www.maglm.fr

Ces photographies sont présentées pour la première fois en France.

Elles témoignent pourtant de l'un des conflits majeurs du XXème siècle : la Guerre civile d'Espagne.

Agustí Centelles est un jeune photographe de la presse catalane lorsqu'en 1936 le putsch militaire de Franco contre la République met le pays à feu et à sang.

Engagé auprès des Républicains, à Barcelone et sur le front d'Aragon, très mobile grâce à son Leica, Centelles enregistre les luttes et les drames : l'enthousiasme des miliciens (et des miliciennes, ce qui est une première et ne manque pas de surprendre en découvrant ces photos) partant en colonne défendre le gouvernement du Front populaire, les combats de rue dans Barcelone, la ville détruite par les bombardements, les cadavres d'hommes et de chevaux, la vie quotidienne sur le front, les équipements de fortune, mais aussi les sourires de ceux que l'espoir et la solidarité animent.

Ce regard humaniste n'est pas sans rappeler celui de Robert Capa qui a lui aussi - mais en tant qu'"extérieur" - témoigné de ce déchirant conflit intérieur.
Les photos et les journaux de l'époque de diverses tendances politiques rappellent les réactions de la communauté internationale : le soutien immédiat de l'Allemagne et de l'Italie à Franco ; la non-implication de la France et de la Grande-Bretagne ; l'appui des volontaires anti-fascistes (pour l'essentiel appartenant aux Brigades internationales), comme les écrivains André Malraux et George Orwell (que l'on peut voir ici, engagé dans les milices en 1937), et, à partir de la défaite des Républicains, la peur de la France de voir des Espagnols venir en masse s'y réfugier.

La deuxième partie de l'exposition traite précisément de ce sujet, avec les photos que Centelles a prises dans les camps du sud de la France lorsqu'il a dû fuir le régime franquiste avec près d'un demi-million de ses compatriotes en février 1939.
Interné au centre d'Argelès-sur-mer puis à celui de Bram, dans l'Aude, il a gardé trace grâce à ses photos mais aussi à son journal des conditions de vie dans les camps. Dans son cahier d'écolier il écrit : "Chaque jour qui passe dans cette prison (on ne peut pas appeler cela un camp de réfugiés malgré le nom qu'il porte), le désespoir grandit : des hommes normaux à leur arrivée en France, beaucoup, la plupart, peut-être 70 %, ont dégénéré mentalement".

Entourés de hauts barbelés, gardés par des tirailleurs sénégalais, les abris étaient de simples baraquements en bois, dont on se demande comment Agustí Centelles a pu y installer un laboratoire photo.
C'est en tout cas ce qui lui a permis d'être libéré au bout de quelques mois, autorisé à aller exercer son métier à Carcassonne.

Mais en 1944, pour échapper à la Gestapo, il doit fuir une nouvelle fois et revient alors en Espagne, où il va travailler, d'abord clandestinement, puis très discrètement, jusqu'à la mort de Franco. Ce n'est qu'en 1976, soit près de quarante ans après qu'il les a prises, que Centelles ira à Carcassonne récupérer les négatifs de ces photos, laissés dans la famille qui l'avait hébergé à l'époque.
Visiblement, il a fallu attendre encore quelques trente années de plus pour les exposer en France.

Agustí Centelles
Journal d’une guerre et d’un exil, Espagne-France, 1936-1939
Jeu de Paume - site Sully
62, rue Saint-Antoine - Paris IVème
Jusqu'au 13 septembre 2009
Entrée 5 €

Images : Confraternisation de militants anarchistes et d’agents de la Guardia Civil, Barcelone, 19 juillet 1936, Agustí Centelles, Archives Centelles, Barcelone / © ADAGP, Paris, 2009
et Camp de réfugiés de Bram, 1939, Agustí Centelles, Archives Centelles, Barcelone / © ADAGP, Paris, 2009

Comment clôturer cette série de billets dédiés à au festival PHotoEspaña 2009 à Madrid sans évoquer la magnifique rétrospective consacrée à Dorothea Lange au Museo de colecciones ICO ?

Les 140 tirages relatent son travail des années décisives, 1930 et 1940 dans les Etats-Unis en crise.

Les plus connus sont ceux montrant les conséquences de la grande dépression de 1929, où l'on voit des files d'attentes pour trouver un emploi, la misère dans laquelle se retrouvent un grand nombre d'Américains, les déplacements de travailleurs du monde agricole.

L'empathie et le regard humaniste de Dorothea Lange semblent tout entier concentrés dans les portraits ultra-célèbres de cette Mère migrante entourée de ses enfants, dans la pauvreté et la détresse la plus absolue, dont le visage est déjà marqué par de profonds sillons alors qu'elle est âgée d'à peine trente ans.

Beaucoup moins connue en revanche est la série consacrée au déplacement forcé des personnes d'origine japonaise après l'attaque de Pearl Harbor en 1941. Le gouvernement décide en effet de regrouper et d'interner dans des camps tous ces hommes, femmes et enfants, même ceux de citoyenneté américaine. Dans un contexte de racisme anti-japonais affiché, des familles entières sont forcées des plier bagage, de quitter leurs biens pour aller s'entasser dans des centres précaires.
De format beaucoup plus réduit, ces photos sont tout aussi poignantes tant elles montrent elles aussi la résignation et la souffrance. Si ces images sont restées longtemps cachées, c'est parce qu'elles étaient bien peu glorieuses pour l'image de marque du gouvernement. C'est d'ailleurs la première fois, ici à Madrid, plus d'un demi-siècle après qu'elles aient été prises, que ces 28 photographies sont exposées.

Dorothea Lange. Los años decisivos
PHotoEspaña 2009
Jusqu'au 26 juillet 2009
Museo de colecciones ICO - Zorrilla, 3 - 28014 Madrid
Du mar. au sam. de 11 h à 20 h et le dim. de 10 h à 14 h

Image : Dorothea Lange, Migrant mother, © Dorothea Lange

A Madrid, l'historique et magnifique centre culturel Círculo de Bellas Artes (expositions, théâtre, concerts, cinéma, conférences, récitals de poésie... sans compter librairie et très agréable café) accueille dans le cadre de PHotoEspaña 2009, outre le Français Patrick Faigenbaum et le Tchèque Jindrich Styrsky, le chinois Zhao Liang à travers sa vidéo City Scenes (Escenas urbanas).

Ce documentaire de 33 minutes montre de courtes scènes du quotidien qui nous plongent dans un univers effrayant, où l'homme se trouve décalé, devenu étranger dans une ville qui s'est développée sans lui, au point de constituer pour ses habitants une menace.
On voit ainsi des employés de bureaux déjeuner à même le sol, sous l'énorme pile d'un pont de béton, au milieu d'artères de circulation gigantesques.
Dans un terrain vague, entre des lignes électriques et des immeubles immenses, un homme seul, jeune, attrape un parpaing, fait quelques pas en titubant, avant de le jeter devant lui. Il le reprend, marche, recommence. Perdu mais une avec sorte d'impuissante révolte, bouleversante.

Citadins bien habillés ici, pauvres là, parlant dans le vide, errant, assis sur le trottoir, dans un wagon de métro... Solitude extrême dans un univers de buildings, de grues et de pelles mécaniques à perte de vue dans un brouillard de pollution omniprésent. Scènes de violence aussi, la nuit, histoires sans parole dont le résultat s'étale sous nos yeux, implacable : un homme étendu, abandonné, comme laissé mort.
On est pris de malaise devant cet essor économique, cette urbanisation exponentielle dont l'humanité, ce qui n'est pas le moindre des paradoxes, semble la première exclue.

Zhao Liang. Escenas urbanas
PHotoEspaña 2009
Círculo de Bellas Artes
Alcalá 42 - 28014 Madrid
Jusqu'au 26 juillet 2009
Du mardi au samedi de 11 h à 14 h et de 17 h à 21 h
Le dimanche de 11 h à 14 h

Images : Zhao Liang. City Scenes
et terrasse du café du Círculo de Bellas Artes

« Ma passion n'a jamais été la photographie "en elle-même", mais la possibilité, en s'oubliant soi-même, d'enregistrer dans une fraction de seconde l'émotion procurée par le sujet et la beauté de la forme, c'est-à-dire une géométrie éveillée par ce qui est offert.
Le tir photographique est un de mes carnets de croquis. »
(HCB, 8 février 1994)

L'exposition réunit cent vingt tirages parmi les quelques trois cent quarante du fonds détenu par la Maison européenne de la photographie. On ne peut que la conseiller, tant Henri Cartier-Bresson (1908-2004) reste le plus grand et le plus émouvant des photographes du XXème siècle.

Un grand nombre des clichés présentés ici, appartenant aux séries Les Européens et Paris sont très connus, comme celle de Jean-Paul Sartre sur le pont des Arts en 1946, Giacometti traversant le passage clouté de la rue d'Alésia sous la pluie en 1961, ou encore les photos des bords de Marne à l'époque des premiers congés payés.
Pour autant, on ne se lasse pas de les regarder.

Muni de son Leica, celui qui fonda avec Robert Capa, David Seymour, William Vandivert et George Rodger l'agence Magnum en 1947 est allé partout dans le monde, au Mexique, en Europe de l'Est, aux Etats-Unis, en Afrique, en Extrême-Orient. Il était en Inde lorsque Gandhi fut assassiné, en Indonésie durant l'indépendance, en Chine au moment de l'avènement de la République Populaire.
En 1954, après la mort de Staline, il fut le premier photographe étranger à se rendre à Moscou. Sur ses photos de centres de vacances organisés par les usines, on voit de petites filles courir à la douche et s'amuser dans un décor constitué d'immenses portraits des hommes forts du régime soviétique.

Aux quatre coins de l'Europe, à Dublin, à Séville, à Varsovie comme à Aubervilliers, le pionnier du photojournalisme a montré la misère, les maisons dénudées, les baraquements de fortune. Il a photographié les rues et ceux qui s'y trouvaient, révélant, sans juger, les inégalités ; là, des enfants pauvres, ici, les privilégiés de la bonne société. Et partout, l'humain dans sa vérité et son émotion, comme ces visages bouleversés, pris de très près, aux funérailles de victimes de Charonne à Paris en 1962.

Henri Cartier-Bresson a témoigné des guerres, des déchirements du siècle dernier, en mettant toujours l'homme au centre de son objectif, comme ces hommes dans Berlin coupée en deux, hissés pour voir « de l'autre côté », ou encore cette fameuse photo prise à la libération d'un camp de déportés en Allemagne où une femme reconnaît l'indicatrice de la Gestapo qui l'a dénoncée. Tout un pan de l'histoire de l'Europe à nouveau éclairé, et, une fois encore, le sentiment que les photographies de celui que Pierre Assouline a baptisé « l'œil du siècle » ne sont pas usées, qu'elles n'ont en rien fini de parler.

Henri Cartier-Bresson à vue d'œil
Jusqu'au 30 août 2009
Maison européenne de la photographie
5-7, rue de Fourcy - Paris 4ème
M° Saint-Paul et Pont-Marie
Du mer. au dim. de 11 h à 20 h
Entrée 6,50 € (TR 3,50 €), gratuit le mercredi à partir de 17 h
Les actes du colloque Revoir Henri Cartier-Bresson, publiés aux éditions Textuel, accompagnent l'exposition.

A voir aussi bientôt : Henri Cartier-Bresson, l'imaginaire d'après nature, une exposition présentée au Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris du 19 juin au 13 septembre 2009.

Image : Le mur, Berlin, ex-RFA, 1962 © Henri Cartier-Bresson / Magnum Photos

Fuyant le confort bourgeois de sa famille installée en Suisse, Robert Frank arrive aux Etats-Unis en 1947, pour y découvrir un monde dominé par l'argent. Embauché pour Harper's Bazaar, il reçoit quelques années plus tard une bourse de la fondation Guggenheim avec pour objectif d'explorer la civilisation américaine. S'en suit un voyage de près de deux ans, entre 1955 et 1956, au cours duquel il prend quelques vingt mille clichés. Il en sélectionnera quatre-vingt trois (tous exposés ici), réunis dans un livre, Les Américains, édité d'abord en France, puis aux Etats-Unis.

C'était en 1958 et le pays croyait en son rêve de modernité, d'uniformisation des modes de vie, de progrès matériel. Le travail de street photography de Robert Frank choqua cette société toute empreinte du modèle de l'American way of life, en présentant des images de bords de route, de rues, de cafés, où les sujets semblent se traîner d'ennui, attendre quoi et n'espérer rien. Point de paillettes ni de stars, mais des gens simples, des lieux parfois presque déserts, dans un univers d'immobilité et de silence.
Cinquante ans après, le climat de ces photos touche toujours, tant les sentiments de vide et de résignation qui s'en dégagent peuvent résonner encore aujourd'hui. Les cadrages - admirables - scandalisèrent à l'époque, trop éloignés du canon de la belle photographie léchée. Au contraire, Robert Frank a travaillé sur le vif, d'où des prises de vue et des perspectives audacieuses, dont la spontanéité n'empêche pas de superbes nuances de noir et de blanc.

La deuxième partie de l'exposition présente un aspect totalement différent de l'oeuvre de Robert Frank, avec une cinquantaine de tirages de clichés pris à Paris entre 1949 et 1952. Ici, contrairement aux photos américaines, les contrastes s'estompent, l'ambiance est brumeuse et onirique, et fait ressortir un Paris d'aspect fort ancien. Les rues sont occupées par des petits marchands, de journaux et surtout de fleurs. Des fleurs qui reviennent très souvent dans ces images, comme les petits cailloux d'une promenade personnelle, émue et toute poétique. Comme si le photo-reportage n'était pas encore à l'ordre du jour, mais l'œil, la sensibilité et la singularité déjà tout à fait en place.

Robert Frank. Un regard étranger. Paris / Les Amécains
Jusqu'au 22 mars 2009
Galerie nationale du Jeu de Paume
1, place de la Concorde - Paris 1er
Du mer. au ven. de 12 h à 19h, mar. jusqu'a 21 h
Sam. et dim. de 10 h à 19 h
Entrée 6 € (Tarif réduit 4 €)

Image : Detroit, 1955, Robert Frank © Robert Frank, from The Americans

Elle connaît l'expérience de modèle très tôt, lorsque, adolescente, son père photographe amateur la fait poser nue. Très vite, elle devient mannequin vedette pour Vogue, dont elle fait la couverture en 1927. Les premières photos de cette exposition, qui en compte plus de cent quarante témoignent de la plastique parfaite de Lee Miller, bouche charnue, grands yeux rêveurs en amande, cheveux épais coiffés courts à la mode des années 1920, corps mince et souple magnifiant tous les vêtements. Elle fait craquer les plus grands, comme Steichen, Hors Hoyningen-Huene et surtout Man Ray, qu'elle conquit aussitôt installée à Paris en 1929. Si elle devient sa muse et sa compagne, c'est avec lui qu'elle s'initie à la technique de la photo dès cette époque. On dirait d'ailleurs qu'elle ne doit qu'à elle-même son plus beau portrait, avec cet Autoportrait en serre-tête (publié en 1933), d'une beauté classique et d'une douceur dignes des grands peintres italiens.
Mais son travail n'a pourtant rien de classique : si, lorsqu'elle monte son propre studio à New-York en 1932, ses clients sont les publicitaires et les grandes maisons de cosmétiques, si elle réalise des portraits pour le théâtre et le cinéma (magnifique Charlie Chaplin !), Lee Miller est très influencée par les expériences des surréalistes, notamment par le procédé de la solarisation. Surtout, elle adopte un regard qui lui fait préférer les points de vue les plus inattendus, les angles les plus étranges. Un esprit libre et original qui se lit tout particulièrement dans ses photographies d'Egypte, où la belle a vécu dans les années 1930, un moment l'épouse d'un riche Cairote : point d'image d'Epinal dans ce reportage d'un monde pauvre et déserté, mais l'esthétique d'une grande artiste qui a fréquenté l'avant-garde parisienne, Cocteau (elle a joué pour lui dans Le sang d'un poète), Dora Maar, Max Ernst, Picasso... Une modernité qui crève les clichés.
Rentrée d'Egypte en 1939 pour s'installer à Londres avec le peintre et photographe Roland Penrose, qu'elle épousera en 1947, Lee Miller reste une femme de son temps. Pendant la Deuxième Guerre mondiale, elle obtient son accréditation de l'US Army et réalise des reportages en tant que correspondante de guerre en Normandie, à Saint-Malo, à Paris, en Alsace, mais aussi dans l'appartement de Hitler et les camps de concentration de Buchenwald et de Dachau. Des images qui créeront le choc dans l'édition américaine de Vogue en juin 1945.
Sur les exemplaires de la célèbre revue visibles au Jeu de Paume, l'on voit que Lee Miller signait également ses articles, d'une plume brillante, avec une sens du phrasé et de la formule séduisants (voir aussi les titres de certaines de ses photos, notamment celles prises en Egypte).
Pour finir l'exposition, un film documentaire confirme à quel point Lee Miller a su allier une vie de femme bien remplie à une carrière d'artiste accomplie, menant les deux avec un même désir d'indépendance.

L'Art de Lee Miller
Jusqu'au 4 janvier 2009
Galerie nationale du Jeu de Paume
1, place de la Concorde - Paris 1er
Du mer. au ven. de 12 h à 19h, mar. jusqu'a 21 h
Sam. et dim. de 10 h à 19 h
Fermeture le 25 décembre et le 1er janvier
Fermeture exceptionnelle à 18 h les 24 et 31 décembre
Entrée 7 € (Tarif réduit 4 €)

Image : Autoportrait, 1932, Lee Miller © Lee Miller Archives, England 2008. All rights reserved. www.leemiller.co.uk