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La pièce écrite par la dramaturge et comédienne italienne Angela Dematté dresse une fresque historique qui se déroule du début des années 1960 au milieu des années 1970 en Italie.

Margherita Cagol, fille de la petite bourgeoise catholique, entreprend des études de sociologie - qui s'appelaient alors pudiquement "sciences-politiques" -, découvre le système de classes et les institutions qui verrouillent la société, la possibilité d'un combat collectif et aspire à la Révolution.
Son père, bon fond et ouvert sur son prochain, demeure un conservateur qui n'entend pas que l'on puisse remettre en cause les valeurs et l'autorité - notamment celles de l'Eglise - sur lesquelles il a fondé sa vie et l'éducation de sa fille.
Mais plus le temps passe, plus Margherita s'enthousiasme pour les luttes radicales à mener pour transformer la société. De Léniniste, elle évolue vers le Maoïsme, puis participe à la fondation des Brigades Rouges, où elle laissera sa vie, tombée sous les balles des carabiniers lors d'affrontements de plus en plus violents.

Sur scène, Richard et Romane Bohringer, complémentaires, sont tout simplement parfaits : extrêmement justes, ils rendent leurs personnages tirés d'histoires réelles plus que crédibles.
Portée par une mise en scène classique et efficace, la pièce, fort bien écrite, évite le simplisme, la prise de parti facile. Aucun des deux personnages n'a totalement tort ni raison. Et, ce qui est sans doute le plus beau, malgré les affrontements incessants et inévitables, jamais le dialogue ne se rompt totalement. Toujours, la tendresse demeure, et avec elle la tentative de continuer à se comprendre mutuellement.

Loin du "gueulard" auquel on pourrait s'attendre, Richard Bohringer montre tous les questionnements intérieurs d'un père tiraillé entre l'idée qu'il se fait du bonheur pour sa fille et la réalité où il la voit s'épanouir dans une lutte altruiste, où elle s'oublie elle-même.
Romane Bohringer, habitée à 200 % par son personnage, restitue son extraordinaire engagement et sa foi inébranlable en la Révolution, mais aussi sa gravité lorsqu'elle voit son père vieillir, au point de devoir lui cacher certaines choses pour l'épargner.
A l'image de cette relation forte dans cette période plus que chamboulée en Italie comme ailleurs, la pièce non dénuée d'une résonance universelle dans l'affrontement des générations, conquiert vite le public, et finit par l'émouvoir profondément.

J’avais un beau ballon rouge
de Angela Dematté
mise en scène Michel Didym
avec Richard Bohringer et Romane Bohringer
Théâtre du Rond-Point
A 18 h 30, durée 1 h 25
Jusqu'au 5 mai 2013

L'entreprise était ambitieuse : mettre en scène les Carnets de F. Scott Fitzgerald, somme aussi hétérogène que touffue.
Le résultat est plutôt réussi.

Dirigeant Alain Sportiello seul en scène, Maria Blanco a fait le choix de montrer le célèbre romancier et nouvelliste américain à la fin de sa courte existence.
Il a alors 44 ans. Pauvre et seul, il survit en écrivant des scénarios à Hollywood, lui qui méprise le cinéma, lui qui a connu si jeune la gloire de l'écrivain. C'était en 1920, avec la publication de L'envers du Paradis et son succès immédiat, suivi de Gatsby le Magnifique cinq ans plus tard. F. S. Fitzgerald menait alors une vie pleine d'éclat et de frasques avec l'excentrique Zelda, parcourait l'Europe, vivait en France au rythme des Années Folles.

Ce monde brillant est bien éloigné lorsque le spectacle commence et que l'on découvre une masse informe sous une couverture, qui va rapidement donner corps à un homme tour à tour désespéré, colérique, mélancolique, lucide et à moitié-fou. Fitzgerald évoque les femmes, le sexe, l'argent, le succès, en des aphorismes tantôt sinueux tantôt cinglants. Il se souvient non sans douleur de la belle Zelda, de son ami Hemingway ; il théorise sur l'écriture ; se plaint d'être soumis à un régime si strict qu'on ne lui laisse pas même de quoi coller un timbre... avant de se jeter sur la bouteille avec autant de rage que de joie.

Alain Sportiello incarne F. S. Fitzgerald avec beaucoup de conviction et de présence, et la mise en scène nous plonge avec une grande efficacité dans l'univers plein d'amertume d'un artiste ruiné et oublié.
Un seul regret toutefois : le comédien va vite, très vite, si bien qu'à certains moments on a un peu de mal à suivre ce texte fragmentaire et parfois difficile.
Du coup, l'on ressort du spectacle avec une seule envie : se plonger sans plus attendre dans les volumineux Carnets de l'auteur de Tendre est la nuit...

Théâtre du Lucernaire
53, rue Notre-Dame des Champs - 75006 Paris
Du mardi au samedi à 18h30
Mise en scène : Maria Blanco
Avec Alain Sportiello
Jusqu'au 30 mars 2013
Billets de 15 euros à 25 euros

Soirées théâtrales contrastées en cette rentrée : d'un vendredi à l'autre, l'on a ainsi pu passer de Valère Novarina, dont L'Atelier volant est donné au théâtre du Rond-Point, à Shakespeare, dont Macbeth est joué au théâtre Ranelagh. La première est d'un ennui abyssal ; la deuxième rappelle que le théâtre peut encore captiver.

Publiée en 1971 et créée en 1974, L'Atelier volant est la première pièce de Novarina. ll la met ici en scène lui-même, et pour la première fois.
Il s'agit d'un texte sur (notamment) l'exploitation ouvrière, les tromperies de la société de consommation et les aberrations du capitalisme en général. Une pièce bien de son époque évidemment mais qui hélas sonne encore fort justement aujourd'hui. Pas plus que le thème, ni la mise en scène ni les comédiens ne semblent en cause dans l'atroce sentiment d'ennui qui pourtant terrasse trop vite le spectateur. Aussi "légitime" soit-il, le texte, imbuvable à l'écrit, passe presque aussi difficilement à la scène, en tout cas en 2012. Dans ses deux premiers tiers, il demeure compréhensible, mais souvent si théorique que l'on peine à s'y intéresser. Le dernier tiers bascule dans le "langage novarinien" comme disent ses admirateurs, c'est-à-dire, pour les autres, dans l'ésotérisme. L'on y comprend goutte, cela s'agite sous nos yeux qui se fatiguent et se ferment ; l'esprit bercé par l'incontinence verbale renonce peu à peu et l'on finit par appeler le sommeil de ses vœux pour abréger le calvaire.
Bref, une soirée à oublier, sauf les prestations des méritants comédiens, dont Olivier Martin-Salvan en M. Boucot et plus encore Myrto Procopiou, impériale et réjouissante (merci !) en affreuse Mme Bouche.

Retour fissa au théâtre classique, donc, pour tenter de raviver la flamme dramatique. C'est plutôt une bonne idée, car voici une production shakespearienne plutôt rare (Macbeth n'est pas souvent monté) et tout à fait réussie.
Ecrite en 1606 et située en Ecosse, Macbeth raconte l'histoire de ce héros (il a bouté les Norvégiens hors du royaume) qui, guidé par les prophéties des sorcières et poussé par son épouse, accomplit pour accéder au trône un premier crime, celui du roi Duncan, suivi de nombreux autres, malgré de terrifiants remords. Texte excellent, tendu comme un arc, que le metteur en scène Philippe Penguy a à peine raccourci en adaptant la traduction de Jean-Michel Déprats. Sa mise en scène est résolument dynamique : il utilise toutes les ressources du théâtre pour agrandir ce qui peut sembler un "petit" plateau pour une pièce comme celle-là. Pour figurer la lande, il recourt à une immense toile au sol dont émergent les trois sorcières en un inquiétant ballet. Pour structurer l'espace, il place un escalier, astuce classique mais ici particulièrement opportune pour situer sans montrer le premier des crimes, celui de Duncan. Les comédiens s'avancent sur un petit proscenium, relié à la salle par un escalier où ils passent à l'occasion, arrivent par les loges côtés... Il y a de la musique (écossaise) jouée sur scène, des costumes en velours noirs tels qu'on les attend, des combats à l'épée bien chorégraphiés.
Les sorcières emballent, fascinant en effrayant comme elles le doivent, et le reste de la distribution est plutôt convaincant. Au-dessus du lot, Agnès Valentin en lady Macbeth est impeccable, tant au début de la pièce où, calculatrice et sans état d'âme, elle pousse son époux au régicide, que dans la scène de somnambulisme où, dévorée par le remords, elle n'est plus que le spectre d'elle-même. L'altier Laurent Le Doyen est un Macbeth d'abord aérien, qui montre bien le contraste entre l'esprit tourmenté de son personnage et les vertus morales de ses anciens amis, eux beaucoup plus terriens et physiques, aussi bondissants que Macbeth est de plus en plus pétrifié par ses terribles forfaits.

Macbeth
De William Shakespeare
Mise en scène et direction artistique : Philippe Penguy
Avec : Laurent Le Doyen, Agnès Valentin, Emmanuel Oger, Anne Beaumond, Lionel Robert, Géraldine Moreau‑Geoffrey, Teddy Melis, Émilie Jourdan, Jean‑Michel Deliers, Denis Zaidman
Création et réalisation costumes et tissu : Marie‑Hélène Repetto
Conception et réalisation décor : Sylvain Cahen
Théâtre Le Ranelagh
5, rue des Vignes - 75016 Paris
Locations : 01 42 88 64 44 ou sur le site du théâtre
M° La Muette ou Passy, RER Boulainvilliers ou Kennedy-Radio-France
Du mar. au sam. à 21 h et le dim. à 17 h - relâches les 25 sept., 2 oct. et 6 nov. 2012
Durée : 1 h 50
Tarifs de 10 € à 35 €

Golota picnic est la pièce écrite et mise en scène par l'Argentin installé à Madrid Rodrigo García, créée en Espagne cette année, et dont on a beaucoup parlé, sans trop évoquer précisément son contenu. Le "bruit" médiatique a en effet concerné essentiellement les réactions violentes qu'elle a suscitées de la part d'un groupe d'excités ultra-catholiques lorsqu'elle a été donnée pour la première fois en novembre en France, au théâtre Garonne à Toulouse.
Une fois constaté qu'il s'agit une fois de plus d'une chapelle d'extrême-droite qui profite de l'événement pour faire de la publicité pour sa propre boutique, et que le dispositif policier installé à Paris met le spectacle et ses spectateurs à l'abri de cette violence, le moment semble venu de parler de la pièce elle-même.

Pour tout dire, l'on en sort plutôt groggy. Et puis finalement, 48 h après, la profondeur de la pièce l'emporte sur ses aspects (très) désagréables.
Pour résumer, il s'agit d'un bon, voire à certains passages d'un très bon texte, mis en scène de façon outrancière et erratique, et suivi d'un long et merveilleux moment de musique.

Le texte est un discours de satire et de dénonciation poétique qui, loin de s'en tenir à la religion comme les manifestations le laissaient penser, concerne toute la société, ses mensonges et ses illusions, qu'il s'agisse du modèle économique inégalitaire, du consumérisme dépourvu de sens, du travail et même de la culture. Sur le christianisme, la charge, plutôt bien menée elle aussi, porte à la fois sur le mythe de Jésus, qui "fut le premier démagogue : il multiplia la nourriture pour le peuple au lieu de travailler coude à coude avec lui", et sur les représentations iconographiques sur lesquelles la chrétienté s'est enracinée, des scènes d'une grande violence. L'effet toxique que l'imagerie sanglante de la crucifixion a produit et continue de produire depuis deux mille ans amène d'ailleurs Rodrigo García à s'interroger, dans le même mouvement, sur les musées qui abritent les tableaux religieux et abreuvent notre culture aujourd'hui encore.

Les comédiens jouent le texte calmement (très bonne chose) mais rapidement, en castillan bien sûr et les non-hispaniques doivent lire vite pour ne pas perdre un mot de ce texte non dénué d'humour, au risque de louper un peu ce qui se passe sur scène. Cela n'est pas bien grave. Avec la caméra qui capte et retransmet tout en très gros plan sur l'immense écran, difficile de ne pas échapper aux "images" du spectacle, qui relèvent en grande partie de dispositifs excessifs. A la longue, l'excès a toujours tendance à tuer le propos. Faire prendre conscience de la violence des images par des effets violents, le procédé est classique et efficace, mais jusqu'à quel point ?
La scène est entièrement couverte de pains briochés pour hamburger, empestant la salle durant tout le spectacle de leur odeur fade et sucrée écœurante. Sinon, ce sont vers de terre, vomi, viande hachée sur la tête, sans compter les ébats mouillés de gel et de gouache de comédiens nus comme vers et exhibant tout le possible avec une conviction pas toujours partagée par le public. Inutile de s'appesantir davantage, on voit le genre : celui qui dégoûte, plus ou moins selon les sensibilités.

Puis tout se calme pour laisser la place à la musique pendant environ 45 mn, temps durant lequel l'Italien Marino Formenti interprète Les sept dernières paroles du Christ sur la croix de Haydn dans une réduction pour piano. C'est lent, très beau ; chacun des neuf mouvements est séparé d'un silence. Grande est l'envie, après cette foire visuelle, de fermer les yeux pour en profiter tranquillement. D'ailleurs, l'auteur de la pièce ne nous y a-t-il pas invité, faisant dire à l'un de ses comédiens : "sautez dans le vide du silence et de la solitude et profitez du recueillement".
Mais un nombre certain d'individus sont incapables d'immobilité physique et mentale. Cela tousse et remue à qui mieux-mieux, quand cela ne quitte pas les lieux bruyamment. Quel dommage et quel oubli de l'Autre, celui qui est sur scène, et celui qui est dans la salle !
Les applaudissement sont ensuite faiblards : endormissement, agacement ? On l'ignore. Mais ce serait mentir que de dire que l'on n'est pas un peu sonné après plus de 2 h de spectacle si hauts en contrastes.

Golgota picnic
Texte, mise en scène et scénographie Rodrigo García
Au piano, Marino Formenti
Avec Gonzalo Cunill, Núria Lloansi, Juan Loriente, Juan Navarro, Jean-Benoît Ugeux
Théâtre du Rond-Point
2 bis, avenue Franklin D. Roosevelt - Paris 8°
Salle Renaud-Barrault, à 20 h 30, dimanche à 15 h
En espagnol sur-titré, durée 2 h 10
Jusqu'au 17 décembre 2011

Production Centro Dramático Nacional / Madrid, production déléguée Théâtre Garonne / Toulouse, coproduction Festival d’Automne à Paris

Photo Golgota Picnic © Davir Ruano

Nous nous retrouvons au "cabaret" du théâtre Essaïon, à dire vrai une cave, avec ses murs nus et son odeur de pierre, une poignée de fauteuils rouges et une scène comme un mouchoir de poche à même le sol, sur laquelle trône un immense fauteuil sans âge.

Le noir se fait, l'on devine qu'un homme s'y installe puis, très vite, sa voix monte, tranquille, calme, habitée. Pendant de longues minutes nous restons dans la pénombre, immédiatement saisis par cette voix magnifique que l'on découvre, et ces mots que l'on reconnaîtrait entre mille : ceux de Louis-Ferdinand Céline.

Eric Sanson interprète seul en scène un extrait de Mort à Crédit, où le narrateur se souvient de son premier travail, dans ses toutes jeunes années, chez Courtial des Pereires, directeur d'un périodique pour "artisans-inventeurs", le Génitron.

Décrivant ce personnage fascinant, sa façon de travailler, ses clients illuminés, son atelier qui tenait de la boutique, du laboratoire et de la bibliothèque, sans compter la cave où il allait prétendument méditer et inventer, mais en réalité dormir, le narrateur passe au fil de son séjour chez Courtial de l'admiration la plus étourdie au mépris le plus radical.
La langue sans mesure de Céline pour restituer l'une et l'autre avec force, précision et mouvement n'a d'égale que la puissance d'interprétation d'Eric Sanson. Les mots de Céline, il les savoure, mais jamais ne s'écoute les dire ; il incarne le récit avec rythme et fluidité et captive un public qui se délecte.

En sortant, l'on se souvient avoir cru, un temps, que seul Fabrice Luchini pouvait dire Céline. Or, la nuance est de taille : Luchini lit magnifiquement Céline mais ses spectacles restent toujours du Luchini lisant Céline. Eric Sanson, lui, offre au spectateur la merveilleuse et vivifiante illusion d'avoir vu un roman de Céline se dérouler sous ses yeux, le Bordelais faisant partie de ces rares interprètes capables de mêler ensemble en les respectant absolument les bonheurs du théâtre et de la littérature.

Mort à Crédit
de Louis-Ferdinand Céline
Avec Eric Sanson
Mise en scène : Renaud Cojo
Lumière : Jean-Pascal Pracht
Théâtre Essaïon
6, rue Pierre au lard (à l'angle du 24 rue du Renard), Paris 4ème
Les jeudis, vendredis et samedis à 20h
Places à 20 € (TR 15 €)
Durée : 1 h
Jusqu'au 30 Décembre 2011

Crédit photo © Philippe Poirier

A l'heure où l'on quitte, gonflé de regrets, ses vagues, ses cimes et ses feuillages, d'autres font chauffer les salles parisiennes pour nous préparer une rentrée tout en douceur : c'est l'équipe du Festival d'Automne qui, pour sa 40ème édition, nous a concocté cette année encore un programme aussi riche que pointu.
Plus de 60 propositions de théâtre, danse, musique, arts plastiques et cinéma nous feront sortir dans de multiples lieux parisiens et franciliens du 15 septembre au 31 décembre.

Comme à l'accoutumée, le 104, le Centre Pompidou, la Cité de la Musique, les théâtres de la Bastille, de la Ville et du Rond-Point, pour n'en citer que quelques uns accueilleront artistes renommés et nouveaux talents venus d'un peu partout dans le monde.

C'est le moment d'ouvrir grand ses yeux, de feuilleter le programme en ligne et de faire sa sélection : des chorégraphes américains aux dramaturges argentins, en passant par la musique mexicaine et les grandes scènes européennes, il y en a pour tous les goûts. Ce sera par exemple l'occasion de découvrir la compagnie DV8 (Dance & Vidéo 8) qui sous l'impulsion de Lloyd Newson agite la scène anglaise depuis 25 ans (théâtre de la Ville du 28 septembre au 6 octobre), ou encore de retrouver le danseur Sud-Africain Steven Cohen (déjà venu au Festival présenter Golgotha en 2009) avec sa pièce The Cradle of Humankind, un lien noué entre l'art contemporain et les origines de l'Homme, la danse faisant ici une incursion du côté des peintures rupestres... (Centre Pompidou du 26 au 29 octobre).

Autre bonne nouvelle, chers lecteurs, dès 3 spectacles réservés - au lieu de 4 - le Festival d'Automne offre aux lecteurs de maglm le tarif abonnés !
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Très beau Festival et très bel Automne à tous !

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