du metteur en scène) de Tosca. Les jeux d'acteurs accompagnent les chants de façon ultra-convaincante, George Gagnidze dans le rôle de Scarpia est plus abominable que jamais (forcément monolithique), Karita Mattila en Tosca et Marcelo Alvarez en Cavaradossi sont capables de faire passer la variété de leurs émotions d'une façon telle que l'on serait presque heureux de n'être "que" devant l'écran, où l'on peut lire en gros plan la moindre de leurs expressions et en savourer toute la force.
Karita Mattila est une Tosca bouleversante, immense d'humanité, tour à tour calme et brûlante. Et surtout, que dire de Marcelo Álvarez en peintre Cavaradossi ? Velours et puissance, humour et profondeur, la séduction de l'Argentin est totale. Tous deux longuement et justement applaudis.

Le coup d'essai de Luc Bondy à New-York est un coup de maître ; ses choix coulent de source, c'est-à-dire du livret. La lippe libidineuse et le rictus effrayant d'un Scarpia s'adonnant à la luxure est dans la droite ligne de ce personnage tortionnaire, jouisseur et manipulateur. Les décors sont superbes, tout en sobriété et verticalité, chapelle réchauffée d'amour, de fleurs et de peinture au premier acte, tour du château Sant'Angelo avant l'aube au dernier : on commence dans la légèreté, on finit dans la noirceur la plus absolue. C'est Tosca, c'est tout Tosca et il semblait ce soir-là que cela ne pourrait être rien d'autre.

Metropolitan live in HD
La saison 2009/2010 du Met en direct
Jusqu'au 1er mai 2010
Dates et salles sur cielecran.com

Mêler à l'opéra la variété issue de la Star Académie est une entreprise audacieuse, qui s'expose aux risques de ridicule et de prétention, un peu comme sortir l'argenterie et le linge damassé pour servir du fast-food. Ces risques là, Gérard Pesson les a pris, en créant Pastorale, donnée ces jours-ci en première au théâtre du Châtelet à Paris. (1)

Le livret est inspiré de L'Astrée d'Honoré d'Urfé, roman-fleuve du XVIIème siècle décidément revenu à la mode puisqu'il avait déjà inspiré en 2007 un très beau film à Eric Rohmer ("Les Amours d'Astrée et de Céladon").
Dans l'oeuvre d'Urfé, l'histoire est celle d'aristocrates endossant l'habit de bergers pour jouer aux jeux de l'amour, avec pour personnages centraux la belle Astrée et le jeune Céladon qui s'aiment et se fuient sans fin, trahisons et souffrances à la clé.

Dans Pastorale, ce sont de jeunes candidats à un jeu de télé-réalité qui se mettent dans la peau de bergers, entourés d'assistants et guidés par le druide Adamas.
Lookés façon néo-babas-cools, les jeunes partent donc chercher le bonheur dans de vertes prairies, dans une nature close et idéalisée, rejouant une fois de plus le mythe de l'Eden retrouvé. Les amours d'Astrée et de Céladon, quant à elles, assurent - a minima - la structure narrative de l'opéra.

Ce mélange d'inspirations (la littérature et la télé-réalité) pèse hélas sur la cohérence du spectacle et en brouille la lisibilité. Le livret est révélateur de ces contradictions (pas moins de quatre auteurs y ont d'ailleurs participé) : d'une écriture courte et erratique, il hésite entre prosaïsme et poésie, entre simple envoi de messages et romanesque, sans qu'aucune force ne parvienne à le faire décoller.
La cohabitation de voix lyriques et de la chanson est bien de ce tonneau-là, alliage quelque peu improbable, et grande est la menace - non totalement exécutée toutefois, fort heureusement - de voir la représentation sombrer du mauvais côté de la comédie musicale genre cucul-commercial. Quant à la chorégraphie, sortie de l'imagination, visiblement très limitée, de Kamel Ouali, elle semble appartenir à la même école artistique que les costumes : agitée à trop vouloir être jeune, banale à trop vouloir être à la mode.

Ça, c'est tout ce qui peut agacer. On passe pourtant une très bonne soirée. Et il y a de quoi : la musique de Gérard Pesson, que l'on range d'habitude du côté du bizarre et de l'intime, déploie dans cette ambiance pastorale et contemporaine tout ce qui en fait le charme. Ses couleurs variées et ses déclinaisons de formes infinies révèlent de magnifiques harmonies. Elles sont jouées avec de vrais instruments autant qu'avec toutes sortes d'objets domestiques et font la part belle aux pépiements d'oiseaux, bruits d'eau, respirations, bruissements (et déchirements) de feuilles...
La scénographie / mise en scène est signée du grand vidéaste Pierrick Sorin. Faite notamment d'images tournées directement à partir de maquettes posées sur scène et projetées sur grands écrans, elle fourmille d'inventivité, de surprises et bien souvent d'humour. Plein de vie et des plus plaisants, ce cadre visuel joue un rôle prépondérant dans le spectacle.
Finalement, la très bonne idée de cette Pastorale est certainement l'association Pesson - Sorin. A tous les deux ils sont capables de créer une telle poésie et une telle modernité que l'on ne voit pas bien pourquoi il a fallu aller chercher du côté de la télé et de la variété pour tenter d'enrichir le programme. Ce jeunisme quasiment affiché frôle la démagogie et encombre un spectacle dont la seule présence de grandes voix lyriques sobrement dirigées aurait à coup sûr garanti le succès. On peut rêver à un nouveau casting : ce serait la Pastorale II.

Pastorale
Gérard Pesson
Opéra en quatre actes et quarante-deux numéros
Théâtre du Châtelet - 1 place du Châtelet, 75001 Paris
Renseignements : 01.40.28.28.00
Jusqu'au 24 juin 2009, à 20 h
Durée : 2 h 25 avec entracte
Places de 15 € à 90 €

Livret : Martin Kaltenecker, Philippe Beck et Gérard Pesson, avec la collaboration de Hervé Péjaudier
d'après L'Astrée d'Honoré d'Urfé (1607-1627)
Création scénique mondiale
Direction musicale : Jean-Yves Ossonce
Mise en scène, vidé, décors, costumes et lumières : Pierrick Sorin
Chorégraphie : Kamel Ouali
Astrée Judith Gauthier
Céladon et Alexis Olivier Dumait
Listandre Ivan Geissler
Adamas Marc Labonnette
Silvandre Pierre Doyen
Florice et Sylvie Marie-Ève Munger
Phillis Hoda Sanz
Diane Raphaelle Dess
Une bergère Melody Louledjian
Une bergère et Léonide Amaya Dominguez
Une bergère et Galathée Sophie Leleu
Hylas Jean-Gabriel Saint-Martin
Lycidas Thomas Huertas
Orchestre symphonique Région Centre-Tours
Chœur du Châtelet

(1) Pastorale est une commande de l'Opéra de Stuttgart, où l'oeuvre a été créée en version de concert en mai 2006. Pour cette création scénique, le Théâtre du Châtelet a passé commande à Gérard Pesson de deux nouvelles chansons, écrites par Adrien Léveillé et destinées à Diane et Phillis.

Heddy Maalem a déplacé le célèbre ballet sur le continent africain, dans une pièce créée en 2004 et présentée jusqu'au 12 juillet dans la Grande Halle de la Villette dans le cadre du festival Afrique(s).

Cette réinterprétation des rites universels du Sacre du printemps résonne avec une force formidable dans les rythmes et mouvements des cultures africaines. La chorégraphie de Maalem, à la fois très écrite et brute associe dans un bel équilibre les "classiques", si l'on peut dire, de la danse contemporaine, des passages de danse "tribale" déchaînée et des moments très lents de pure sensualité. Son langage permet à chacun des quatorze danseurs de s'exprimer selon une gestuelle propre, même dans les tableaux d'ensemble. Malgré les rythmes parfois insensés, malgré la folle énergie, le spectacle demeure dans l'épure. Une qualité qui ne tient pas seulement à la chorégraphie, mais également aux choix de mise en scène extrêmement sobres. Après un magnifique prélude dans la semi-obscurité, où un couple de danseur se dessine comme des ombres chinoises sur un fond d'écran de feuillages africains, place à la lumière franche, murs et sol blancs sans autre décor. Les six danseuses et huit danseurs africains sont simplement vêtus de maillots. La vidéo ne revient qu'aux moments clés du ballet, toujours de façon simple et juste.Quant à la musique de Stravinsky vieille de près d'un siècle, elle semble avoir trouvé un nouveau souffle et même redoublé de puissance, portée par le vent de ce fascinant continent noir.

Le Sacre du printemps
Chorégraphie de Heddy Maalem
Musique de Igor Stravinsky
Grande Halle de la Villette - Salle Charlie Parker
Festival Afrique(s)
Jusqu'au samedi 12 juillet 2008
A 20 h, durée 1 h
De 8 € à 15 €

Photo © Patrick Fabre