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Tout en contrastes, l'oeuvre du peintre belge James Ensor (1860-1949), présenté au Musée d'Orsay à travers une exposition de 90 tableaux, dessins et gravures, ne cesse d'intriguer au fur et à mesure de la visite.

On découvre d'abord des paysages, des natures mortes et des scènes de genre à la veine naturaliste très marquée. Ce sont les premiers tableaux de l'artiste qui, après ses études à l'Académie de Bruxelles, revient à l'âge de vingt ans dans sa ville natale d'Ostende, peu emballé par sa formation traditionnelle et préférant alors travailler, pour reprendre son expression, sur « la forme de la lumière ».

Sur ce point, ses toiles ne sont pas transcendantes, malgré ses péremptoires affirmations et son dédain pour les impressionnistes, par lui qualifiés de « faiseurs de plein air ». Cette première période - qui sera aussi celle de cuisants échecs, dont l'artiste restera marqué à jamais, comme on le verra par la suite - n'est pour autant pas dénuée d'intérêt. Dans ses scènes d'intérieur de cette ville de Flandre, La coloriste, La femme endormie, ou encore l'immense Mangeuse d'huîtres, Ensor peint des pièces sombres et calfeutrées, des ambiances étouffantes, l'ennui incommensurable de ces heures où tout semble figé, où les objets, le mobilier et les tentures tirées semblent pétrifier les êtres. Dans L'après-midi à Ostende, le regard tourné vers le spectateur de la femme en visite chez une autre plus âgée trempant ses lèvres dans une tasse de thé semble par son expression résumer tout ce qu'évoquent les tableaux de la série.

Quelques années après, l'oeuvre de James Ensor prend toute sa singularité et sa saveur. A la fin des années 1880, souffrant du mauvais accueil qu'il reçoit, époque aussi à laquelle il perd son père et sa grand-mère, il change à la fois de manière et de sujets : «Pour arriver à rendre les tons riches et variés, j'avais mélangé toujours les couleurs... J'ai modifié alors ma manière et appliqué les couleurs pures. J'ai cherché logiquement les effets violents, surtout les masques où les tons vifs dominent. Ces masques me plaisent aussi parce qu'ils froissaient le public qui m'avait si mal accueilli ».

Les tons sont beaucoup plus clairs, voire acides. Des êtres masqués et des squelettes peuplent ses tableaux, renvoyant à l'univers dans lequel le jeune James a grandi, dans la boutique de souvenirs et de curiosités de ses parents, et dont le grand Ensor a continué à peupler son atelier plus tard. On peut en voir certains exemplaires dans l'exposition, comme une étrange sirène, faite d'une queue de poisson, d'un corps en squelette et d'une tête de singe.
Ces squelettes et ces masquent amusent par le grotesque des scènes, oscillant entre pure fantaisie et satire sociale - on pense aux caricatures de Daumier, au Carnaval, à Guignol - non sans un soupçon d'effroi évidemment comme devant le défilé de tristes mondains de L'intrigue. L'artiste ne craint pas l'ambiguïté, au contraire, associant à ses figurations macabres un registre chromatique gai avec des couleurs pures et pétillantes renvoyant à la fête. D'ailleurs, sous les dehors de la farce, sourd une certaine violence : par exemple dans Les poissardes, en dessous du message «Mort ! Elles ont mangé trop de poisson », les deux vieilles poissardes en question rappellent sous une toute autre forme mais avec une force inouïe l'ennui et l'absence de vie des tableaux naturalistes de jeunesse.

Les innombrables autoportraits de l'artiste manifestent, outre le souci de se voir reconnu, tous les vents contraires qui semblent l'avoir animé : parfois il se représente selon la tradition du genre, devant son chevalet ; plus loin découvrant son visage au milieu d'une foule de masques de tous poils ; à l'occasion, il se dessine au fusain sous les traits d'un beau jeune homme. Mais il y a aussi les poignants L'homme de douleur ou Squelette peintre. Comme si la provocation, le rire suscité par ces Squelettes se disputant un hareng saur n'étaient là que pour habiller élégamment son désespoir.

James Ensor
Musée d'Orsay
1, rue de la Légion d’Honneur - Paris VII°
Jusqu'au 4 février 2010
Tlj sauf le lundi, de 9h30 à 18h, nocturne le jeudi jusqu'à 21h45
Entrée 9,50 €, tarif réduit 7 €

Images : Squelettes se disputant un hareng saur, 1891, Bruxelles, Musées royaux des Beaux Arts de Belgique, © MRBAB, Bruxelles © ADAGP, Paris 2009
L'Intrigue, 1890, Koninklijk Museeum voor Schone Kunsten, Anvers, Belgique © Courtesy Lukas-Art in Flanders © ADAGP, Paris 2009

Pour compléter l'exposition Voir l'Italie et mourir, un accrochage de quelques soixante-dix dessins met en évidence l'importance de l'architecture italienne dans la formation des architectes français.

Depuis 1663, aux lauréats du Grand Prix de Rome, revenait le privilège de passer plusieurs années à l'Académie de France à Rome. Mais avec le développement des moyens de communication et de l'intérêt pour l'archéologie, les architectes furent au XIXème siècle de plus en plus nombreux à accomplir leur "Grand Tour" pour découvrir de visu les bâtiments qu'ils avaient étudié dans les livres.

Les deux salles réunissent ainsi des dessins des plus grands architectes français de l'époque, Charles Garnier, Eugène Viollet-le-Duc ou Hector Lefuel, mais également de très belles aquarelles - traduisant l'influence de la peinture chez les architectes français, souvent venus en Italie, il est vrai, accompagnés d'amis peintres.

Une belle place est faite à Louis Boitte qui, outre l'Italie, eu également la possibilité de visiter la Grèce. Le futur architecte du château de Fontainebleau passa cinq ans à la Villa Médicis et a laissé un fonds de quelques huit cents documents de toutes natures, études, relevés archéologiques, croquis, photographies, dont on voit ici d'instructifs échantillons, y compris des dessins de sa participation au concours ouvert en 1883 par l'Etat italien pour le monument dédié à la mémoire de Victor-Emmanuel II.

L'Italie des architectes : du relevé à l'invention
Dessins d'architecture de la collection du musée d'Orsay
Jusqu'au 19 juillet 2009
Musée d'Orsay
1, rue de la Légion d'Honneur - Paris 7ème
TLJ sf le lundi, de 9 h 30 à 18 h, le jeudi jusqu'à 21 h 45
Entrée avec le billet du Musée (9,50 €, TR 7 €)

Image : Eugène Viollet-le-Duc (Paris 1814 - Lausanne 1879), Fragment d'architecture pompéienne pour " Histoire d'un dessinateur ", crayon et aquarelle, H. 0.17 x L. 0.108m, musée d'Orsay, Paris, (c) musée d'Orsay / Patrice Schmidt

Objet magique, il dissimule le visage de celui qui le porte, tout en exhibant des expressions choisies.
Ambigüité, illusion, jeu, le masque évoque aussi les rites et la sorcellerie. Des masques du théâtre antique aux masques dits "primitifs" qui fascinèrent les cubistes, en passant par le loup, associé à la galanterie, les masques du Carnaval ou encore ceux du théâtre japonais, le registre est large et familier, souvent festif.

Il fallait cette exposition au Musée d'Orsay, tout à fait inédite, pour découvrir que l'Europe, et la France en particulier, à la fin du XIXème siècle et au début du XXème se prit d'une nouvelle passion pour les masques.

Les artistes ne se contentèrent pas de reprendre les masques traditionnels mais développèrent un genre bien à part. Ce renouveau se manifesta par le culte laïque des masques mortuaires d'abord (ceux de Napoléon, Géricault ou Beethoven connurent un grand succès), puis par le travail sculptural très élaboré dans les ateliers, comme dans celui de Jean Carriès, dont on observe ici l'étendue : visages grimaçants (parfois inspirés de ses propres traits), outrés, voire carrément déformés, la violence n'est parfois pas loin dans cette belle suite de masques en gré émaillé.

De superbes têtes de Rodin, mais aussi de Carpeaux et de Bourdelle rappellent l'importance du masque comme "étape" (ou comme oeuvre en tant que telle, la finalité de l'objet n'étant pas toujours établie avec certitude) dans l'élaboration de l'expression du personnage sculpté, à l'exemple des multiples tentatives de Rodin de traduire le regard de la comédienne japonaise Hanako ("Il n'était jamais satisfait !" dira-t-elle à ce sujet dans ses mémoires).

Dès 1886, au jardin du Luxembourg à Paris, la fortune du masque était acquise, avec le Marchand de masques en bronze de Zacharie Astruc, qui réunit, dominé par celui de Victor Hugo, les visages des célébrités littéraires de l'époque.
Le parcours fait aussi la part belle aux vertus décoratives du masque, l'éclectisme du XIXème siècle revisitant la tradition architecturale et ornementale du mascaron ; ou encore aux variations des Symbolistes, qui ont trouvé dans le masque le support privilégié de l'expression de toutes les étrangetés, angoisses, malaises et visions de la mort.
Une exposition fascinante, à l'image de cette réinterprétation de la Gorgone Méduse issue des mythes grecs, aussi pétrifiée dans son malheureux sort que pétrifiante, avec sa chevelure de serpents et son regard fatal à quiconque le croise.

Masques. De Carpeaux à Picasso
Jusqu'au 1er février 2009
Musée d'Orsay
1, rue de la Légion d'Honneur - Paris 7ème
TLJ sf le lundi, de 9 h 30 à 18 h, le jeudi jusqu'à 21 h 45
Entrée avec le billet du Musée (9,50 €, TR 7 €)

Catalogue Masques, de Carpeaux à Picasso, collectif sous la direction de Edouard Papet, 256 p., 300 illustrations couleurs, Musée d'Orsay / Hazan, 49 €

Image : Arnold Böcklin (1827-1901), "Bouclier avec le visage de Méduse", après 1887, papier mâché peint et doré, Musée d'Orsay, Paris © Photo RMN, Hervé Lewandowski

Au moment où, en France, Louis Daguerre mettait au point un procédé photographique sur plaque de cuivre argentée, de l'autre côté de la Manche, William Henry Fox Talbot inventait dans la plus grande discrétion la photographie sur papier. Mais la révélation en janvier 1839 de la découverte de Daguerre, accueillie dans l'enthousiasme suscita l'émulation et poussa ce gentleman de Talbot, botaniste, mathématicien et féru d'art à sortir de sa réserve.

Telle est la passionnante histoire que le Musée d'Orsay, en association avec la National Gallery of Art de Washington et le Metropolitan Museum of Art de New-York met en lumière jusqu'au 7 septembre 2008.
Cette exposition de cent vingt photographies britanniques des années 1840-1860 est surtout l'occasion de découvrir des oeuvres magnifiques, pour l'essentiel montrées pour la première fois au public français.

Immédiatement, l'oeil est séduit par le rendu du procédé de Talbot (utilisant un négatif papier à partir duquel un positif en papier également est tiré par contact) : il est à l'opposé de celui des daguerréotypes, métalliques et précis.
La technique anglaise donne un résultat velouté, soyeux, vaporeux, tout en contraste entre éclats de lumière et masses sombres. Grâce est de constater que le nom donné par Talbot à son invention, le calotype, littéralement la belle image n'était pas usurpé.

Les thèmes explorés par le scientifique et ses disciples se prêtent fort bien à cette manière empreinte d'onirisme : végétaux, visions de ruines, simple meule de foin... D'emblée, la photographie naissante semble s'être inscrite dans le mouvement artistique de l'époque, celui de l'idéal de l'harmonie de l'homme avec la nature, du culte des vestiges du Moyen-Age, de toutes ces revisites du passé très XIXème siècle qui ont nourri le romantisme britannique pictural et littéraire.
En même temps, les calotypes anglais et écossais annoncent une vision moderne du paysage, à moins qu'ils ne soient l'écho de l'évolution de la peinture à cette époque. L'impression est saisissante devant la Crique d'Anstey de Benjamin Turner, ou dans un tout autre sujet, le très beau paysage de neige de Queen Street à Bristol.

La photographie est aussi le moyen rêvé pour immortaliser les sites visités par les membres des classes aisées britanniques lors de leur fameux Grand Tour en Europe.
Voyez cet Anglais du chic le plus accompli appuyé contre les ruines à Pompéi, voyez l'émouvante simplicité de ces pots de terre à Nice, voyez l'époustouflant diptyque restituant une vue de Naples, ample et toute blanche ou encore, à côté d'autres clichés plus conventionnels, ces paysages pyrénéens qui tranchent par leur irréalité et leur poésie.
Ce beau voyage dans le temps et les grands espaces se termine par des images du nouvel Empire britannique, en Inde et en Malaisie, avec par exemple la merveilleuse composition montrant une statue de Bouddha, ou les superbes entrées de lumière dans le clair-obscur qui abrite le Trône de cristal du Diwan-i-Khas à Delhi : art, voyage et culture, voilà bien ce que les premières photographies britanniques ont révélé.

L'image révélée : premières photographies sur papier en Grande-Bretagne
(1840-1860)
Jusqu'au 7 septembre 2008
Musée d'Orsay
1, rue de la Légion d'Honneur - Paris 7ème
TLJ sf le lundi de 9 h 30 à 18 h, le jeudi jusqu'à 21 h 45
Entrée 8 € (TR : 5,5 €)

Images : John Stewart (1800-1887), Col et pic d'Arrens photographiés depuis le mont Soubé, 1852 (épreuve sur papier salé d'après un négatif papier) National Media Museum, Bradford, UK© The RPS Collection at the National Media Museum, Bradford
Charles Moravia (1821?–1859), Le Trône de Cristal du Diwan-i-Khas, Delhi, 1858 (épreuve albuminée d'après un négatif papier) Collection privée

L'exposition que le Musée d'Orsay consacre au grand marchand d'art Ambroise Vollard jusqu'au 16 septembre est l'occasion de visiter de nombreux chefs d'oeuvre, dont la majorité sont issus de collections privées ou de prêts de musées étrangers.

Le parcours s'articule en sections organisées autour de chacun des grands peintres ou groupes de peintres que Vollard exposa dans sa galerie.

Une salle présente les portraits d'Ambroise Vollard lui-même réalisés par quelques uns de "ses" peintres ; la dernière étant réservée aux activités dites annexes du marchand d'art, mais auxquelles il se consacra avec autant sinon plus de passion : celle d'éditeur de céramiques et surtout de "livres d'artistes".

Cette dernière partie est un régal. Vollard - homme d'affaires fort avisé, doté d'un solide sens du commerce - était aussi un amoureux des beaux livres. Il n'y a qu'à regarder les extraits exposés pour en être convaincu. Ici le superbe album composé de douze lithographies en couleur de Pierre Bonnard Quelques aspects de la vie de Paris (1899) ; là les Oeuvres de François Villon illustrées par Emile Bernard (1919), sans parler de la magnifique et impressionnante Suite Vollard, un ensemble d'eaux fortes et pointes sèches de Picasso aux thématiques mythologiques qui ne compte pas moins de 117 planches !

Cette exposition remarquable à bien des égards permet aussi de nouer de délicieuses correspondances entre les artistes.
Ainsi, l'exemplaire de La Maison Tellier de Maupassant illustrée par Degas (1914), mis en regard avec l'original que l'artiste réalisa au pastel en 1878-1879 La fête de la patronne (quelles filles, quelle fête, et quelle patronne !) est précédé de quelques mètres par le tableau de Vincent van Gogh Nature morte avec statuette en plâtre (1888) représentant notamment Bel-Ami du même Maupassant...

Magnifique salle d'ailleurs que celle réunissant quelques uns des tableaux de van Gogh acquis par Vollard alors que le peintre "maudit" n'était déjà plus de ce monde. Mais il était encore trop tôt pour que son talent soit reconnu : les deux expositions que le marchand d'art organisa furent un fiasco.
Même les artistes ne le comprenaient pas. "Une peinture de fou" : c'est ainsi que Renoir et Cézanne considéraient ces oeuvres !

Et pourtant aujourd'hui le visiteur est envoûté devant Le Rhône à Arles (1888), superbe triptyque de paysages : quelle lumière et quelle fraîcheur ! On sent l'air, on est dans l'herbe, on est dans la pure poésie. Mais ces tableaux semblent si loin du style le plus connu du peintre néerlandais, que l'on retrouve, avec beaucoup de plaisir aussi, dans Les lauriers roses ou La nuit étoilée (1888), qui fait partie de la collection permanente du musée d'Orsay.
Face à cette nuit somptueuse, on a envie d'évoquer ce que van Gogh écrivait à sa soeur à l'époque où il a peint ce tableau : "Souvent, il me semble que la nuit est encore plus richement colorée que le jour".

On finit cette petite vue de l'exposition très bientôt avec Paul Cézanne...

De Cézanne à Picasso, chefs-d'oeuvre de la galerie Vollard
Musée d'Orsay
Jusqu'au 16 septembre 2007
Du mardi au dimanche de 9h30 à 18h
nocturne le jeudi jusqu'à 21h45
RER C, bus 24, 68 et 69, M° ligne 12
Entrée 7,50 € (TR 5,50 €)

Catalogue d'exposition
Collectif, sous la direction d'Anne Roquebert
Musée d'Orsay / RMN, 56 €