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L'exposition présentée au Musée d'Orsay jusqu'au 31 mai est non seulement belle, mais encore tout à fait convaincante.

Elle montre comment, au tournant du XXème siècle et jusqu'à la première Guerre Mondiale, des sculpteurs venus de toute l'Europe se sont retrouvés à Paris le temps d'une décennie pour repenser et renouveler la sculpture.

A l'époque, le modèle entre tous et pour tous est Rodin.
Mais il va devenir le contre-modèle, la statue à déboulonner si l'on ose dire. Contre son expressivité poussée à l'extrême, contre le chaos des portes de l'Enfer, il s'agit alors, pour les Bourdelle, Brancusi, Maillol, Picasso et autres Gonzales, de reprendre la réflexion plastique à son commencement, de rechercher l'essence de la sculpture : le volume, l'architecture, la ligne. Adoptant des formes de plus en plus simplifiées, ces artistes ne font pas pour autant "taire" les visages. Ils les assagissent, les épurent et trouvent d'autres réponses pour exprimer "l'intériorité" de leurs créations.

On n'est pas encore dans le cubisme (qui ne s'exprime alors qu'en peinture), encore moins dans le non-figuratif ; mais le chemin parcouru depuis Rodin est immense - quelques unes des sculptures du maître permettent de le souligner. Plus de démonstration, plus de tour de force ; la ligne directrice est tout autre.
Mais si les artistes entendent se détourner de l'imitation et de la sensualité, bien des œuvres présentées prouvent qu'ils n'ont pas - et c'est un bonheur - chassé cette dernière. Toute la partie de l'exposition consacrée aux volumes est à cet égard remarquable, avec notamment une galerie de nus féminins où le poli extrême des rondeurs de Maillol voisine une plantureuse Renoir, une immense Pénélope de Bourdelle ou encore une douce Grande Songeuse de Wilhelm Lehmbruck.
Le lyrisme n'est pas davantage absent. Il se fait si délicat avec ce magnifique Buste de jeune fille de Zadkine, tête tournée et penchée, tout en épure, en grâce, en finesse. Et que dire de la célèbre Muse endormie de Brancusi, d'une telle tendresse !

La section consacrée aux lignes est tout aussi passionnante, où l'on voit des corps immobiles et isolés se mettre à occuper l'espace de façon audacieuse, prendre des poses inattendues, en des lignes simples qui les courbent, les agenouillent et les étirent - de façon particulièrement impressionnant chez Lehmbruck. Chez cet artiste d'ailleurs, apparaît progressivement une veine expressionniste, donnant des visages bouleversants, chavirés de souffrance silencieuse (Orante, Tête d'un penseur, Amants...), et qui semble avoir atteint son apogée avec son terrible Prostré.

Tout est beau, tout est à voir dans cette exposition de choix. Il faudrait donc aussi évoquer la salle consacrée aux reliefs, dont les volumes sont si géométriquement circoncis que leur puissance et leur douceur n'en sont que plus spectaculaires.
La Femme accroupie de Maillol, superbe et lisse, repliée et assoupie, occupe pourtant tout son espace avec une formidable présence. Comme s'il ne s'agissait pas que d'une simple question de beauté, comme si elle seule évoquait déjà tout un monde...

Oublier Rodin ? La sculpture à Paris, 1905-1914
Musée d'Orsay
1, rue de la Légion d'Honneur - Paris 7ème
Jusqu'au 31 mai 2009
TLJ sf le lundi, de 9 h 30 à 18 h, le jeudi jsq 21 h 45
Entrée 8 € (TR 5,5 €)

A voir également en ce moment au Musée d'Orsay, et autour de cette exposition : un accrochage de dessins de sculptures, de Chapu à Bourdelle

Images :
Aristide Maillol, La Méditerranée, 1905-1923, Statue, marbre, Paris, musée d'Orsay © photo Christian Baraja
Wilhelm Lehmbruck, Grande figure debout, 1910, Statue, ciment, Otterlo, Kröller-Müller Museum © Coll. Kröller-Müller Museum Otterlo the Netherlands

Il faut le reconnaître, une aquarelle ne séduit pas forcément du premier coup d'oeil. Contrairement à la peinture à l'huile et à la gouache, plus hautes en couleurs, plus pleines, plus aguicheuses, le fin lavis de l'aquarelle a le charme si discret que l'on pourrait passer devant sans le remarquer.
Un petit tour à la Galerie des Arts graphiques du Musée d'Orsay jusqu'au 7 septembre rectifiera cette erreur. Le choix parmi le fonds du Musée est resserré - deux salles : bonne raison pour s'y attarder un peu.

Alors que les artistes anglais en étaient friands et maîtres depuis le XIXème siècle, en France l'aquarelle était traditionnellement réservée à l'exercice du peintre, à l'étude qui précédait l'exécution de la toile en atelier. Il en est ainsi des croquis et des esquisses de Pierre Bonnard, Jules Elie Delaunay, Edgar Degas, Edouard Manet. Ces deux derniers, contrairement à leurs contemporains plus franchement au coeur du mouvement impressionniste ne furent jamais des peintres de plein air ; leurs aquarelles ne resteront que des sortes de notes préparatoires à leurs travaux d'atelier.
Mais passons dans la seconde salle, et nous voici "dehors" avec le peintre de marines Eugène Boudin (1824-1898), Normand resté fidèle toute sa vie à Honfleur : scènes de bord de mer, élégantes sur la plage à Trouville, vues de port. Il fut l'un des précurseurs en France d'un genre nouveau qui allait connaître un grand succès avec les impressionnistes : la saisie des paysages en extérieur.
Tout près, les belles aquarelles du néerlandais Johan Barhold Jongkind (1819-1891) : marines et scènes côtières également, mais dont se dégage l'impression que la présence de l'eau n'est qu'un prétexte. Le motif qui attire irrésistiblement l'oeil est le ciel. Immense, toujours différent, parfois d'une couleur inattendue, il joue l'harmonie avec les autres teintes (superbe vert mousse du jardin qui fait écho au jaune du ciel dans Jardin de la ferme Toutin à Honfleur) et constitue l'écrin idéal, faisant magistralement ressortir la beauté et l'harmonie des compositions.
Quelques mètres plus loin, éblouissement avec Paul Signac et notamment sa Vue de Bayonne toute multicolore. Fi des teintes délavées, voici de l'orange, du jaune vif, du bleu Majorelle. Quelle audace, et quel équilibre remarquable, avec son bouquet de lignes sinueuses pour définir l'eau et les arbres, et emporter le regard loin des lignes géométriques du bateau et du pont sur l'autre partie du tableau.
Avant de partir, un regard pour les esquisses de Cézanne, notamment ce Four à plâtre très épuré mais où la recherche des lignes et des volumes est tout à fait présente. Au fond, la montagne Sainte-Victoire non peinte apparaît comme l'émouvante annonce de ce qui suivra. En une cinquantaine d'aquarelles, ce très bel accrochage nous fait parcourir, discrètement, un chemin fondamental et passionnant de l'histoire de la peinture.

Aquarelle : atelier et plein air
Musée d'Orsay
Jusqu'au 7 septembre 2008
TLJ sf le lundi de 9 h 30 à 18 h et le jeudi jusqu'à 21 h 45
Entrée 8 € (TR : 5,5 €)

Image : Paul Cézanne (1839-1906), Le Four à plâtre (au fond, la montagne Sainte-Victoire). Vers 1890-1894. Crayon noir et aquarelle sur papier vélin, trous d'épingles aux angles, 42 x 52,9 cm © Photo RMN / © Jean-Gilles Berizzi

C'est l'excitant chemin de la découverte qu'empruntent la plupart des visiteurs de l'exposition organisée au Musée d'Orsay jusqu'au 3 février, tant la peinture du suisse Ferdinand Hodler (1853-1918) est restée dans l'ombre depuis près d'un siècle.
Un de ses tableaux, pourtant, lui a valu en 1890-1891 le scandale à Genève et la consécration à Paris : La Nuit, monumentale toile horizontale et sans couleur, dont la composition symétrique place un homme nu assailli par une silhouette couverte d'un voile noir, évocation de la mort, au milieu de six personnages, deux couples, un homme et une femme, également allongés mais eux endormis dans une cruelle indifférence.

Quelques années plus tard, en 1904, Hodler est l'invité d'honneur du Salon de la Sécession à Vienne : l'exposition laisse la conviction qu'il avait effectivement toute sa place dans l'avant-garde européenne du tournant du XXème siècle.

Le parcours met l'accent sur la personnalité mystique du peintre, lisible dans ses grands tableaux symbolistes, géométriquement composés et mettant en scène de grands corps nus qui se déploient dans une nature irréelle et magnifiée. Postures d'offrandes sur ces "îles" vert émeraude au milieu des cieux : on approche de près la dimension cosmique.
Mais l'ode à la nature est infiniment plus fine dans ses paysages, de toute beauté.
Dès les deux premiers, l'on voit bien que ce paysagiste-là n'était pas comme les autres. Voici le Bois des Frères (1885) : qu'est-ce donc que ce bois ? Ces branches fines et sinueuses, mortes mais pleines d'élan, décoratives et poétiques, dans un paysage d'hiver dont la lumière n'est pas celle de l'hiver ? Celui d'à côté, L'Avalanche (1887) fascine tout autant, avec sa neige épaisse, non pas simplement éclairée, mais saturée d'une lumière qui happe littéralement le regard.
Ils ne sont que la mise en bouche, si l'on peut dire, de la longue série de paysages qui se succèdent sans lasser jamais, tant ils expriment le regard amoureux que le peintre portait à la nature.
L'épure des compositions, faites de nuages, d'eau et de montagnes n'exclut pas l'onirisme, tel celui de l'écrin de brume qui entoure le Niesen vu de Heutrich comme une parure qui s'écarte doucement pour dévoiler la majestueuse montagne.
La stylisation, japonisante et poétique, frôle parfois l'abstraction.
Les bleus extraordinaires, de l'indigo au bleuet, harmonisés à des verts mousse tendres évoquent un sentiment de sérénité que la rigueur des lignes simples renforce.

Mais Ferdinand Hodler était également un saisissant portraitiste. Difficile de détourner les yeux de ses autoportraits où il nous interpelle de son regard pénétrant, mystérieux et interrogateur.
Malgré la mise en valeur de la peau, livide, orange vif, voire parfois presque fluorescente, c'est sur les mains, très présentes et longues à l'excès comme chez Schiele, et sur les yeux que Hodler s'attarde pour traduire avec force l'expression de ses personnages. Cette intensité atteindra son apogée avec la série de tableaux dit Le cycle de Valentine, témoignage vibrant de l'agonie de sa compagne malade.

Ferdinand Hodler. Musée d'Orsay
Musée d'Orsay
Jusqu'au 3 février 2008
TLJ sf le lun. de 9 h 30 à 18 h, le jeu. jusqu'à 21 h 45
Entrée 8 € (TR : 5,50 €)
Catalogue Ferdinand Hodler 1853-1918, collectif, sous la direction de Serge Lemoine et Sylvie Patry (Musée d'Orsay / Réunion des musées nationaux), 45 €

Image : Ferdinand Hodler Autoportrait© Musée d'Art et d'Histoire / photo Bettina Jacquot-Descombes

Antonin Rispal fut un passionné à qui les amateurs d'Art Nouveau peuvent dire un grand merci !

Une gratitude qui vaut aussi pour son épouse et sa fille, qui ont fait donation au Musée d'Orsay, deux après sa mort, de 300 pièces de son exceptionnelle collection.

Auvergnat venu en 1945 à Paris où il réussit dans l'hôtellerie, Antonin Rispal (1920-2003) s'éprend d'objets et meubles "style 1900" et commence très vite à les collectionner.

Ainsi, dans les années 1960, il va s'attacher à défendre un Art Nouveau, qui en avait alors bien besoin.

Ce style d'art décoratif, né à la fin du XIX° siècle, associé à la ligne courbe, sinueuse, asymétrique ; à l'emploi de formes organiques ou naturelles et à des structures géométriques, était en effet tombé dans le mépris dès les années 1910.

Pour accueillir la donation, le Musée d'Orsay organise une exceptionnelle exposition.

Le public découvrira ainsi une rare table à ouvrage en marqueterie de Dielh, présentée à l'Exposition universelle de 1878, ornée de petites tortues et sauterelles en bronze ; une cheminée élancée en bois sculptée qui n'est pas sans rappeler les célèbres entrées en fonte du métro parisien dessinées par Guimard, dont on verra, un peu plus loin, un modèle de plaque en plâtre satiné.

On admirera le mobilier de Pérol, aux formes courbes, en acajou orné de cuivre doré, celui de Bugatti, qui allie des formes géométriques et légères à un travail de marqueterie d'os et d'incrustation d'étain, presque d'inspiration andalouse, la vitrine Orchidées de Majorelle, un bureau de dame de Gallé, de magnifiques vases en verre translucide bleu et violet de Jean, aux lignes douces en volutes et corolles...

Dans le dernier espace, consacré au souvenir de Sarah Bernardt, une verrière à quatre panneaux déploie ses couleurs, un très beau lampadaire en métal patiné s'orne de roseaux et libellules...

Une exposition exemplaire des arts décoratifs de style 1900, qui avaient été inspirés par le désir de rompre avec les styles antérieurs, avec un objectif nouveau : rendre les arts décoratifs accessibles à des classes sociales plus étendues...

Des sculptures de verre, oeuvres de Josette Rispal, fille du collectionneur, émaillent l'exposition. Ainsi, dans le 2ème espace, de surprenantes Fleurs lunaires et Fleurs intérieures sont posées à même le sol en un émouvant bosquet en verre de Murano, aux couleurs bleu, rouge, violet, vert, toutes magnifiques.
Un ensemble floral devant lequel on reste longtemps, fasciné par ce troublant mélange de force et de fragilité, de matière et de poésie, de naturel et de sophistication...
Une vraie découverte.

Musée d'Orsay 1 rue de la Légion d'Honneur Paris 7ème
Jusqu'au 28 janvier, TLJ sauf le lundi, de 9h30 à 18h et le jeudi jusqu'à 21h45
Tarif : 7,50 € (le dimanche : 5,50 €)
Gratuit le 1er dimanche du mois
Catalogue de l'exposition : 60 €
Photo : Presse-papier de Jean Dunand