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La peinture, c’est le jeu des couleurs, des contrastes, des éclats lumineux ? Pas toujours. Le monochrome, le camaïeu, la grisaille, ont leur propre beauté. La preuve est donnée dans cette exposition à la thématique rarement rassemblée.

Oh, les artistes n’ont pas tout de suite trouvé une légitimité esthétique à se passer de couleurs.
Jusqu’au début du XVIIe siècle, les œuvres grises qui nous sont parvenues sont essentiellement des travaux préparatoires à des réalisations plus définitives : par exemple pour la gravure (l’inquiétant Les Morts sortent de leurs tombeaux de Barendsz), ou des maquettes pour de grandes compositions (La Résurrection de Rubens), ou encore des modèles pour la tapisserie (une bataille de Quellinus).

Puis une mode se répand : l’imitation de la sculpture par le pinceau. L’utilisation des gris est alors évidente, avec une extraordinaire variété de nuances. Le Massacre des Innocents de Jacques Stella est très représentatif de ces performances. Certains vont nettement jusqu’au trompe l’œil : imitation de bas relief de pierre, mais aussi de bronze patiné, avec de belles gradations de jaunes et de verts chez Piat-Joseph Sauvage, ou encore de vieil or chez Alexandre François Desportes.
Bien des fois l’artiste a réussi une œuvre originale alors qu’elle ne se voulait que le moyen d’en préparer une autre. Ainsi Gabriel François Doyen dans sa préparation au fameux Miracle des Ardents de l’église Saint Roch à Paris : après des esquisses en couleur, il réalise une grisaille où les nuances disent l’essentiel.

Mais c’est au XIXe siècle que l’on assume totalement l’intérêt de la grisaille ou de la monochromie comme méthode à effet esthétique à part entière. Et l’on découvre ici de belles œuvres de Puvis de Chavannes, des deux Gustave, Doré et Moreau, de Benjamin Constant. Un des tableaux les plus étonnant est celui de Jean-Baptiste Carpeaux : cette Scène d’accouchement toute en suggestion de violence, souffrance et délivrance est très impressionnante.

Même si quelques unes de cette soixantaine d’œuvre ont traversé les frontières pour venir à Toulouse, on remarque que les musées des villes en région constituent l’essentiel de l’exposition, et l’on se dit : que de tours de France à projeter à la découverte de ces trésors, de Dieppe à Albi, de Castres à Douai, de Reims à La Rochelle !

Pas la couleur, rien que la nuance !
Trompe-l'oeil et grisailles de Rubens à Toulouse-Lautrec
Jusqu'au 15 juin 2008
Musée des Augustins - Musée des Beaux-Arts de Toulouse
21, rue de Metz - Toulouse
TLJ de 10 h à 18 h, nocturne le mercredi jusqu'à 21 h
Entrée : 6 € (TR : 4 € et gratuit pour les moins de 18 ans)

Images : Ce que font les gens pour de l'argent, Adriaen Van de Venne (1589-1662), H. s. bois (Lons-le-Saunier, musée des Beaux-Arts Photo © Lons-le-Saunier, musée)
et Jean-Baptiste Carpeaux (1827-1875), H. s. t. (Paris, musée du Petit Palais © Paris, musée du Petit Palais, photo : Roger-Viollet)

Cité mythique et tour de légende, Babylone et Babel n'ont cessé de nourrir l'imagination des Occidentaux au fil des siècles. Elles n'en finissent pas de fasciner, à voir les foules qui se pressent à l'exposition du Musée du Louvre.

Il n'empêche que Babylone a bel et bien existé, il en reste des traces, découvertes il est vrai tardivement, à la fin du XIXème siècle. Une double dimension - historique et mythique - que l'exposition se proposer de restituer.

Parcours savant, donc - on est bien au Louvre ! - pour présenter quelques quatre-cents pièces dont beaucoup ne sont pas très "parlantes". L'effort de vulgarisation n'est pas tout à fait tangible (textes denses avec phrases à tiroirs, polices de caractères peu lisibles) et l'on se demande ce que les visiteurs - au demeurant affublés d'écouteurs poussés au volume maximum ; ce qui peut-être change tout - en retiendront.

Mais finalement peu importe : voici de petites tablettes d'argile couvertes d'écriture cunéiforme, ; les plus anciennes ont quatre mille deux cents ans, certaines évoquent des rites qui semblent aussi vieux que le monde, comme l'interprétation des rêves ; à leur étrange manière, elles nous parlent de nous. Voici le fameux Code d'Hammurabi, trois mille huit cents ans d'âge (visible dans le plus grand calme toute l'année dans le même musée, tout comme un grand nombre d'objets présentés dans cette partie de l'exposition) : cette stèle en basalte nous dit les lois qui régissaient la société de la grande Babylone et notamment la célèbre loi du talion. Et ces stèles de calcaire ou de schiste, belles et finement gravées, véritables pages illustrées, nous montrent une représentation de la puissance du roi qui fera long feu : assis sur son trône, associé au disque solaire, autrement dit à la justice...
Ainsi se déroule sous nos yeux l'histoire de la cité mésopotamienne, du prince Gudéa de Lagash, modèle du souverain sage et pacifique à Alexandre le Grand qui y mourut en 323 av. J.-C. (en rêvant de rendre toute sa splendeur à la déjà vieille Babylone), en passant par Nabuchodonosor II, bâtisseur de la néo-Babylone, puis la conquête par Cyrus en 539 av. J.-C. et la fin de son indépendance.

Un saut de puce, et l'on passe des tablettes d'argile et de la culture cunéiforme (éteinte probablement en l'an 75 de notre ère) aux bons vieux volumen, la forme de livres que l'on connaît : c'est le moment où l'exposition s'intéresse à "la Babylone des récits". Parmi les premiers à s'être attaqués à la question : les Grecs de l'époque classique. Hérodote, qui ne s'y est probablement jamais rendu introduit des éléments de légende comme celle de Sémiramis. Puis naît la tradition des "merveilles du monde" : Babylone, avec ses murailles et ses jardins suspendus y occupe une belle place.
Evidemment, les écrits bibliques sur la conquête de Jérusalem et la déportation des Hébreux en Babylonie par Nabuchodonosor II ne sont pas pour rien dans la légende noire de la cité. Idem pour l'épisode de la Tour de Babel dans la Genèse, symbole de l'orgueil des hommes.
Plus tard, les peintures illustreront ces malédictions et l'on verra que, de forme carrée à l'origine, la fameuse tour à étages ou ziggourat de Babylone est devenue ronde sous le pinceau de Pierre Brueghel l'Ancien et de bien d'autres. L'on verra également la terrible gravure de Dürer montrant la cité sous les traits d'une prostituée...

Des récits bibliques au XXème siècle, le rapport à Babylone ne sera qu'ambivalence, passant tour à tour (et selon les points de vue plus ou moins dogmatiques) de la haine à l'émerveillement. L'on voit par là que l'histoire de Babylone relatée dans cette exposition est bien plus que celle d'une ville de l'Antiquité, elle est aussi une histoire de notre pensée, de nos croyances et de nos fantasmes.

Babylone
Jusqu'au 2 juin 2008
Musée du Louvre, Hall Napoléon
TLJ de 9h à 18h, sauf le mardi
Jusqu'à 22h les mercredi et vendredi, 20 h le samedi
Et du 22 mai au 1er juin : jusqu'à 22 h TLJ sauf le mardi et le 29 mai
Entrée 9.50 €
Gratuit le premier dimanche du mois.

L'exposition sera ensuite présentée au Pergamon Museum de Berlin du 26 juin au 5 octobre 2008, puis au British Museum du 13 novembre 2008 au 15 mars 2009

A visiter également : le mini-site de l'exposition

Image : Dragon passant à droite, panneau de briques en relief, terre cuite à glaçure de couleur, H. : 1,16 m ; L. : 1,67 m ; ép. : 8 cm. Règne de Nabuchodonosor II, début du VIe siècle av. J.-C (dernier état de la Porte d’Ishtar), Babylone, Porte d’Ishtar. Fouilles Koldewey 1902, Vorderasiatisches Museum Berlin, VA Bab 4431 - © Olaf M. Tessmer / SMB - Vorderasiatisches Museum Berlin

L'oeuvre de Bernard Piffaretti s'inscrit à bien des égards dans un jeu de mémoire.
Son processus de création picturale est depuis plus de vingt ans fondé sur la duplication : après avoir divisé la toile en deux et peint d'un côté ou l'autre du large trait vertical, il duplique le motif sur l'autre pan, non pas en le copiant, mais en essayant de retrouver les gestes successifs qui ont guidé le premier acte créatif.
Le résultat n'est donc jamais identique de part et d'autre du trait ; l'impression de double est fausse ; le spectateur se trouve toujours face à un seul tableau. Ou comment "1 + 1 n'égale pas 2, mais 1 + 1 égale 1", comme l'artiste se plaît à le souligner.

Puis, tous les 6, 8 ou 12 mois, il interrompt sa peinture et se met à dessiner ses tableaux peints. Ce travail de duplication n'a rien à voir avec celui qui caractérise l'élaboration des tableaux, et, intervenant a posteriori n'a aucune valeur de genèse. Bernard Piffaretti explique qu'au fil des ans, la reproduction des tableaux en dessins lui est devenue nécessaire, comme d'un temps de "désœuvrement" pour régénérer sa création.
En écho aux oeuvres peintes, de grandes dimensions, ces petits dessins au crayon de couleurs ne manquent pas d'évoquer un album photos, le recueil d'images que l'on constitue à un point d'étape pour tenter de rassembler les enregistrements des épisodes précédents.
A cette remarque l'artiste sourit et approuve, mais rappelle que, comme entre les deux parties du tableau "ici aussi, il y a un écart, le dessin ne peut être la photographie du tableau".
Peut-être une autre façon de dire que rien ne peut être refait à l'identique, mais tout au plus, "fait une nouvelle fois".

Enfin, à travers cette magnifique exposition, Bernard Piffaretti rend hommage à la mémoire d'Henri Matisse, figure fondatrice du Musée.
C'est davantage aux mots de Matisse qu'à sa peinture que l'artiste fait référence, en associant à vingt de ses tableaux déjà peints une phrase extraite des Ecrits et propos sur l'art d'Henri Matisse.
L'idée ? Pas de juxtaposition de phrases aux accrochages, mais un film (présenté en début d'exposition et inséré dans le catalogue) offrant des vues sur les tableaux de Piffaretti et sur lesquelles les phrases de Matisse apparaissent en sous-titrage (d'où le titre de l'expo).
Le résultat est très réussi, d'autant que la résonance de l'influence de Matisse dans les toiles de Piffaretti est tout à fait visible, notamment dans la combinaison des aplats de couleurs vives et du trait noir, dans les motifs de grilles, points et arabesques. Une jolie et originale marque de l'héritage décidément très large laissé par l'enfant du pays.

Bernard Piffaretti V.O. (version originale sous-titrée)
Jusqu'au 15 juin 2008
Musée Matisse Le Catau-Cambrésis
Palais Fénelon - 59360 Le Cateau-Cambresis
tél. : 00 33 (0)3 27 84 64 64
Tlj sauf le mardi, de 10 h à 18 h
Entrée 4,50 € (TR 3 €), gratuit les 1ers dimanches du mois
Visites guidées sans réservation le samedi à 15 h et le dimanche à 10 h 30
Accès : à 90 km de Lille et 170 de Paris ; les week-ends et jours fériés un train Corail Intercités fait la liaison Paris/Le Cateau-Cambresis
Catalogue : Emilie Ovaere, Bernard Marcadé, Michel Giroud, 120 p. avec le DVD du film, 25 €

Image : Bernard Piffaretti Sans titre, 1993 Acrylique sur toile, 181 x 222 cm Atelier de l’artiste, Paris © ADAGP, Paris 2008 Photo Bertrand Huet/Tutti
Henri Matisse « Les moyens les plus simples sont ceux qui permettent le mieux au peintre de s’exprimer. S’il a peur de la banalité, il ne l’évitera pas en se représentant par un extérieur étrange, en donnant dans des bizarreries du dessin ou les excentricités de la couleur. »
Toutes les citations d'Henri Matisse sont extraites de Ecrits et propos sur l'art, Editions Hermann, Paris 1972

C'est l'excitant chemin de la découverte qu'empruntent la plupart des visiteurs de l'exposition organisée au Musée d'Orsay jusqu'au 3 février, tant la peinture du suisse Ferdinand Hodler (1853-1918) est restée dans l'ombre depuis près d'un siècle.
Un de ses tableaux, pourtant, lui a valu en 1890-1891 le scandale à Genève et la consécration à Paris : La Nuit, monumentale toile horizontale et sans couleur, dont la composition symétrique place un homme nu assailli par une silhouette couverte d'un voile noir, évocation de la mort, au milieu de six personnages, deux couples, un homme et une femme, également allongés mais eux endormis dans une cruelle indifférence.

Quelques années plus tard, en 1904, Hodler est l'invité d'honneur du Salon de la Sécession à Vienne : l'exposition laisse la conviction qu'il avait effectivement toute sa place dans l'avant-garde européenne du tournant du XXème siècle.

Le parcours met l'accent sur la personnalité mystique du peintre, lisible dans ses grands tableaux symbolistes, géométriquement composés et mettant en scène de grands corps nus qui se déploient dans une nature irréelle et magnifiée. Postures d'offrandes sur ces "îles" vert émeraude au milieu des cieux : on approche de près la dimension cosmique.
Mais l'ode à la nature est infiniment plus fine dans ses paysages, de toute beauté.
Dès les deux premiers, l'on voit bien que ce paysagiste-là n'était pas comme les autres. Voici le Bois des Frères (1885) : qu'est-ce donc que ce bois ? Ces branches fines et sinueuses, mortes mais pleines d'élan, décoratives et poétiques, dans un paysage d'hiver dont la lumière n'est pas celle de l'hiver ? Celui d'à côté, L'Avalanche (1887) fascine tout autant, avec sa neige épaisse, non pas simplement éclairée, mais saturée d'une lumière qui happe littéralement le regard.
Ils ne sont que la mise en bouche, si l'on peut dire, de la longue série de paysages qui se succèdent sans lasser jamais, tant ils expriment le regard amoureux que le peintre portait à la nature.
L'épure des compositions, faites de nuages, d'eau et de montagnes n'exclut pas l'onirisme, tel celui de l'écrin de brume qui entoure le Niesen vu de Heutrich comme une parure qui s'écarte doucement pour dévoiler la majestueuse montagne.
La stylisation, japonisante et poétique, frôle parfois l'abstraction.
Les bleus extraordinaires, de l'indigo au bleuet, harmonisés à des verts mousse tendres évoquent un sentiment de sérénité que la rigueur des lignes simples renforce.

Mais Ferdinand Hodler était également un saisissant portraitiste. Difficile de détourner les yeux de ses autoportraits où il nous interpelle de son regard pénétrant, mystérieux et interrogateur.
Malgré la mise en valeur de la peau, livide, orange vif, voire parfois presque fluorescente, c'est sur les mains, très présentes et longues à l'excès comme chez Schiele, et sur les yeux que Hodler s'attarde pour traduire avec force l'expression de ses personnages. Cette intensité atteindra son apogée avec la série de tableaux dit Le cycle de Valentine, témoignage vibrant de l'agonie de sa compagne malade.

Ferdinand Hodler. Musée d'Orsay
Musée d'Orsay
Jusqu'au 3 février 2008
TLJ sf le lun. de 9 h 30 à 18 h, le jeu. jusqu'à 21 h 45
Entrée 8 € (TR : 5,50 €)
Catalogue Ferdinand Hodler 1853-1918, collectif, sous la direction de Serge Lemoine et Sylvie Patry (Musée d'Orsay / Réunion des musées nationaux), 45 €

Image : Ferdinand Hodler Autoportrait© Musée d'Art et d'Histoire / photo Bettina Jacquot-Descombes

Le musée Fenaille est au cœur de la ville, et il faut monter au dernier étage du bâtiment pour découvrir le trésor du musée : 17 statues-menhirs, bien plantées dans le sol, et certaines de belle taille (2 mètres).

Il s’agit de véritables statues, qu’on a pris l’habitude d’appeler aussi menhirs parce qu’elles se trouvaient, comme leurs cousines non sculptées ou gravées, dressées dans les champs et prés du Rouergue des alentours. Elles sont datées de l’âge du cuivre dit-on, c'est-à-dire pour cette région de 3000 ans avant le Christ.
Ce sont incontestablement des statues. Certes les artistes ont décidé de ne pas dégager les têtes : les visages sont dans les épaules. Mais on reconnaît les yeux, parfois le nez, les jambes et les pieds, les bras et les mains, des scarifications ou tatouages sur le visage, les seins pour les « féminines ». Les personnages sont assis, portent de longs vêtements, une ceinture parfois avec une boucle.

Ce ne sont pas des individus qui sont représentés, mais des fonctions, qui nous demeurent inconnues. On sait cependant que l’on peut nettement distinguer les deux genres : le fourreau du poignard, parfois arc et flèches caractérisent les statues masculines. Les colliers, les pendeloques en Y ne sont présents que sur celles où sont sculptés ou gravés des seins.

Ces pierres nous parlent encore. La disposition des œuvres, l’ambiance du musée, permettent le face à face. C’est le peintre Pierre Soulages, Rouergat comme ces statues, qui dit l’essentiel : « Ces statues-menhirs se présentent comme des œuvres hors d’un temps, d’une consistance indéfectible. C’est la densité, la frontalité, l’impression d’une puissance permanente » (1).
En redescendant les étages, on parcourt le Rouergue gallo-romain, puis moyenâgeux, et Renaissant (dans le bel hôtel de Jouery). Mais les puissances de pierre ne nous lâchent pas. Parions que c’était bien là l’intention de ceux qui ont voulu « arracher au bloc inerte une présence humaine ».

Musée Fenaille
14 place Raynaldy à Rodez (Aveyron)
mar., jeu. et ven. de 10 h à 12 h et de 14 h à 18 h
mer. et sam. de 13 h à 19 h, dim. de 14 h à18 h
Entrée 3 € (TR 1,50 €)

(1) Statues-menhirs, sous la direction d’Annie Philippon, Editions du Rouergue, 2002.

Image : Notre-Dame-de-Saint-Sernin

L'aspect éminemment décoratif de cette exposition justifierait à lui seul sa visite. Mais les amoureux du symbolique et de la poésie liront avec profit les explications et les cartels du début pour apprécier la portée des objets et livres qu'elle présente.

Car l'art développé sous la dynastie safavide, qui régna sur le monde iranien de 1501 à 1736 était avant tout métaphorique. Ses motifs traduisent les mythes développés dans la littérature persane pour célébrer la beauté de l'univers, création divine.

C'est ainsi que la forme circulaire des plats et des bassins à vin symbolise la voûte céleste (elle-même symbole de l'univers) ; la fleur ou la rosace placée en leur centre le soleil ; le nuage stylisé le ciel printanier.

Ces thèmes ne sont pas apparus avec le monde islamique, mais sont issus de l'Iran ancien, antérieur de plus d'un millénaire à la révélation du Coran.
Celui des libations par le vin en est un exemple significatif. Substitué au rite de libation par le sang, aboli au début du premier millénaire avant J.-C., le banquet de libation de vin était très important à la cour iranienne. Il ponctuait les grandes fêtes, comme celle du nouvel an ou celle de rupture du jeûne.
L'art safavide en est très imprégné, que ce soit à travers les objets : bassins à vin, coupes, aiguières en forme d'oiseaux évoquant l'ancien rite sacrificiel, plats ornés de grenades et de coings consommés lors de ces libations ; mais aussi dans l'art du livre. Les peintures de manuscrits montrent le souverain et sa cour célébrant le banquet dans un cadre idyllique, herbe vert émeraude, ciel bleu lapis, arbres en fleurs, oiseaux, fruits, tapis et musiciens...

A noter que, tout comme l'exposition Chefs-d'oeuvre islamiques de l'Aga Khan Museum organisée au Louvre au même moment, celle-ci présente des pages du fameux Shâh Name (Livre des rois) de Shâh Tahmâsp, chef d'oeuvre de la peinture de manuscrit avec son débordement de couleurs bleues, mauves, roses et vertes, sa finesse, sa délicatesse... (lire le billet du 13 décembre).

Le chant du monde, l'art de l'Iran Savafide 1501-1736
Musée du Louvre
Jusqu'au 7 janvier 2008
TLJ sf le mar., de 9 h à 18 h et jusqu'à 22 h mer. et ven.
Entrée 9,50 €
Catalogue, 469 p., 42 € et album de l'exposition, 8 €
(coéditions musée du Louvre/Somogy)
Voir également le mini-site de l'exposition

Image : page du manuscrit du Shāh-Nāme de Shāh Tahmāsp : Zāl à cheval lève les yeux vers l’aire du Sīmorgh (page de manuscrit peinture, Washington, Arthur M. Sackler Gallery, Inv. LTS 95.2.46)