www.maglm.fr

La 3ème édition du festival de photographie documentaire sétois est l'occasion d'exposer les images de l'artiste invité à résidence cette année pour révéler son regard photographique sur la ville-port. Objet d'un nouvel ouvrage de la collection « ImageSingulières » après ceux du Suédois Anders Peterson, du Français Bertrand Meunier et de l'Américaine Juliana Beasley, le travail de l'Espagnol Juan Manuel Castro Prieto est exposé à la Chapelle du Quartier Haut jusqu'au 10 juillet 2011.

Partie de l'ancien couvent des religieuses de Saint-Maur construite au XVIII° siècle, désacralisée au début du XX° pour être transformée en atelier du collège technique, la chapelle est désormais un lieu d'exposition. Avec son beau volume et ses murs patinés, elle constitue l'écrin idéal aux photographies empreintes de mélancolie de Castro Prieto.

L'Espagnol a photographié Sète à l'ancienne, avec une chambre 20 x 25. Ses photos ont des teintes pastels, très douces, parfois presque fanées.
Les objets familiers en tous genres, notamment de ceux exposés au Musée International des Arts Modestes (le MIAM) de Sète y ont une belle place, rappelant la culture populaire de la ville. La barque de pêcheur se découpant au dessus de l'étang de Thau avec le Mont Saint-Clair en arrière-fond semble avoir été là de toute éternité. Un calme formidable se dégage de ces images, qu'il s'agisse de l'intérieur du théâtre Molière vide ou de ces « personnages » locaux impassibles. Même la conversation de deux dames de la Pointe Courte assises l'une près de l'autre ne paraît nullement dérangée, encore moins dérangeante.
Grâce à un flouté cohabitant avec des zones si nettes que l'on croirait pouvoir toucher les objets et les sujets, les photographies de Castro Prieto convoquent tout à la fois le présent le plus immédiat, le passé le plus émouvant et la poésie la plus délicate.

Ce sera à peu près le seul moment de quiétude au cœur de la manifestation ImageSingulières qui, elle, finit le 19 juin 2011 : la photographie documentaire présentée à Sète nous montre dans son ensemble un monde d'une violence radicale.
Concentré de ces regards sans fards, l'exposition collective au titre explicite « Mafia(s) » bénéficie elle aussi d'un espace des plus adaptés à son propos.
Dans l'un des anciens chais du Quai des Moulins, une friche industrielle en pleine restauration, des containers installés sur la terre battue humide abritent les photos projetées, quand elle ne le sont pas à même les murs bruts à peine blanchis. Pendant la visite, dans les chais contigus, les bruits des chantiers en cours continuent de résonner...
Telle est l'ambiance générale dans cet étrange cadre. Mais elle est presque poésie à côté des images que l'on découvre. De la violence de la mafia russe à celle du Japon (Bruce Gilden), du Cartucho , quartier de Bogota où vivent des milliers de délinquants et de miséreux, au film « La vida Loca » du photographe et réalisateur Christian Poveda assassiné en 2009 par ceux-là mêmes qui faisaient l'objet de son documentaire, les gangs des Maras du Salvador, qui sèment la terreur en Amérique Centrale, d'un bout à l'autre du globe, c'est la pègre, la violence et la mort toujours recommencées.
Poignants entre tous, le travail d'Elisabeth Cosmi sur les toutes jeunes femmes nigérianes prostituées de force au large de Naples et l'inlassable (et risqué) témoignage de Letizia Battaglia sur les crimes de la mafia sicilienne sont d'autres bourrasques que le visiteur reçoit en pleine face, les yeux décillés sur ce qu'il croit savoir mais ne réalise vraiment que confronté à sa représentation.

ImageSingulières
3ème rendez-vous photographique
Du 2 au 19 juin 2011
Divers lieux de Sète, dans l'Hérault

Photos de Juan Manuel Castro Prieto
Chapelle du Quartier Haut à Sète
Jusqu'au 10 juillet 2011
Catalogue (CéTàVoir / Images en manoeuvre) 96 p., 25 €
www.cetavoir.fr

Photo © Juan Manuel Castro Prieto / VU'
et Letizia Battaglia

Des années 1840 à 1875 en Grande-Bretagne, la photographie toute neuve et la peinture sont traversées par un même courant, encouragé, voire initié par John Ruskin : le préraphaélisme.

L'historien et critique d'art appelle à une peinture de la nature, qui la restitue dans ses moindres détails.
Un groupe de peintres désireux de rompre avec la peinture académique ne demande pas mieux. Parmi eux, John Everett Millais, Dante Gabriel Rossetti, Holman Hunt et Ford Madox Brown. Ces peintres sont motivés par les possibilités de restitution offertes par la photographie : la précision qu'elle permet les pousse à faire de même avec leur pinceau en allant peindre des paysages en plein air. Ils inventent un style pictural nouveau, fondé sur la précision des motifs et de vives couleurs. Ils trouvent leur inspiration chez les primitifs italiens, avant que Raphaël n'impose sa manière.

De leur côté, les photographes veulent ériger leur technique au rang des autres arts et sont eux-mêmes influencés par les peintres préraphaélites. Grâce au procédé du négatif verre au collodion humide, ils gagnent en précision et s'engagent dans des études photographiques de la nature où les détails des pierres, des végétaux et de l'eau sont parfaitement restitués.

C'est justement par le thème de la nature que débute la passionnante exposition du Musée d'Orsay, qui dans chacune de ses quatre sections joue des rapprochements entre peinture et photographie sur la période 1848-1875.
Les correspondances, convaincantes tout au long du parcours, sont ici d'une grande évidence. De spectaculaires photos de Roger Fenton révèlent des paysages montagneux traversés de torrents, avec un cadrage très audacieux, des feuillages ou des roches au premier plan, des vues coupées, des contrastes clair-obscur très forts. Ceux-ci sont particulièrement saisissants sur les épreuves de James Sinclair, un comte écossais qui pratiquait la photographie en amateur, et dont l'Avenue à Weston, Warwickshire est un exemple admirable, quand son Givre dans un parc offre un rendu du blanc de la neige et du givre sur les branches noires des arbres d'une grande poésie .
Dès le milieu des années 1850, en utilisant deux négatifs, Gustave Le Gray est le premier à photographier les effets de soleil sur la mer : ces « marines » en noir et blanc connaissent immédiatement un grand succès à Londres.

La peinture n'est pas en reste dans cette section. John William Inchbold notamment livre des paysages avec un sens de la composition et un traitement des couleurs très séduisants, couvrant la toile de teintes vives et brillantes, se plaisant à rendre autant les parties ombrées sur les végétaux que le scintillement de l'eau. Ici une fleur, là le feuillage d'un buisson, plus loin un petit lapin, rien ne manque. Les injonctions de Ruskin ont décidément porté leurs fruits !

Quant on passe aux portraits, la partie peinture est source de division : les tableaux de Rossetti et consorts ont leurs adeptes, mais combien ils peuvent aussi paraître gnan-gnan ! Aucune émotion ne se manifeste à la vue de ce lissé-appliqué d'après modèles, poses et détails léchés. En revanche, côté photo, comment ne pas être touché par les portraits de Julia Margaret Cameron ! Recherchant le naturel que la photographie permet difficilement d'atteindre à cette époque en raison des longs temps de pose qu'elle nécessite, Cameron parvient à faire naître et à capter chez ses modèles d'émouvantes expressions de mélancolie, de rêverie ou de tristesse. Les cheveux sont longs, détachés, les blouses aériennes, les regards intenses.

Peintres comme photographes ont eu également comme source d'inspiration commune les sujets religieux, mythologiques et littéraires. Avec La dame d'Escalott, Henry Peach Robinson illustre la légende d'Arthur revisitée par Alfred Tennyson : victime d'un sort, la dame est allongée dans une barque et se laisse glisser sur la rivière en direction de Camelot où elle mourra. Une épreuve qui rappelle le tableau de Millais L'Ophélie. Autre poète d'inspiration, Shakespeare : l'on découvre un Roi Lear partageant son royaume entre ses trois filles de Cameron, dont le cadrage et la composition semblent annoncer le cinéma, avec un gros plan sur des visages nets et un fond flou, et une tension tout à fait palpable.

La dernière section de l'exposition se réfère à la vie moderne, où l'on retrouve le style poétique caractéristique des prérapahaélites. La mise en scène de la mort par Henry Peach Robinson, Fading Away (« S'éteignant ») évoque davantage une illustration littéraire ou historique qu'une photo prise sur le vif (si l'on ose l'oxymore). Mais malgré son caractère fictif, lorsque la photo fut exposée au Crystal Palace en 1858, elle choqua une partie du public en raison de son sujet... ce qui n'empêcha pas le prince Albert de s'en porter acquéreur.
Pour finir avec Cameron – coup de cœur de l'exposition – comment ne pas évoquer sa très picturale photo La fille du jardinier tirée du poème éponyme de Tennyson, dans le lequel le narrateur tombe en amour en apercevant la jeune fille essayant de rattacher une rose vacillante : « Vêtue de blanc pur qui seyait à sa silhouette, elle se tenait devant le buisson afin de l'arranger, une simple coulée de sa douce chevelure brune / se répandait sur un côté. »

Une ballade d'amour et de mort : photographie préraphaélite en Grande Bretagne, 1848-1875
Musée d'Orsay
1, rue de la Légion d'Honneur, 75007 Paris
TLJ sf lundi de de 9h30 à 18h, nocturne le jeudi jusqu'à 21 h 45
Entrée 8 € (TR 5,50 €)
Jusqu'au 29 mai 2011

A lire : Hors-série L'Estampille, 8,50 €
Consulter également le site du Musée pour connaître la programmation (conférences, musique, spectacles) associée à cette exposition.

Images : Roger Fenton, Bolton Abbey, fenêtre ouest, 1854 Épreuve sur papier albuminé, 25,1 x 34,5 cm Bradford, National Media Museum © National Media Museum, Bradford / Science & Society Picture Library
John William Inchbold, La Chapelle de Bolton Abbey, 1853 Huile sur toile, 50 x 68,4 cm Northampton, Museum and Art Gallery © Northampton, Museum and Art Gallery
Julia Margaret Cameron, Maud, 1875, épreuve au charbon, 30 x 25 cm, Paris, Musée d'Orsay © Musée d'Orsay (dist. RMN) / Patrice Schmidt
Henry Peach Robinson, Fading Away, 1858, épreuve sur papier albuminé, 28,8 x 52,1 cm, Bradford, The Royal Society Collection au National Media Museum © National Media Museum, Bradford / Science & Society Picture Library

Voici une exposition aussi inédite que fascinante.
Heinrich Kühn (1866-1944), photographe allemand du courant pictoraliste, proche des groupes Photo-Club de Paris et Linked Ring à Londres, participant de la Sécession viennoise, demeure en effet relativement peu connu, contrairement à ses contemporains d'avant-garde Alfred Stieglitz et Edward Steichen.
La toute nouvelle exposition de l'Orangerie à Paris, visible jusqu'à fin janvier, est d'ailleurs la première grande rétrospective consacrée à l'artiste. Il est heureux de voir ce long oubli enfin réparé tant les travaux de Kühn témoignent d'expérimentations audacieuses aux résultats très emballants.

Les techniques d'impression photographique qu'il utilise ont pour noms gomme bichromatée, platinotypie, gommogravure, photypie ou encore tirage et report à l'huile... Une pause à mi-parcours les explique.
Malgré leur lecture, pour une grande part, et pour les non-initiés aux secrets du pictoralisme, le mystère reste entier.
Dans quelle mesure s'agit-il de tirages photographiques au sens classique du terme, dans quelle mesure ont-ils été peints ? L'œil a du mal à le déterminer et ce doute, et le léger trouble qu'il engendre, accroissent encore l'attention des visiteurs - assez remarquable de bout en bout.

Après avoir présenté un panorama de ses axes d'investigation, l'exposition suit un fil thématique autour de ses différents modèles, des portraits d'atelier, des natures mortes et des paysages, pour finir avec les autochromes, premier procédé photographique en couleur inventé par les frères Lumières.

Le "plein air" est chez Heinrich Kühn particulièrement enthousiasmant. Les nuances de lumière, les ambiances de clair-obscur à la fin du jour, la "matérialité" des végétaux, l'impression de proximité d'un paysage de montagne, alors même qu'un léger flouté peut border les contours confèrent à ses photographies une admirable force poétique.
L'esthétique est encore sublimée par un sens du cadrage très assuré - le rapprochement avec la peinture de Manet saute aux yeux. On retrouve cet art de la composition dans les portraits, notamment ceux de Mary Warner, qui fut la gouvernante de ses enfants, sa maîtresse et son modèle. Une robe, un sofa, un miroir : alors que la prise risquait le déjà vu ou le surchargé, le résultat est au contraire magnifique d'équilibre, dans les courbes, dans les volumes comme dans l'éclairage.

Lorsqu'il travaille plus intensément sur les effets de lumière - on est chez les impressionnistes ici encore -, il crée des natures mortes simplissimes autour d'un verre d'eau ou d'une carafe, d'une coupe en étain. La transparence scintille, c'est à la fois précis et ouaté, domestique et surnaturel.

Contrairement au célèbre Edward Steichen, Kühn ne s'est lui jamais tourné vers le spectaculaire et le glamour, que ce soit pour ses paysages ou ses portraits ; il a choisi uniquement des sujets familiers. Le regard qu'il leur a porté, inventif, noble et amoureux rend ses œuvres plus émouvantes encore.

Heinrich Kühn
Musée national de l'Orangerie
Jardin des Tuileries - 75001 Paris
TLJ sf mardi de 9 h à 18 h
Entrée (avec musée) 7,5 € (TR 5 €)
Jusqu'au 24 janvier 2010
Exposition organisée par l'Albertina de Vienne en collaboration avec les musées d'Orsay et de l'Orangerie à Paris et le musée des Beaux Arts de Houston

Image : Heinrich Kühn, Nature morte : verres et carafe © DR - RMN (Musée d'Orsay) - Béatrice Hatala

Que dire face aux photographies de Willy Ronis, tant l'émotion nous serre la gorge devant la simplicité des sujets, mis en valeur par une esthétique si juste ?
Le regard, "on l'a ou on ne l'a pas", disait-il. Des 150 tirages présentés à la Monnaie de Paris, aux thèmes aussi divers soient-ils, aucun qui ne soit dépourvu de ce fameux regard, venant imprimer en nous le cliché tel une œuvre d'art.
Willy Ronis, décédé le 11 septembre dernier après avoir participé à une rétrospective de son œuvre aux Rencontres d'Arles 2009 aurait eu cent ans cette année. L'exposition de la Monnaie de Paris propose une première exploration du très riche fonds dont il a fait donation à l'Etat français. Au fil de cinq thématiques - la rue, le travail, les voyages, le corps et sa propre biographie - l'on retrouve des photographies célèbres, tout en découvrant des facettes moins connues de son travail, notamment celui effectué lors de ses voyages en Europe ou ailleurs.

Comme les autres grands humanistes, Willy Ronis a d'abord photographié les rues de Paris, celles du Paris populaire, ses cafés, ses badauds, ses passants, Belleville, Ménilmontant, Montmartre, la fête foraine - qui lui donnait le cafard -, et la banlieue aussi, comme les bidonvilles à Nanterre.
Engagé auprès des Communistes, il a photographié les usines textiles et automobiles, a montré les piquets de grève chez Citroën, femme haragant les autres travailleurs, ouvrier brandissant sa fiche de paye, un autre surveillant l'outil de production dans les usines désertées.
En 1967, en pleine guerre froide, il a passé cinq semaines en RDA, avec des excursions à Prague et à Moscou. Il est allé à Londres, à New-York, aux Pays-Bas, en Belgique, à Venise, à Naples... Plus tard, il est allé sur l'Ile de la Réunion. Sans misérabilisme, il a saisi les vivants de ces rues, gens simples, enfants, femmes, vieillards (magnifique vieux lançant sa boule de pétanque à Aubagne !), en faisant de chacune de ses prises un tableau. Les jeux de lignes sont parfaits. Les oppositions créent la surprise et l'équilibre. La mise ne valeur d'un détail renvoie à un autre. Les oppositions de lumière en clair-obscur sont proprement picturales (Noël, boulevard Haussmann, 1952) ; certains nus évoquent la peinture de Dominique Ingres.

Avec toujours, à fleur de pellicule, une pointe de mélancolie, que Willy Ronis ne reniait ni n'affichait : "J'ai creusé mes sillons avec mon instinct, ma petite honnêteté, chanté ma chanson à mi-voix ; je me suis souvent fait plaisir et cela compense le reste que, par bonheur, on oublie facilement".

Willy Ronis, une poétique de l'engagement
Une exposition coproduite par le Jeu de Paume et la Monnaie de la Paris, avec le concours de la Médiathèque de l'architecture et du patrimoine / Ministère de la culture et de la communication
Monnaie de Paris - 11, quai de Conti - Paris 6°
Jusqu'au 22 août 2010
TLJ sf le lundi et le 1er mai, de 11 h à 19 h, le jeudi jusqu'à 21 h 30
Entrée 7 € (TR 5 €)

Images : Willy Ronis, Usine de textile du Haut-Rhin, 1947, tirage argentique, 40 x 30 cm © Ministère de la culture et de la communication & Stéphane Kovalsky / dist. Agence Rapho
et Willy Ronis, Lorraine en hiver, 1954, tirage argentique, 36 x 26 cm © Ministère de la culture et de la communication & Stéphane Kovalsky / dist. Agence Rapho

Planète Parr, à voir au site Concorde du Jeu de Paume et dans le jardin des Tuileries jusqu'au 27 septembre, n'est pas une simple exposition de photographies de Martin Parr.
Celles-ci n'arrivent d'ailleurs qu'en fin de parcours.

En réalité, est ici recréé, par échantillons représentatifs, tout l'univers de l'artiste, sorti pour l'occasion de sa maison de Bristol.
Un univers constitué de différentes galaxies qui, appréhendées dans leur ensemble, tracent une espèce d'autoportrait du célèbre photographe britannique.

L'on découvre ainsi d'impressionnantes collections de cartes postales (certaines très anciennes, d'autres très amusantes), d'objets kitsch au possible (du papier toilette Ben Laden au slip kangourou Obama en passant par les assiettes figurant la grève des mineurs en 1984 et les mugs Margaret Thatcher), mais aussi de livres de photographies - une autre passion chez lui, qu'il a fait partager dans son ouvrage Le Livre de photographies : une histoire (1) - et enfin de photographies.

Dans ces deux dernières collections se révèlent les sources d'inspiration de Martin Parr : la photographie documentaire britannique (l'une des parties les plus intéressantes de l'exposition), représentée notamment par Tony Ray-Jones, Chris Killip et Graham Smith, mais pas seulement : apparaissent aussi dans son petit panthéon personnel Robert Frank, William Eggleston, ou encore Henri Cartier-Bresson, dont la découverte, en 1969, fut un moment très fort pour celui qui allait devenir en 1994 membre de l'agence Magnum.

Mais Martin Parr est indubitablement un homme de son temps ; il éprouve pour son époque une insatiable curiosité, comme en témoigne sa manie des collections, prétexte aussi à une exploration sans relâche de ce qui se fait ici ou ailleurs. Ainsi, parmi des acquisitions récentes, figurent des œuvres de photographes japonnais tels que Osamu Kanemura.

Les collections de cartes postales et d'objets du quotidien « fétichistes » ou commémoratifs participent elles aussi de cet autoportrait, où l'on retrouve l'intérêt de Parr pour la société de consommation, la publicité, l'image « cliché »... Une société qu'il a lui-même abondamment chroniquée, sans ménagement aucun mais avec beaucoup d'humour et un immense talent, au fil de ses reportages depuis plus de trente ans.

Après avoir montré les milieux ouvriers et les classes moyennes, il a consacré ses derniers travaux aux privilégiés de la planète.
Dans cette série Luxury, le regard de Martin Parr est ici encore sans concession : sur de très grands formats aux couleurs criardes s'étale le monde des très-argentés, où l'ostentation semble poussée au stade de la compétition. De Dubaï à Miami, en passant par Moscou et Chantilly, les codes sont finalement peu dissemblables. Chapeaux, lunettes, sacs, vêtements, et bien sûr montres, il faut que ce soit gros et que ça brille, si possible toutes griffes dehors. La vulgarité de comportement, comme la voracité devant un buffet, n'échappe jamais à l'œil impitoyable de l'Anglais, qui s'amuse à souligner sans en avoir l'air la grosse tache sur la robe de soie ou des ongles bien trop vaguement vernis...

A voir aussi : sa série sur dix villes du Royaume-Uni, effectuée pour The Guardian et, dans le jardin des Tuileries, Small Wordl, reportage sur le tourisme de masse.

Planète Parr, La collection de Martin Parr
Jusqu'au 27 septembre 2009
Jeu de Paume – site Concorde
1, place de la Concorde – Paris VIIIème
TLJ sf le lundi, jusqu'à 19 h, le mardi jusqu'à 21 h
Entrée 6 € (TR : 4 €)

(1) Publié en deux tomes aux éditions Phaidon en 2005

Images : Russia. Moscow. Fashion Week, 2004, série "Luxury", Martin Parr, © Martin Parr, Magnum Photos / Kamel Mennour
et USA. Hollywood. Attendees at a charity function, 2000, série "Luxury", Martin Parr, © Martin Parr, Magnum Photos / Kamel Mennour