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Jean-Luc Lagarce a écrit Juste la fin du monde en 1990 alors qu'il se savait atteint du sida, auquel il allait succomber quelques années plus tard, à l'âge de 38 ans. Ce n'est qu'après sa disparition que la pièce a attiré metteurs en scène et public, au point d'entrer en 2008 au répertoire de la Comédie-Française, où elle est reprise cette saison.

Ecrite dans une langue simple et en même temps très fine, mêlant prosaïsme et rythme poétique, le texte ne raconte pas une histoire mais invente une situation et les dialogues qui en découlent : Louis, 34 ans, se sachant condamné, revient dans la maison familiale après des années d'absence pour annoncer sa mort prochaine. Tant de rancœurs l'accueillent à son arrivée qu'il repartira sans avoir réussi à dire la raison de son retour.

D'emblée, la mise en scène de Michel Raskine met en évidence l'inconfort de la position de Louis : alors qu'il est debout sur la scène, sa mère, sa sœur, son frère et sa belle-sœur sont assis sur une estrade. Scène de tribunal à la vérité, dont Louis demeure le seul accusé. Tour à tour, au fil de longs monologues aux accents de réquisitoires, chacun exprime sa souffrance, lui faisant reproche de son abandon.
Mais derrière cette absence, accusée sous un débordement de mots, c'est de silence dont il s'agit. Le silence de celui qui est parti sans livrer d'explication ; le même, qui, devenu écrivain, se contente d'envoyer de temps en temps quelques lignes laconiques et banales sur une carte postale, et qui, enfin revenu, continue de se taire, un léger sourire sur les lèvres, "replié sur ton infinie douleur intérieure dont je ne saurais pas même imaginer le début du début", comme lui reproche son frère cadet.
La famille s'accommode mal du silence ; l'extrême sensibilité des liens familiaux fait jaillir les mots comme ils viennent, mais dans une poignante recherche du mot juste.

Sur la complexité des rapports entre frères, entre sœur et frères et les douloureux positionnements dans le groupe familial, Jean-Luc Lagarce est d'une précision et d'une force extraordinaires. L'acuité - la cruauté, même - de son regard met en lumière les besoins d'amour, de reconnaissance, et en même temps de singularité et de liberté de chacun des membre de cette communauté.
Impressionnants, les comédiens du Français choisis pour la pièce ont fait leurs les personnages et la langue de Lagarce ; leur jeu est si subtil que l'on se demande parfois à quoi il tient. Ils évoluent à l'avant du rideau de scène, dans un espace imprécis, restituant merveilleusement l'universalité de cette pièce bouleversante.

Juste la fin du monde
Une pièce de Jean-Luc Lagarce
Mise en scène par Michel Raskine
Avec Catherine Ferran, Laurent Stocker, Elsa Lepoivre, Julie Sicard
et Pierre Louis-Calixte
Comédie-Française
Salle Richelieu, place Colette, Paris-1er, M°Palais-Royal
A 20 h 30 ou 14 heures, en alternance jusqu'au 3 janvier 2010
Durée 2 h 05 sans entracte
De 5 € à 37 €

Image : © Pacome POIRIER/Wikispectacle

La pièce entre au répertoire de la Comédie Française cette saison.
L'entrée est double pour son auteur, Michel Vinaver (né en 1927), qui en assure également la mise en scène, avec la collaboration de Gilone Brun.

Michel Vinaver a fait le choix de l'épure, où seuls les vêtements et quelques accessoires tiennent lieu de décor. La scène, avancée vers l'orchestre, amène les acteurs au plus près du public. Le dispositif n'est pas artifice mais au contraire cohérent avec l'option de l'auteur-metteur en scène : porter le texte au spectateur. Non pas le lancer, comme on le voit trop souvent. On est davantage dans l'offrande que dans la projection.
Dans ces circonstances, tout paraît reposer sur les épaules des comédiens. Ils sont tous très bons, voire même excellents - en particulier Léonie Simaga dans le rôle de Sue, Elsa Lepoivre dans celui de Pat, Sylvia Bergé dans celui de Bess ou encore Jean-Baptiste Malatre qui interprète Bob.
Mais ce serait faire fi de la direction d'acteurs, précise, réfléchie, pleine de sens. La troupe semble se l'être appropriée corps et âme.
L'on sent un plaisir, une conviction, et ceux-ci sont totalement partagés avec le public.

Le texte (dont la lecture seule vaut déjà le coup) prend sa source dans une histoire réelle qui a marqué les esprits : celle d'un avion tombé dans la neige de la cordillère des Andes et dont les rescapés ont dû, pour survivre, se résoudre au cannibalisme.
Michel Vinaver a transposé l'histoire dans le monde de l'entreprise - dont il est familier en sa qualité d'ancien PDG de la société Gillette. Le groupe de survivants compte le président de l'entreprise Housies, spécialisée dans l'implantation de logements préfabriqués, sa secrétaire, son épouse, ses vices-présidents, la fille de l'un d'eux et la maîtresse d'un autre. Autrement dit, à la fois la classe décidante et un cercle aux contours plus fluctuant qui gravite autour.
La pièce est passionnante en ce qu'elle montre ce que devient cette structure ultra établie et rigide une fois transposée en conditions extrêmes. Où l'on voit que l'obsession de ceux qui ont le pouvoir n'est autre que de le conserver tandis que la priorité de ceux qui ne l'ont pas (ou plutôt de celles qui ne l'ont pas, puisque bien sûr il s'agit des femmes) est de vivre, voire de vivre mieux, en trouvant apaisement ou épanouissement. La situation d'isolement, de danger, de manque et d'incertitude dans laquelle les protagonistes se trouvent est traitée sans détours ni pathos. L'Ordinaire a près de trente ans, mais, hormis le contexte politique - on était sous l'ère Reagan - le texte paraît bien peu daté.

L'audace de Michel Vinaver d'avoir monté la pièce avec tant de sobriété et de confiance dans la troupe est admirable. On se demande comment ça tient.
C'est que, pendant 2 h 30, sur ce proscénium pentu et dénudé, les comédiens, par la seule force de la langue, créent le froid, la faim, la soif, la neige, la carlingue de l'avion et la chaîne rocheuse. Un brin d'éclairage, une couverture et une tranche de viande font le reste. Il y a de la magie dans ce théâtre là, qui prend le texte à bras-le-corps sans craindre de jouer grand et franc, mais sans cri, presque tranquillement.

L’Ordinaire
Pièce en sept morceaux de Michel Vinaver
Mise en scène de Michel Vinaver et Gilone Brun
Avec Sylvia Bergé, Bess - Jean-Baptiste Malartre, Bob - Elsa Lepoivre, Pat -
Christian Gonon, Jack - Nicolas Lormeau, Joe - Léonie Simaga, Sue - Grégory Gadebois, Jim - Pierre Louis-Calixte, Dick - Gilles David, Ed - Priscilla Bescond, Nan - Gilles Janeyrand, Bill
Comédie Française
Salle Richelieu - Place Colette 75001 Paris
Jusqu'au 19 mai 2009
En matinée à 14 h et en soirée à 20 h 30
Places de 5 € à 37 €
Renseignements et location : TLJ de 11 h à 18 h aux guichets du théâtre, par téléphone au 0825 10 16 80 (0,15 € la minute) et sur le site internet

La pièce est publiée chez Actes Sud (Babel, janvier 2009, 255 p., 7,50 €)

Le 23 avril dernier au théâtre du Rond-Point, André Dussolier fut l'invité de l'émission Volte-Face, qui sera diffusée sur France-Culture au cours de l'été.

Après la haute-voltige que nous avait fait suivre Fabrice Luchini (billet du 17 avril), c'est avec sérieux et application que le populaire et délicat comédien s'est prêté au jeu de l'interview mené par Olivier Barrot.

Beaucoup de sobriété de part et d'autre pour évoquer les moments et les rencontres qui ont marqué André Dussolier, mais aussi son travail avec Alain Resnais, et plus largement son métier.

Le comédien se souvient de la première fois qu'il est entré dans une salle de théâtre ; il n'avait alors que 10 ans :
« Ce fut une découverte incroyable car à l'époque je menais une vie assez convenue, dans la réalité ordonnée et triste, empreinte de beaucoup de règles, de la vie des adultes qui étaient autour de moi. Notre professeur de français nous a emmenés voir une pièce de théâtre. Ce fut un choc ! Sur scène, je voyais des gens qui disaient des choses qu'on ne disait pas à la maison, qui s'exprimaient en parlant fort, qui riaient ... Tout à coup j'ai aperçu la possibilité de vivre et d'exprimer des émotions que dans ma vie assez solitaire je retenais. J'éprouve une grande reconnaissance car cette expérience a ouvert mon imaginaire. »

Tient-il de cette enfance marquée par trop de rigidité son faible attrait pour les troupes ? En tout état de cause, il ne restera pas longtemps à la Comédie-Française.
« Je ne voulais pas passer à côté des propositions qu'on me faisait par ailleurs, que des règles trop strictes m'empêchaient d'accepter si je restais au Français. »
Il a donc préféré prendre son indépendance.

Quant à Ariane Mouchkine, il aurait aimé travaillé avec elle mais ...
« J'ai compris que si j'y rentrais, je rentrais dans une cellule monacale. "Attention, c'est plus Jean Villar et Gérard Philippe !" m'avait-elle prévenu.
C'est très beau une troupe, on se connaît très bien, on peut aborder des rôles différents, il y a une confiance, une facilité, une aisance. Mais en même temps c'est une grande humilité. C'est un sacerdoce ! »

Sa « troupe » à lui, finalement, c'est au cinéma, autour d'Alain Resnais qu'il l'a trouvée. L'admiration est immense.
« Sa façon de travailler est très proche de celle du théâtre ; il s'en est d'ailleurs nourri lorsqu'il est arrivé à Paris. Avec lui, on ne commence pas à travailler le premier jour du tournage, mais bien avant. Il nous remet d'abord des feuilles sur lesquelles sont inscrits des renseignements sur les parents et les grands-parents des personnages. Commence alors un travail d'imagination entre lui et nous. Ce qui fait que lorsque le tournage débute, on a beaucoup préparé au préalable et tout se passe très calmement.
On répète, mais les répétitions ne fossilisent pas le texte, elle nous donnent une structure qui n'enlève pas la liberté de jouer. Car il faut qu'on ait toujours l'air d'inventer le texte ... »

Evoquant la carrière prolifique et variée d'André Dussolier, Olivier Barrot lui rappelle notamment la pièce Pour un oui ou pour un non de Nathalie Sarraute (« texte magnifique, variation sur le malentendu, où c'est le verbe qui vient brouiller ... »). Cette pièce semble effectivement avoir marqué le comédien :
« Oui, l'un est d'un monde très social, l'autre est plus en retrait. Au fur et à mesure de la pièce, on en arrive à une loupe sur ce verbe, ce mot que dit l'un : "Ah, c'est bien ça." Et l'autre lui dit : "Tu es là dans ton monde, tu donnes des notes. Et moi je vis dans un monde où je ne veux pas de notes, où je ne veux pas qu'il y ait de références" ».

Dussolier l'éclectique aime aussi beaucoup Sacha Guitry, « cet esprit qui règne ». Il livre alors cette délicieuse anecdote sur son père, Lucien Guitry : « A la fin d'une représentation, un spectateur vient le voir et lui dit : "Ah, j'aime beaucoup la façon dont vous interprétez le texte." "Merci, merci beaucoup".
Au bout d'un moment "Et j'aime aussi beaucoup vos silences !".
Et Lucien Guitry de répondre : "Ce sont les miens !" ».

André Dussolier avoue savourer lui aussi les silences : y voyant « la possibilité de voir sur le visage tout ce qui passe entre les mots, un domaine de création disponible ».

Lorsqu'enfin Olivier Barrot lui fait remarquer qu'il a tout joué, qu'il semble être l'incarnation de l'acteur accompli (« c'est André Dussolier, ou l'acteur ! »), le comédien expliquera simplement :
« Quand on est jeune acteur, on joue proche de soi, comme on est.
Plus tard, tout nourrit le personnage. On peut endosser des personnages qui sont l'addition de ce qu'on a observé, du fruit de son imagination ... On peut alors jouer des choses très différentes.
Mais à chaque rôle, il faut y retourner. J'ai toujours peur avant.
Mais on peut repousser plus loin ses limites, alors que quand on est jeune, ce qui est important, c'est d'exister aux yeux des autres, on a l'obsession de trouver sa place.
Au fil des ans, ce qui compte le plus, c'est le plaisir ; le plaisir de découvrir des acteurs, le plaisir de jouer, le plaisir de se faire plaisir. »

On ajoutera le plaisir du public à écouter et voir ce très grand comédien, très présent mais discret, et, quelque soit le rôle qu'il endosse, d'une constante et incomparable élégance.

Volte-Face avec André Dussolier
Emission diffusée l'été prochain sur France-Culture
Prochain enregistrement public de Volte-Face :
Le 14 mai au Théâtre du Rond-Point avec Jean Rochefort.
Entrée libre
Réservation indispensable au 01 44 95 58 81

Mathilde rentre d'Algérie avec ses enfants pour retrouver, dans une ville de l'est de la France, la maison familiale occupée par son frère Adrien, son épouse et son fils.

Adrien espère qu'il ne s'agit que d'une visite de passage, mais Mathilde lui signifie rapidement qu'elle entend au contraire s'y installer.

Ce sont ces retrouvailles que Bernard-Marie Koltès (1948-1989) raconte dans Le retour au désert, pièce écrite en 1988, qui fait aujourd'hui son entrée au répertoire de la Comédie-Française.

Il y est question d'histoire douloureuse, de relations familiales aigues, mais aussi d'héritage et de présent, notamment avec les enfants de Mathilde et d'Adrien.

Après des années de calme passées en Algérie, Mathilde revient avec beaucoup de violence en elle, le désir de mener la guerre à son frère, au passé et à cette province endormie.
Mais Adrien, malgré sa paisible vie bourgeoise, n'en contient pas moins de violence : la réapparition de sa soeur, qui vient perturber une existence trop et mal verrouillée, suffira à la révéler.
Le retour au désert est un texte fort sur la famille, la province, la bourgeoisie, le racisme, le silence qui étouffent. Mais c'est aussi une histoire d'amour passionnelle entre un frère et une soeur, qui entre cris et disputes, finit par émouvoir.

La mise en scène et la direction d'acteurs de Muriel Mayette sont particulièrement réussies : la volonté d'humour voire de cocasserie impriment à la pièce une légèreté opportune, qui n'amenuise en rien la violence et la portée du texte.

L'idée d'un long mur gris pour représenter à la fois l'intérieur opulent de la demeure familiale et le mur du jardin qui la ceint est simple et incroyablement efficace.
Quant au choix des comédiens, le spectateur n'y trouvera rien à redire, tous sont très bons, incarnent parfaitement leur personnage, y compris Aziz, le domestique algérien. (1)

Le retour au désert. Bernard-Marie Koltès
Mise en scène de Muriel Mayette
Avec Martine Chevallier, Bruno Raffaelli, Michel Vuillermoz, Julie Sicard, Michel Favory ...
Comédie-Française, salle Richelieu, place Colette - Paris 1er
En soirée à 20 h 30, en matinée à 14 h
Jusqu'en juin 2007
Locations par courrier ou par téléphone au 0825 10 1680

(1) A cet égard, le procès que François Koltès, l'ayant-droit de l'auteur, fait au metteur en scène, Muriel Mayette, administratrice de la Comédie-Française, de ne pas avoir choisi un comédien arabe pour incarner le personnage d'Aziz, ce qui serait contraire au souhait de Bernard-Marie Koltès semble assez incompréhensible.
Procès dont les victimes sont non seulement Muriel Mayette et la Comédie-Française, mais aussi les spectateurs puisque la pièce, donnée jusqu'au mois de juin, ne sera pas reprise à l'automne.
Raison supplémentaire pour aller voir ce très bon spectacle sans tarder.