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L'installation d'Anri Sala, l'artiste qui représentera la France à la prochaine Biennale de Venise en 2013, nous invite à une expérience originale. Conçue spécialement pour le Centre Pompidou, dépourvue de titre, elle est faite de très peu d'objets, de cinq grands écrans sur lesquels sont projetés quatre films, et de beaucoup de sons. C'est une œuvre qui se vit davantage qu'elle ne se visite.

Le vaste espace d'exposition de la Galerie Sud est en grande partie plongé dans la pénombre. Title Suspended, une sculpture de l'artiste de 2008 appartenant au Centre, présentée sur un mur immaculé accueille le visiteur. Il s'agit d'une paire de gants de latex violet figurant des mains articulées en face à face, qui tournent lentement, tantôt "habitées", tantôt laissant choir un doigt comme abandonné, et que l'on resterait longtemps à décrypter si le son ne nous attirait pas irrésistiblement vers la suite de l'installation.

C'est que la musique est l'une des composantes essentielle de l'œuvre : elle enveloppe le visiteur en permanence et rythme ses déplacements dans l'exposition. Trois musiques fort différentes mais qui s'imbriquent parfaitement sont réunies : une symphonie de Tchaïkovski, une nouvelle version de Should I Stay or Should I Go des Clash et le rythme de dix batteries (Doldrums, 2008).
Ces musiques viennent aussi bien des films eux-mêmes (qui montrent à certains moments des personnages en train de jouer), que des dix-septs hauts-parleurs disséminés dans l'espace d'exposition, en encore des batteries installées ici et là et qui se mettent à jouer en automate par intermittence.

Les films sont découpés en douze séquences, issues d'un montage spécifique pour l'installation de quatre films réalisés par Anri Sala entre 2008 et 2011. Ces séquences s'enchaînent d'un écran à un autre dans le sens des aiguilles d'une montre, et c'est le déclenchement de la musique qui indique où le film reprend, invitant le visiteur à se déplacer.
Le tout dure une heure ; chaque étape laisse le temps de s'installer, sur un cube où le plus souvent à même le sol noir conçu pour amortir tout bruit de pas.

Les films montrent Sarajevo pendant le siège de 1992 à 1995 (1395 Days without Red), un dôme géodésique à Berlin (Answer Me), une salle des fêtes désertée à Bordeaux (Le Clash) et le site aztèque de Tlatelolco à Mexico (Tlatelolco Clash). Les personnages ne parlent presque pas, mais les images, d'un puissant effet hypnotique et associées à la musique sont très évocatrices.

En particulier, la peur, la claustration, le désir - toujours contrarié - de s'échapper sont fortement à l'œuvre dans 1395 Days without Red, qui renvoie aux 1395 jours où les habitant de Sarajevo n'ont pas porté de rouge pour ne pas être pris pour cible par les snipers : une jeune femme marche dans les rues désertes, comme hantée à la fois par le présent et le souvenir ; elle semble chercher son courage et son chemin au rythme de la symphonie de Tchaïkovski qu'elle chantonne ; aux carrefours, elle se met à courir, puis perd son souffle, s'arrête, recommence à marcher.
A Berlin, le bruit de la batterie dont l'homme joue couvre la dispute qui l'oppose à une femme ; on/il entend à peine ce qu'elle a à dire, si ce n'est Answer me.
La narration, aussi ténue soit-elle, résulte donc autant de la musique que des images.

Europe libre, Europe en guerre passée ou contemporaine, Amérique Latine violente hier et aujourd'hui : les lieux ne sont évidemment pas neutres. Ici comme ailleurs, il est question de séparation, de perte, de solitude.
En contre-point, la musique symphonique de Tchaïkovski évoque un collectif et une harmonie dont le contraste est d'autant plus poignant que lorsqu'il fait jouer Should I Stay or Should I Go au Mexique, ce n'est pas un groupe qui opère, mais une vieille femme qui passe des cartes dans une orgue de Barbarie...

Mais un autre contre-point attend le visiteur qui s'éloigne des écrans pour se diriger vers la baie vitrée qui donne sur l'extérieur, avec la fontaine Stravinski et les terrasses, où il découvre un monde grouillant, coloré, vivant. Cette vision de la réalité fait-elle partie d'un autre film ? Des passants curieux se tournent pour voir ce qu'il se passe à l'intérieur : nous voici nous-même acteur du grand film symphonique qu'est la déconcertante et passionnante installation de ce talentueux artiste Franco-Albanais de 38 ans.

Anri Sala
Centre Pompidou
Place Georges Pompidou - Paris 4ème
De 11 h à 21 h, nocturnes tous les jeudis jusqu'à 23 h
Fermé le mardi
Entrée de 11 à 13 euros
Jusqu'au 6 août 2012

Images :
Title Suspended, 2008 © Anri Sala
Doldrums, 2008 Courtesy : Marian Goodman Gallery, New York - Vue de l'installation à la Serpentine Gallery, Londres © photo : Sylvain Deleu
1395 Days without red, Anri Sala, en collaboration avec Liria Begeja © Milomir Kova

Giacometti et les Étrusques : le rapprochement ne dérange pas, bien au contraire. Les statuettes en bronze filiformes des uns et de l'autre présentent des plastiques si proches que le premier coup d'œil suffit à accepter la réunion, en un même lieu, de ces œuvres séparées de plus de deux millénaires.

L'influence de la production Étrusque sur celle de Giacometti est affaire de spécialistes, dont certains insistent sur la fréquentation par le sculpteur Suisse des salles d'Antiquité et d'archéologie du Louvre, puis la découverte de l'exposition Étrusque dans ce même musée en 1955, et enfin un voyage en Italie où il découvrit, à Volterra, la fameuse Ombre du soir.

Mais, étrangement, ces développements d'historiens d'art paraissent presque superficiels face aux œuvres elles-mêmes, face à la profondeur historique de la civilisation Étrusque et à la puissance de l'œuvre de Giacometti.

Passionnante en revanche est la question soulevée par Genet, et rappelée à la Pinacothèque, du rapport de Giacometti à la mort à travers ses œuvres : "Giacometti me dit qu'autrefois il eut l'idée de modeler une statue en terre et de l'enterrer (...) non pour qu'on la découvre, ou alors bien plus tard, quand lui-même et jusqu'au souvenir de son nom aurait disparu", se souvient l'écrivain dramaturge. Ce désir de rendre ses œuvres à l'éternité trouve naturellement grand écho dans cette exposition, où ses bouleversantes peintures et sculptures cohabitent avec les urnes cinéraires et les objets funéraires destinés à accompagner les défunts.
Plus encore que les similitudes formelles, ce sont les interrogations soulevées par les œuvres de Giacometti qui renvoient aux grandes civilisations antiques, à leur rapport à la mort, et réciproquement. Dans son œuvre graphique comme plastique, Giacometti n'a cessé de représenter l'Homme dans son plus total dénuement, les mains vides et dans une absolue solitude. Peut-être n'a-t-il jamais cessé d'interroger la condition de l'Homme, le sens de la vie, et d'y apporter avec ses figures une réponse désespérée.
La confrontation directe avec les oeuvres de la protohistoire puis de l'Histoire classique de la Méditerranée exacerbe cette lecture.

Cette approche est frappante dès la première partie de l'exposition, essentiellement consacrée à la civilisation Étrusque (IXème siècle avant J.-C. au 1er siècle de notre ère). Placée à côté d'une statue en pierre du VIIème siècle av. J.-C. (période dite orientalisante car marquée par l'adoption des motifs orientaux), la peinture épurée Deux têtes (1960) fait forte impression : on y ressent plus que jamais tout le vide qui entoure la figure d'homme, à la fois d'une formidable présence mais placé en bas du tableau sur un fond gris, comme littéralement enterré.

Après de superbes séries d'urnes cinéraires biconiques, de vases canopes anthropomorphiques en terre cuite, de kyathos en bronze, d'askos, d'œnochoés et de cratères en céramique (le tout venu en majorité de Toscane et en particulier du Musée archéologique de Florence) nous faisant remonter les quatre grandes périodes de l'histoire Étrusque, de la période villanovienne jusqu'à la période hellénistique, la seconde partie se concentre sur la "Rencontre de deux mondes", faisant dialoguer à parts égales Antiquité et XXème siècle.

Esthétiquement, on l'a dit, tout se répond, des sculptures en bronze vert-de-gris longilignes et isolées, à la réunion dans une même vitrine de petits groupes de statuettes, tels ces Trois hommes qui marchent (1948) côtoyant quatre statuettes de la période hellénistique.

Au demeurant, considérées isolément, beaucoup de ces œuvres sont admirables.
Star Étrusque de l'exposition, L'Ombre du soir, étirée comme un fil, tête légèrement penchée vers l'avant et d'une finesse inouïe captive comme un aimant.

De Giacometti, l'on apprécie de trouver des œuvres issues de collections particulières, comme cette Cage de 1960, mais aussi d'en retrouver d'autres issues du riche fonds Maeght de Saint-Paul-de-Vence.

La dernière salle est à cet égard une grande réussite scénographique, présentant six Femmes de Venise parfaitement éclairées, à scruter tranquillement sous tous les angles. Dépassant la plastique générale, l'on s'attarde sur les détails. Peu à peu, seules les têtes paraissent en éveil, vivantes sur des corps passifs. Que font-elles ? Attendent-elles ? Mais quoi ? Quel bonheur que Giacometti ait renoncé a les enterrer et les ait laissées nous interroger sans fin.

Giacometti et les Étrusques
Pinacothèque de Paris
28 place de la Madeleine dans le 8ème, Paris
TLJ de 10h30 à 18h30, les mer. et ven. jsq 21 h
Les dim. 25 déc. et 1er jan., de 14h à 18h30
Entrée 10 € (TR 8 €)
Jusqu'au 8 janvier 2012
En parallèle, et à partir du 27 septembre, Les Collections de la Pinacothèque seront à nouveau visibles (voir la partie sur la collection permanente, billet du 13 février 2011)

Images :
Kylix à figures rouges, Ve siècle av. J.-C., Terre cuite, Museo etrusco Guarnacci-Volterra, © Photo : Arrigo Coppitz
Grande femme 1, ou Grande Femme debout 1, 1960, Bronze, 270 x 56 x 34 cm, Collection Fondation Maeght, Saint-Paul de Vence © Succession Giacometti / ADAGP, Paris 2011 ; Photo : Claude Germain
L’Ombre du Soir, IIIe siècle av. J.-C., Bronze, Museo etrusco Guarnacci-Volterra © Photo : Arrigo Coppitz

L'exposition, sublime, est en grande partie une découverte.
On connaît le labyrinthe de sculptures et de céramiques, pour certaines monumentales, que Miró a créé pour la Fondation Maeght inaugurée à Saint-Paul en 1964.
Aimé Maeght avec qui il était lié depuis les années 1940 lui avait offert en ce lieu la possibilité de réaliser des œuvres en emprise totale avec la nature.
A Vence, et dans bien d'autres musées d'Europe notamment, se déploie largement l'œuvre peint de Miró, ces grandes toiles constellées de signes, d'étoiles, de taches de couleurs primaires et de traits rappelant la calligraphie, ces tableaux qui sont de larges plages où Miró recrée le monde, où se réunissent, se croisent ou s'entrechoquent tous les éléments de l'univers.

L'exposition à voir au Musée Maillol à Paris jusqu'au 31 juillet permet de compléter cette approche de l'artiste catalan, grâce à la réunion d'une centaine de sculptures issues de la Fondation Maeght. S'y ajoutent 19 céramiques (un aspect fondamental de sa création, entreprise avec Josep Llorens Artigas, à l'époque des premières sculptures) et une immense peinture, non seulement magnifique mais aussi indispensable pour mettre en évidence la cohérence de l'œuvre de Miró.

Dans les différentes disciplines, l'artiste semble toujours se situer à la frontière de l'observateur de la nature et du bâtisseur, de l'abstraction et de la figuration, de la géométrie et du déséquilibre. Face à ses sculptures, l'on se dit qu'il fait partie de ceux qui osent tout, qui ont l'ambition démesurée de créer une sorte de totalité, et trouvent, grâce à leur génie, les moyens plastiques d'y parvenir.

Ce sont des assemblages d'objets hétéroclites, objets manufacturés et reliefs trouvés dans la nature mêlés, couverts de toutes les déclinaisons de patine imaginable, du noir le plus neutre à la couleur la plus éclatante, en passant par toutes sortes de reflets bruns, ocres, ou vert-de-gris. Ils forment des personnages étranges, souvent des femmes, mais aussi des hommes et même parfois les deux à la fois - ce peut-être en tournant autour de la sculpture (quand la mise en espace le permet !) que l'on découvre ces points de vue différents. Ce sont ailleurs des animaux un peu fantastiques, qui peuvent se présenter comme un simple chien ou un oiseau. Les deux mondes, humain et animal aiment à se rencontrer, un oiseau venant alors se poser sur la femme.

Les volumes sont souvent géométriques, alors qu'ici ou là des ex-croissances, des ajouts viennent menacer l'équilibre, mais sans jamais le rompre. La "composition" est toujours solide, même dans ses sculptures les plus étranges ou les plus aériennes.
S'y retrouvent les motifs récurrents de l'univers de Miró, comme les cornes, les croissants de lune, les étoiles, les pieds humains, les disques, les lignes primitives ou préhistoriques. La nature englobe terre et monde stellaire ; et l'homme semble se déployer avec la plus grande évidence dans cette totalité.

Se laissent découvrir, parfois un peu cachés, des incisions, toutes sortes de signes, à la fois évocations d'écritures anciennes et marques ultime d'accomplissement de l'œuvre par l'artiste. Comme pour rappeler qu'une sculpture, comme une peinture, non seulement s'inscrit dans l'Histoire mais aussi raconte une histoire, signée collectivement et individuellement.
Il en va sans doute également de cette démarche lorsque Miró titre ses œuvres Monument dressé en plein océan à la gloire du vent, Oiseau lunaire, L'horloge du vent... Il se fait alors poète au sens littéral, illustrant explicitement le lyrisme et l'onirisme de ses splendides créations.

Miró sculpteur
Musée Maillol
61, rue de Grenelle 75007 PARIS
M° Rue du Bac
TLJ de 10 h 30 à 19 h, le ven. jsq 21 h 30
Jusqu'au 31 juillet 2011
Entrée 11 € (TR 9 €)

Images : Tête de femme et oiseau, Bronze, 1972, 102 x 70 x 44 cm © Successió Miró/Adagp, Paris 2011 Archives Fondation Maeght, Saint Paul Photo Galerie Maeght, Paris Photo Claude Germain
Jeune fille s'évadant, Bronze peint, 1968, 198 x 34,5 x 65 cm avec socle © Successió Miró/Adagp, Paris 2011 Archives Fondation Maeght, Saint Paul Photo Claude Germain

Ils sont bien modestes, tellement bas qu’on ne les remarque plus. Souvent il ne reste qu’un morceau de « ferraille » qui dépasse du mur, qu’on a oublié d’enlever dirait-on, qui a dû servir à quelque chose autrefois…
D’autres, pas bien nombreux, sont repeints, ils gardent encore leur forme d’origine et peuvent éveiller la curiosité du passant. Cette curiosité, alors, peut faire s’élever ces témoins discrets de la ville ancienne au noble rang de « petit patrimoine urbain ».

Les décrottoirs du quartier des Chalets à Toulouse, et ce n’est pas un bien vaste quartier, sont encore plus de 150. Certes, parfois il faut deviner, sous le métal rouillé et tordu, que cet objet bien utile a eu son heure de gloire, tout brillant du raclage des dessous de chaussures. Les rues devaient être bien boueuses il y a 80 ou 100 ans, pour que s’impose le besoin de se décrotter avant de pénétrer dans le couloir de sa maison toulousaine.
Le décrottoir, ici, est fiché dans le mur, à droite ou à gauche de l’entrée, parfois un de chaque côté, à quelques 15 ou 20 centimètres du sol. On grattait ses chaussures face au mur, alors que dans d’autres villes ce pouvait être fait en parallèle, parfois sur l’instrument planté dans le sol. Dans un premier temps, les décrottoirs paraissent assez divers dans leur forme. En fait, l’observation attentive permet de s’apercevoir que beaucoup ont perdu une partie de leur état d’origine au point de les rendre méconnaissables. Ils ont beaucoup souffert du vandalisme automobile, lorsqu’à l’époque de la reine Voiture ils ont été écrasés sous les roues et les pare-chocs des véhicules envahissant les trottoirs. La remontée du niveau du sol a pu les noyer à demi dans le bitume ou le pavage. La restauration des façades, quand elle n’a pas provoqué l’enlèvement de l’objet gênant, l’a parfois arrosé de crépi.

Si on en détermine l’architecture principale, on peut recomposer le type initial. Trois sont particulièrement fréquents. A défaut de connaître leur dénomination à l’époque de leur scellement, on inventera ici une typologie :
- les décrottoirs « cornes de bélier » : ils sont fixés en trois points, et c’est la « corne », située en dessous qui a pu être arrachée.
- Les décrottoirs « pomme de pin » : plus d’une vingtaine sont encore entièrement visibles.
- Les décrottoirs « farandole » : ils présentent une décoration semblable à une ronde de danseurs, les bras levés. Deux sous types coexistent, l’un rectangulaire, l’autre rond.
Les autres formes sont isolées, moins d’une dizaine sont représentées dans ce quartier.
Ils sont tout en bas, ne cherchent pas à relever la tête, mais leur fierté se dévoile quand ils se sentent reconnus.

Si c'est au XVII° siècle que les crânes apparaissent à profusion sur les tableaux de nature morte, en un genre appelé Vanités, de telles représentations de la mort sont présentes dans les maisons dès l'Antiquité.

Ainsi, à Pompéi, deux mosaïques ont été retrouvées sur ce thème. L'une montre un crâne et un papillon reposant sur une roue : le corps et l'âme livrés à la roue du destin. L'avertissement de cette allégorie macabre, certainement l'une de toutes premières de l'histoire de l'art, n'est autre que « Omnia mors adequat » (« La mort aplanit tout »).

Vingt siècles plus tard, Philippe Pasqua réinterprète le motif avec un crâne recouvert de feuilles d'argent et parsemé de grands papillons orangés, magnifique à dire vrai. Le sujet du « Memento mori » (« Souviens-toi que tu mourras ») est donc loin d'être épuisé, les artistes le réinterprétant inlassablement, en peinture, en sculpture ou en photo, comme l'exposition qui vient d'ouvrir au Musée Maillol le met en évidence.

Chronologiquement, le parcours est inversé : on plonge directement dans les œuvres contemporaines, avant de visiter les Anciens puis les Modernes. Un détail de peu d'importance, la thématique étant suffisamment explicite. Au demeurant, malgré les quelques 160 œuvres, l'exposition ne prétend pas à une représentation exhaustive des différentes périodes de l'histoire de l'art, d'autant que le sujet n'a pas été toujours aussi prisé qu'aujourd'hui.

En Europe du Nord, le contexte du XVIIème siècle, avec ses guerres de Religion favorise le développement des Vanités, où le peintre mêle crânes humains, bougies et sabliers symbolisant la fuite du temps, livres, fleurs et fruits, pour rappeler la futilité des connaissances, la corruption de la beauté et de la matière. En Europe du Sud, les peintres associent au contraire la Vanité à des scènes religieuses. Dans une petite salle, se répondent trois beaux Saint-François : celui de Caravage, en méditation, celui de Zurbaran, agenouillé, très émouvant et enfin, l’Extase de Saint François, de Georges de La Tour. Les jeux de lumière avec la clarté du crâne ressortant de l'ombre accentuent la gravité du message.

Pour l'essentiel, ces tableaux sont peu connus car issus de collections privées. Certains sont plus anecdotiques mais somme toute très frappants car ils montrent non pas des squelettes mais des cadavres en décomposition. Sur une œuvre anonyme d'un peintre espagnol, le macchabée, toutes tripes dehors est en proie à la voracité des petites bêtes, les attributs du pouvoir, sceptres, couronne, posés à ses côtés et renvoyés à leur vanité. Sur la Testa de Jacopo Ligozzi, une tête en voie de décomposition, bouche béante, est attaquée par les vers, alors que Seneta (vieillissement) est inscrit sur le cartouche inséré dans le livre... ça fait envie !

Galerie variée également du côté des oeuvres contemporaines, avec des tableaux de Miquel Barcelo, Richter, Ernst, de grande beauté ; mais aussi des crânes de Niki de Saint-Phalle, Annette Messager, et naturellement Damien Hirst.
Entre les deux périodes, un grand trou ou presque, les Vanités étaient passées de mode au Siècle des Lumières. Au siècle suivant, Géricault a traité le thème avec ses Trois crânes puis au début du XXème, Cézanne, Picasso, Braque ont eux aussi fait leurs Vanités mais leurs tableaux semblent relever d'un pur exercice de style.

Mieux vaut s'attarder devant les vitrines présentant des pièces unique du joailler vénitien Codognato, famille installée près de la Basilique San Marco (elle en devint même l'orfèvre attitré), qui depuis 1866 s'inspire d'oeuvres de toutes époques pour créer des bagues et des colliers en forme de Memento Mori. Aux motifs de crânes se mêlent harmonieusement des animaux symboliques comme la salamandre, le rat ou le serpent ; au diamant et aux pierres précieuses se mêle le corail aux vertus protectrices... Des petites merveilles à ne pas louper.

"C'est la vie ! Vanités de Caravage à Damien Hirst"
Musée Maillol
61, rue de Grenelle, Paris 7e
Tous les jours de 10 h 30 à 19 heures, vendredi jusqu'à 21 h 30
Jusqu'au 28 juin 2010
De 9 € à 11 €

Images : Memento Mori, Mosaïque polychrome de Pompéi, 1er siècle, Base calcaire et marbres colorés, 41 x 47 cm, Musée national d’archéologie de Naples © Archives surintendance spéciale Beni et archologici Naples et Pompéi
Bague « Alchimie » Or, émail blanc sur or, diamants, émail, Epoque contemporaine, modèle des années 1940 Collection particulière, courtesy Codognato © Andrea Melzi

Vu de loin, il est un peu difficile à appréhender, ce fameux CENTQUATRE. Centre d'artistes davantage que centre d'exposition, lieu de création multidisciplinaire dont les ateliers peuvent être visités à certains moments, et en même temps ouvert au public jusqu'à 21 h, voire jusqu'à 23 h... Finalement, quand se déplacer dans ce coin du XIXème arrondissement, et pour y voir quoi ? Un an après son ouverture, l'installation de l'artiste suisse aux multiples talents, Ugo Rondinone, dont le titre How does it feel plaît déjà beaucoup, provoque enfin l'occasion d'une visite.

Est-ce le calme de la mi-journée d'un beau samedi d'automne qui rend la surprise si agréable ? Le lieu séduit immédiatement, et son côté un peu inclassable n'y est certainement pas pour rien. L'architecture aux dimensions impressionnantes de la fin du XIXème siècle, qui abritait autrefois le service municipal des pompes funèbres a été conservée, avec ses lignes simples et aérées. Le bâtiment est largement ouvert sur le ciel, soit directement soit grâce à ses verrières, mais il est aussi un univers en soi. A peine fini ou en devenir, brute et élégante, l'enfilade d'espaces, ici jardin, là librairie, plus loin snack, donne envie de s'arrêter partout. Mais l'attrait de l'installation d'Ugo Rondinone l'emporte. Elle est presque au fond, on ne peut pas la louper, une petite maison carrée dont les murs blancs quadrillés de noir figurent des briques.

Tandis qu'une télévision déroule un documentaire sur le montage du projet expliqué par l'artiste, les visiteurs isolés font le tour de l'oeuvre et recommencent, car l'entrée est invisible ! Quant enfin on aperçoit la porte dissimulée dans la façade, on passe de l'espace monumental et semi-ouvert du CENTQUATRE à un lieu petit, carré et parfaitement clos. L'intérieur est aussi minimaliste que l'extérieur. Sol en béton, textile gris aux murs, néons au plafond. Une bande-son diffuse une conversation en anglais entre un homme et une femme. Puis le même dialogue est repris, rôles inversés. Banale et courte, la conversation nous rapproche de Beckett et nous renvoie à nous-même. Un seul regret : que l'on ne puisse s'asseoir, car la douceur et le caractère obsédant des bruissements de voix donne envie de s'installer un moment.

La halte se fera donc dans le passage du CENTQUATRE, les bancs des tables de bois au soleil y invitent. De là, un autre spectacle, lui vivant et improvisé, commence : des jeunes du quartier profitent de l'endroit pour s'entraîner à danser, dans leur coin et ensemble, en silence, ou la musique à l'oreillette. Passionnant à voir (il y a quelques surdoués), réjouissant aussi, car ils ont vraiment l'air de se faire plaisir.
Il faudra quand même finir par partir, après un antépénultième arrêt au jardin, urbain, branché, un programme en soi, suivi d'un dernier à la librairie (tout à fait conseillée). Le restaurant, lui, n'est pas encore prêt, mais on peut se restaurer soit au café-terrasse à l'autre bout, soit carrément sur les tables-bancs-parasols de tout à l'heure, en achetant une pizza à la guitoune.
C'est frais, et ça fait du bien.

How does it feel
Ugo Rondinone
Une manifestation du Festival d'Automne
CENTQUATRE
104 rue d'Aubervilliers / 5 rue Curial - Paris XIX°
Du mar. au dim. de 11 h à 21 h et jusqu'à 23 h les ven. et sam.
Jusqu'au 10 janvier 2010
Entrée libre

A découvrir également du même artiste :
Sunrise east dans le jardin des Tuileries
Jusqu'au 15 novembre 2009, de 7 h 30 à 19 h 30, entrée libre