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Avec la très belle exposition autour des premières photographies sur papier britanniques, L'image révélée, le musée d'Orsay rappelle les circonstances de la naissance de la photographie en Europe : presque simultanément, d'un côté de la Manche, Talbot invente un procédé de tirage sur papier alors qu'en France, Daguerre met au point la technique de la photo sur plaque de cuivre.

En parallèle, le musée présente une sélection de quelques soixante-dix daguerréotypes français issus de ses collections. L'accrochage est certes de moindre ampleur que l'exposition organisée en partenariat avec les musées de Washington et de New-York, mais elle a le mérite de mettre en évidence les profondes différences de rendu entre les deux procédés.
Victime de son succès et des conditions économiques favorables que les autorités lui ont accordé en France, le daguerréotype s'est développé un peu dans tous les sens, s'éloignant en cela parfois encore davantage de l'exigence esthétique des Britanniques que le support lui-même ne le faisait à la base. Ainsi, attirés par les perspectives de gains offertes par une large clientèle friande de portraits, les laboratoires de photo se sont multipliés, fournissant à bas prix des portraits aux formats de plus en plus réduits et pas toujours de belle qualité.
La sélection du musée d'Orsay permet de retrouver des personnages familiers : ici le baron Haussmann, là monsieur et madame Victor Hugo (robuste, la dame), plus loin, Alexandre Dumas. Plus émouvant et assez surprenant, un triptyque présentant le portrait d'une femme post-mortem. Emotion encore devant ces deux petites plaques faites en 1848 pendant les journées sanglantes de juin 1848 à Paris, à l'époque publiées dans L'Illustration : c'était la première fois que la photographie servait de support à l'image de presse. Voici encore quelques uns des événements, grands ou ordinaires, marqueurs de ce milieu du XIXème siècle français : l'Exposition Universelle de Paris de 1855, les funérailles du duc d'Orléans, héritier du royaume, à Notre-Dame-de-Paris en 1842, une revue de la Garde au Palais des Tuileries (1845-46), un groupe d'artistes élèves à la Villa Medicis à Rome, mais aussi la gare de l'Est à Paris, alors toute neuve...
Le rendu des plaques daguerréotypes, aussi anciennes soient-elles, certaines un peu abîmées, est difficilement comparable au tirage papier anglais : ici, tout est clair, net et précis ; pas de lignes floues, pas de volumes sombres.
Si l'on est loin de la belle esthétique, voire de l'onirisme britannique, nos daguerréotypes ont leur charme propre que l'accrochage joliment éclairé (dans tous les sens du terme) dans un bel écrin rouge carmin met en valeur avec simplicité et efficacité.

Le daguerréotype français dans les collections du musée d'Orsay
Musée d'Orsay
Jusqu'au 7 septembre 2008
TLJ sf le lundi de 9 h 30 à 18 h et le jeudi jusqu'à 21 h 45
Entrée 8 € (TR : 5,5 €)

Image : Louis Adolphe Humbert de Molard (1800-1874), Louis Dodier en prisonnier 1847 (Daguerréotype H. 11,5 ; L. 15,5 cm), Paris, musée d'Orsay, don de la famille Braunschweig en souvenir de la galerie Texbraun par l'intermédiaire de la Société des Amis du Musée d'Orsay, 1988 © photo RMN, Hervé Lewandowski

Lorsqu'une fée de la robe prend ses quartiers dans le palais d'un fou de tissus et de décors, le séjour promet d'être heureux.
Celui-ci ne ménage pas la surprise : dans l'ambiance singulière et surannée du Palais degli Orfei à Venise, faite de souvenirs orientalistes, de tentures et de clairs-obscurs, antre du styliste et peintre italien d'origine espagnole Mariano Fortuny (1871-1949), la créatrice contemporaine Isabelle de Borchgrave a installé jusqu'au 21 juillet quelques-unes de ses drôles de robes.

Depuis dix ans, Isabelle de Borchgrave, peintre, styliste, metteur en scène ne consacre plus ses travaux qu'à un seul matériau : le papier. Elle découpe, plisse, froisse et peint.
Le résultat est difficile à imaginer ; il est tout à la fois finesse, tombé, moiré, soie, dentelle, damas, or, ivoire, bleuté, rose poudré... Les coupes sont à ravir et en empathie avec l'atmosphère Belle Epoque de l'atelier de Fortuny.
Des splendeurs à admirer dans le halo magnifique que l'imaginaire de Proust a donné à la maison Fortuny :

« Ainsi les robes de Fortuny, fidèlement antiques mais puissamment originales faisaient apparaître comme un décor, avec une plus grande force d'évocation même qu'un décor, puisque le décor restait à imaginer, la Venise tout encombrée d'Orient où elles auraient été portées, dont elles étaient mieux qu'une relique dans la châsse de Saint-Marc, évocatrices du soleil et des turbans environnants, la couleur fragmentée, mystérieuse et complémentaire. Tout avait péri de ce temps, mais tout renaissait, évoqué, pour les relier entre elles par la splendeur du paysage et le grouillement de la vie, par le surgissement parcellaire et survivant des étoffes des dogaresses (La Fugitive). »

Un Mondo di Carta. Isabelle de Borchgrave incontra Mariano Fortuny
Museo Fortuny
Campo San Benedeto, 3958 San Marco
30124 Venise
Jusqu'au 21 juillet 2008
TLJ sauf le mardi de 10 h à 18 h
Entrée 8 € (TR 5 €)

A visiter également : le site d'Isabelle de Borchgrave

Au moment où, en France, Louis Daguerre mettait au point un procédé photographique sur plaque de cuivre argentée, de l'autre côté de la Manche, William Henry Fox Talbot inventait dans la plus grande discrétion la photographie sur papier. Mais la révélation en janvier 1839 de la découverte de Daguerre, accueillie dans l'enthousiasme suscita l'émulation et poussa ce gentleman de Talbot, botaniste, mathématicien et féru d'art à sortir de sa réserve.

Telle est la passionnante histoire que le Musée d'Orsay, en association avec la National Gallery of Art de Washington et le Metropolitan Museum of Art de New-York met en lumière jusqu'au 7 septembre 2008.
Cette exposition de cent vingt photographies britanniques des années 1840-1860 est surtout l'occasion de découvrir des oeuvres magnifiques, pour l'essentiel montrées pour la première fois au public français.

Immédiatement, l'oeil est séduit par le rendu du procédé de Talbot (utilisant un négatif papier à partir duquel un positif en papier également est tiré par contact) : il est à l'opposé de celui des daguerréotypes, métalliques et précis.
La technique anglaise donne un résultat velouté, soyeux, vaporeux, tout en contraste entre éclats de lumière et masses sombres. Grâce est de constater que le nom donné par Talbot à son invention, le calotype, littéralement la belle image n'était pas usurpé.

Les thèmes explorés par le scientifique et ses disciples se prêtent fort bien à cette manière empreinte d'onirisme : végétaux, visions de ruines, simple meule de foin... D'emblée, la photographie naissante semble s'être inscrite dans le mouvement artistique de l'époque, celui de l'idéal de l'harmonie de l'homme avec la nature, du culte des vestiges du Moyen-Age, de toutes ces revisites du passé très XIXème siècle qui ont nourri le romantisme britannique pictural et littéraire.
En même temps, les calotypes anglais et écossais annoncent une vision moderne du paysage, à moins qu'ils ne soient l'écho de l'évolution de la peinture à cette époque. L'impression est saisissante devant la Crique d'Anstey de Benjamin Turner, ou dans un tout autre sujet, le très beau paysage de neige de Queen Street à Bristol.

La photographie est aussi le moyen rêvé pour immortaliser les sites visités par les membres des classes aisées britanniques lors de leur fameux Grand Tour en Europe.
Voyez cet Anglais du chic le plus accompli appuyé contre les ruines à Pompéi, voyez l'émouvante simplicité de ces pots de terre à Nice, voyez l'époustouflant diptyque restituant une vue de Naples, ample et toute blanche ou encore, à côté d'autres clichés plus conventionnels, ces paysages pyrénéens qui tranchent par leur irréalité et leur poésie.
Ce beau voyage dans le temps et les grands espaces se termine par des images du nouvel Empire britannique, en Inde et en Malaisie, avec par exemple la merveilleuse composition montrant une statue de Bouddha, ou les superbes entrées de lumière dans le clair-obscur qui abrite le Trône de cristal du Diwan-i-Khas à Delhi : art, voyage et culture, voilà bien ce que les premières photographies britanniques ont révélé.

L'image révélée : premières photographies sur papier en Grande-Bretagne
(1840-1860)
Jusqu'au 7 septembre 2008
Musée d'Orsay
1, rue de la Légion d'Honneur - Paris 7ème
TLJ sf le lundi de 9 h 30 à 18 h, le jeudi jusqu'à 21 h 45
Entrée 8 € (TR : 5,5 €)

Images : John Stewart (1800-1887), Col et pic d'Arrens photographiés depuis le mont Soubé, 1852 (épreuve sur papier salé d'après un négatif papier) National Media Museum, Bradford, UK© The RPS Collection at the National Media Museum, Bradford
Charles Moravia (1821?–1859), Le Trône de Cristal du Diwan-i-Khas, Delhi, 1858 (épreuve albuminée d'après un négatif papier) Collection privée

Que faire lorsqu'après avoir passé 2 heures dans une exposition présentée comme réunissant des oeuvres exceptionnelles autour d'un thème inédit, vous en ressortez au bord de la nausée, avec le sentiment de n'avoir rien vu de beau et une idée de son propos aussi vague qu'avant d'y entrer ?

Y penser un peu ; laisser reposer une semaine ; voir alors ce qu'il en reste.
D'abord, l'éblouissement de la première salle Trace des dieux enfuis. A la fin du XVIIIème et au cours du XIXème siècles, des artistes proclament que Dieu est mort et enterré : Nietzsche, Germaine de Staël, Munch et surtout Goya avec sa magnifique gravure issue de la série Les désastres de la guerre, intitulée Rien, c'est ce qu'il dira. Après son passage "de l'autre côté", un cadavre nous délivre ce message laconique : Nada. Il n'y a pas d'autre monde. Il n'y a rien. (1)

Mais il était bien sûr impossible d'en rester là, de contempler tranquillement cette béance.
C'est ainsi que de Nostalgie de l'infini à L'ombre de Dieu, l'exposition parcourt les différentes réponses que les artistes ont essayé de proposer tout au long du XXème siècle à leurs questionnements spirituels une fois débarrassés des dogmes religieux.
Et il s'agit dès lors pour le visiteur de tenter de s'accrocher vaille que vaille à cet interminable magma utopico-cosmico-ésotérique (ou quelque chose comme ça).

Naturellement, la grandiloquence est souvent au rendez-vous ; la laideur hélas presque autant ; quant aux voix psalmodiant d'entêtantes prières, elles ne laissent à aucun moment les oreilles en repos.
Les créations psychédéliques peuvent éventuellement divertir. Le reste, pas du tout.
Avec les abominations du XXème siècle, l'on passe de la question du rapport au divin à celle de la définition de l'humanité, ce que soulignent les effrayantes oeuvres de l'entre-deux-guerres, puis celles qui évoquent les horreurs de la Seconde.

Plus loin, une partie de l'exposition est consacrée à des happenings d'artistes mettant en scène des rituels sacrificiels et autres cérémonies mystiques n'excluant pas la communion. La provocation n'est évidemment jamais loin. Ainsi, en novembre 1969, Michel Journiac, à l'occasion de la Messe pour un corps célébrée dans la galerie Templon proposait à ses (fidèles) spectateurs des hosties constituées de rondelles de boudin frit élaboré avec son propre sang.
Ce n'est qu'un exemple. L'exposition clôturée sur une légèreté de ce ce genre, l'on en a presque oublié les Kandinsky, Chagall, Matisse, Beuys, Picasso vus au fil du parcours. De très belles oeuvres assurément. Ailleurs, on les aurait adorées.
Ici, elles ont semblé plombées, parfois d'une violence excessive (typiquement, la série mythologique de Picasso autour du minotaure, qui peut être lue de façon plus ambigüe que ne le fait le commentaire de l'exposition).

Une semaine après, il reste une autre image de cette visite ; celle qui saisit en sortant de la salle : la splendeur des toits de Paris à perte de vue sous le soleil rougeoyant. Puis la redescente vers la ville, son bitume et ses pavés grouillants. Qu'elle est belle cette descente-là, qu'il est bon de retrouver la chaussée, son air pollué, ses bruits ordinaires et ses impures odeurs.

Traces du sacré
Centre Pompidou
Jusqu'au 11 août 2008
TLJ sauf le mardi de 11 h à 21 h
Entrée 12 € (TR 9 €)

(1) Encore quelques jours pour aller voir l'exposition ''Goya graveur'' au Petit-Palais, autrement plus nourrissante que celle-ci

Mettez-vous à la place de ces archéologues qui, un jour de mars 1974 découvrirent dans la région du Shaanxi une nécropole remplie de soldats de terre cuite à échelle humaine !

La fastueuse tombe du premier empereur de Chine, Qin Shihuangdi, jusqu'alors légendaire, était enfin mise à jour, plus de deux mille ans après sa construction au cours du IIIème siècle avant notre ère.

Ces heureux archéologues pouvaient-ils soupçonner ce jour-là l'étendue de leur découverte ? Il s'est avéré par la suite que le mausolée était constitué de plusieurs fosses. L'une, la moins vaste, contenait soixante-hui statues en terre cuite. La deuxième, de plan irrégulier, recelait des chars et des cavaliers.

Enfin, la fosse n° 1, la plus spectaculaire, de 230 mètres de long sur 60 de large, abritait près de 7 000 soldats, soit une armée entière, du simple fantassin à l'officier supérieur.

Les fouilles les plus récentes ont révélé que ces militaires étaient accompagnés de civils, fonctionnaires ou encore artistes. Comme si le Premier Auguste Empereur avait conçu son mausolée tel un microcosme, ou un modèle idéal du monde sur lequel il avait exercé sa domination, et entendait ainsi continuer à régner après sa mort.

Jusqu'au 14 septembre, l'on peut admirer une vingtaine de ces fascinantes statues à la Pinacothèque de Paris, place de la Madeleine.
Le face-à-face avec ces guerriers de l'éternité, dans la douce pénombre où ils sont baignés, saisit d'une telle émotion que l'on ne peut s'empêcher de penser à celle qu'éprouvèrent certainement les chercheurs, il y a plus de trente ans, à des milliers de kilomètres d'ici.

Une belle sélection d'objets (vases, bassins, cloches, armes, ornements...), éclairée d'une solide présentation, met en lumière des éléments matériels et culturels du royaume Qin, y compris avant que celui-ci ne s'impose à cet ensemble de territoires qui deviendra l'immense Chine.

L'exposition permet ainsi de mieux comprendre comment en 221 avant J.C., l'Auguste Empereur Qin, à la tête d'une dynastie qui ne dura plus de quinze années, unifia le pays, ses routes, ses murailles, sa monnaie, son écriture, mit en place les institutions politiques qui perdurèrent jusqu'au XXème siècle et se fit édifier une nécropole dépassant toute mesure, afin d'assurer, par une armée d'argile, son éternité.

Les soldats de l'éternité
Pinacothèque de Paris
28, place de la Madeleine – Paris 8ème
Jusqu'au 14 septembre 2008
Tlj de 10 h 30 à 18 h
Le 1er mai et le 14 juillet de 14 h à 18 h
Nocturne jsq 21 h les lundi 12, 19, 26 mai et 2, 9, 16 juin 2008
Entrée 10 € (TR 8 €)

Avec Joan Miró, qui dispose de son labyrinthe paysager constitué de statues et de céramiques exposées au milieu des pins, Alberto Giacometti est l'une des stars de la Fondation Maeght à Saint-Paul.

Un patio lui est consacré, mettant en scène certaines de ses sculptures les plus emblématiques (L'homme qui marche, Le chien, Homme debout, Femme vénitienne...).

Son oeuvre est également évoquée de façon très touchante dans une salle dédiée aux photographies prises par Ernst Scheidegger dans les années 1940 à 1960. Les grands tirages en noir et blanc de celui qui fut l'ami, mais aussi le témoin du travail et de la vie de l'artiste pendant une vingtaine d'années font écho à l'inoubliable exposition L'Atelier d'Alberto Giacometti présentée au Centre Pompidou cet hiver.
Dans le fatras du mythique atelier, où se mêlent terre, couteaux, palettes, flacons et tabourets, avec pour fond les murs perforés, incisés et dessinés, voici le magnifique Alberto, concentré, qui modèle, peint, réfléchit, créé.

Enfin, bel hommage aux fondateurs et à l'artiste, jusqu'au mois de juin, la salle Giacometti est visible dans sa scénographie de 1964, c'est-à-dire telle que les premiers visiteurs l'ont vue lors de l'inauguration de la Fondation le 28 juillet de cette année-là.
Cet espace, à la fois riche et cohérent à l'image de l'oeuvre de Giacometti est une merveille. Les superbes Femmes vénitiennes s'y élancent sur leurs pieds immenses, avec pour certaines des attributs féminins qui les rapprochent des statues africaines, mais toujours surmontés de ces cous fins, tendus, et de ces visages calmes et énigmatiques. Semble s'y trouver concentré tout le travail de recherche d'Alberto Giacometti, sa façon d'essayer différentes possibilités pour représenter un même sujet, ici la femme.
De mémoire, l'exposition du Centre Pompidou présentait peu de groupes. Ici en sont exposés plusieurs, tout à fait remarquables, comme La Clairière, Place neuf figures (1950) : toutes de tailles différentes, ces silhouettes forment un ensemble très harmonieux qui saisit le visiteur d'une sensation de douce vague, d'une ondulation sur une ligne de crête, mer ou forêt.
Un bel écho à la cour Giacometti, à l'extérieur, patio ouvert sur les pins et la mer, écrin de rêve pour quelques unes des plus célèbres oeuvres de l'artiste, ici au plus près de ses origines italiennes.

Fondation Marguerite et Aimé Maeght
06570 Saint-Paul
TJL, du 1er oct. au 30 juin de 10 h à 18 h
et du 1er juil. au 30 sept. de 10 h à 19 h
Entrée 11 € (TR 9 €)