Retour - hélas temporaire ! - sur
le sol natal pour ce magnifique ensemble de dessins, peintures, sculptures et
objets d'art décoratif du XIXème et du début du XXème siècles.
Les époux Hays l'ont patiemment constitué depuis le début des années 1970 ; pour quelques mois ils ont accepté de s'en dessaisir afin de partager leur plaisir avec les visiteurs du Musée d'Orsay.
L'exposition qui les réunit est magnifique. La présentation est simple, d'abord intimiste, ce qui sied fort bien à l'esprit "collectionneur" et aux portraits et dessins exposés ; puis grandiose avec une belle galerie mettant merveilleusement en valeur les grands tableaux décoratifs, le mobilier et les sculptures.
Les œuvres choisies par les époux Hays portent en majorité sur la période post-impressionniste. Elles ont été sélectionnées pour décorer, l'axe est évident : voici le Paris de la Belle Epoque, voici les couleurs chatoyantes des Nabis, voici des pastels de Degas... Tout est agréable, beau, presque rassurant. Et les murs du Musée semblent ici un écrin aussi accueillant et cosy que doivent l'être l'appartement new-yorkais ou les hôtels particuliers des collectionneurs. Les Fillettes se promenant, panneau issu de la série des neuf formant les Jardins publics de Vuillard (dont le Musée possède cinq autres), le Café dans le bois de Bonnard, son Paravent à trois feuilles rouge, ou encore les splendides décorations Automne et Printemps de Denis auraient décidément tout leur sens dans les nouvelles salles du Musée d'Orsay dédiées aux arts décoratifs.
Une passion française - La collection Spencer et Marlene Hays
Musée d'Orsay
1, rue de la Légion-d'Honneur 75007 Paris
Tlj sf lun., de 9 h 30 à 18 h, le jeudi jsq 21 h 45
Accès avec le billet du musée (9 €, TR 6,50 €)
Jusqu'au 18 août 2013
Image : Paravent à trois feuilles avec grue, faisans et oiseaux, canards et papillons, 1889 - Pierre Bonnard© ADAGP, Paris - 2013
En une centaine de peintures, dessins et
gravures,l'exposition du Musée du Luxembourg donne une idée de l'intensité de
l’œuvre de Marc Chagall (1887-1985).
Après la Guerre,
comme nombre de peintres, il s'installe sur la Côte d'Azur. La lumière
du Midi insuffle à sa peinture des couleurs de plus en plus éclatantes, dont
les immenses toiles du 
De
l'Allemagne : le titre, emprunté à celui d'un ouvrage de Mme de Staël
annonce clairement l'intention de l'exposition. Il s'agit, à travers la
présentation d’œuvres picturales significatives du XIXème et du début du XXème
siècles, d'étudier les spécificités de l'art germanique. Le visiteur
est là autant pour comprendre et apprendre que pour regarder et éventuellement
admirer.
A travers deux cents
peintures, gravures et sculptures datées de la fin du XVIIIème au début du
XXème siècles, mais aussi des films, L'ange du bizarre propose une
large vision du "Romantisme noir". Ce courant artistique européen est
né en Grande-Bretagne au moment où, au siècle-même des Lumières, la toute
puissance de la raison était déjà battue en brèche. Il s'est déployé au XIXème
siècle, a été réactivé par les Symbolistes et enfin réinterprété par les
Surréalistes dans l'Entre-deux-guerres.
A l'instar des
précédentes, cette nouvelle grande exposition du Musée d'Orsay est superbe,
enrichissante, passionnante.
L'exposition présente
quelques cent vingt œuvres, dont quatre-vingt-neuf peintures, des gravures, des
esquisses, et même des tapisseries, qui décoraient les édifices religieux
parisiens au XVIIème siècle et qui furent dispersées à la Révolution puis
envoyées dans les musées de province.
Ce n'est pas dans les
musées français que l'on trouve beaucoup de vedute, ces vues de Venise
peintes au XVIIIème siècle qui connurent immédiatement un grand succès, jamais
déjugé depuis.
Si
Guardi a étudié Canaletto, de quinze ans son aîné, comme le
montre l'exposition - il en a réinterprété certains dessins -, il a toutefois
adopté son style propre, avec des tons plus sombres, plus chauds,
souvent tirant vers le brun. Sa touche est plus rapide, comme
davantage dans l'esquisse tout en étant très aboutie. Son traitement de
l'architecture est différent aussi : déjà, ce n'est plus la Venise
éternelle (et si belle !) du Canaletto, Guardi révélant davantage l'âge et la
fragilité de la ville.
Finalement, c'est au
XIXème siècle que se produit un glissement - qui fait passer le visiteur vers
la seconde partie de l'exposition : la figure de vagabond et d'être libre
du Bohémien est alors revendiquée par une génération d'artistes qui prend ses
distances avec le parcours académique, quitte à vivre chichement, au moins pour
un temps. Cette période, qui voit la naissance de
La Bohème, couvre autant la peinture que la
littérature. Le commissaire de l'exposition Sylvain Amic et
Robert Carsen l'ont mise en espace de façon fort plaisante, pour ne pas dire
divertissante, tout en choisissant de s'arrêter aux années 1930.
De nombreuses références
(comme aux célèbres opéras que sont Carmen de Bizet et La
Bohème de Puccini) et de nombreux extraits de textes émaillent
délicieusement le parcours, offrant autant de vues différentes de
ces Bohèmes.
En une petite centaine d'œuvres, dont plus
de la moitié de tableaux, l'exposition du Louvre se concentre sur les dernière
partie de la riche carrière de Raphaël (1483-1520), de 1513 à
sa mort.
C'est d'ailleurs dans ces deux
sections, l'une consacrée aux Vierges et l'autre aux portraits que l'on
retrouve les œuvres à la fois les plus belles et les plus touchantes de
Raphaël : la Madone à la rose du Prado (partenaire de
l'exposition) et surtout l'inoubliable Madone de l'Amour divin du
musée Capodimonte à Naples. Outre leur perfection esthétique, ces tableaux
véhiculent, à travers l'expression des visages, les mouvements des corps et les
couleurs, d'immenses sentiments de tendresse.
Quoi de plus naturel
qu'une exposition exclusivement consacrée à Chaïm Soutine (1893-1943) au
Musée de l'Orangerie à Paris, où est conservée la plus grande
collection d'Europe du célèbre peintre Russe, soit 22 tableaux réunis par le
marchand d'art Paul Guillaume ?
Né dans la misère,
rongé par l'angoisse toute sa vie, Chaïm Soutine fut l'auteur d'une peinture
certes tourmentée et souvent incomprise, mais qui assurément trouva tôt son
public.
Guy Cogeval, le président
du musée d'Orsay, aime faire vibrer les arts entre eux ; pour preuve, la
partie dédiée aux arts décoratifs inaugurée l'an dernier (voir 
Ceci
est une lecture de l'exposition : elle pourrait être la seule, on serait
déjà ravi. Mais sa profonde originalité vient de ce qu'à la mode elle fait
répondre les Impressionnistes, ces grands fous du XIXème qui se sont mis en
tête de peindre l'air du temps, la vibration de la lumière, la sensation
fugitive et l'émotion de l'instant... Scènes de la vie urbaine croquée sur le
vif, attitudes naturelles et spontanées, ils renouvellent la scène de genre et
le portrait. Ce faisant, ils rendent aux étoffes leurs mouvements, leurs
reflets, leur transparence, qu'il s'agisse d'une modiste chez Degas, d'un
costume masculin chez Caillebotte, d'une riche robe chez Renoir et d'une
blanche mousseline chez Monet... tout cela vit, prend la lumière éclatante du
soleil ou joue avec la fée électricité sous les lambris du soir et, en
définitive, montre toute une société - huppée - dans son époque au
quotidien.