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Festival de photographie et d'arts visuels réunissant grands noms et jeunes découvertes, PHotoEspaña célèbre cette année sa 12ème édition.
Le thème choisi, Le quotidien, est une nouvelle occasion d'approcher la photographie sous les angles historique et sociologique, comme c'était déjà le cas en 2005 notamment avec La Ville, sous le commissariat d'Horacio Fernández.

Concentrée à Madrid pour l'essentiel, la manifestation se déroule aussi à Cuenca en Castille et à Lisbonne, dont est originaire le commissaire général 2009, Sérgio Mah.

Selon la directrice actuelle de PHotoEspaña, la française Claude Bussac, Lo cotidiano est une tendance lourde du travail photographique contemporain.
De fait, cette thématique permet de rassembler un grand nombre d'artistes d'hier et d'aujourd'hui, dans une profusion d'expositions soutenues majoritairement par des fonds privés - les institutions publiques, dont la Communauté de Madrid et le ministère de la Culture assurant le tiers du financement.
A Madrid, la manifestation bénéficie d'espaces aux volumes impressionnants. Les œuvres y sont donc abondantes, les présentations claires et les conditions de visite très confortables. Sans compter la gratuité des quelques soixante-dix expositions proposées, leur concentration géographique, la largesse des heures d'ouverture (le plus souvent jusqu'à 21 h)... et la qualité des artistes choisis.
De quoi justifier la popularité du festival qui, en moins de deux mois réunit chaque année plus de 600 000 visiteurs.

Inauguré le 3 juin dernier, PHotoEspaña se clôture officiellement le 26 juillet 2009.
Un certain nombre d'expositions se poursuivront tout de même plus avant dans l'été.
Tel sera le cas de celles de Sergey Bratkov à la Communidad de Madrid et de Gerhard Richter à la Fundación Telefónica, toutes deux visibles jusqu'au 30 août, mais aussi du conceptuel The Atlas Group (1989-2004. Un proyecto de Walid Raad (sur la vie des habitants de Beyrouth entre 1989 et 2004, à voir au Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia jusqu'au 31 août).

Côté découvertes, l'exposition collective Resiliencia à l'Instituto Cervantes présente jusqu'au 20 septembre les productions de dix jeunes artistes retenus lors de l'édition 2009 de Descubrimientos PHE en Amérique Latine, dont certains sont particulièrement frappants dans leur façon de révéler les mutations de leur continent.
Dans ses grands clichés, le péruvien Morfi Jiménez a trouvé une distance si juste vis-à-vis de ses sujets, vieillards, enfants, déshérités, avec ce regard respectueux digne des plus grands photographes humanistes, que l'émotion qu'ils procurent feraient presque oublier la superbe esthétique de la photo, ni tout à fait noir et blanc ni tout à fait couleur.

On pourra également parcourir jusqu'au 6 septembre Vida de una fotógrafa 1990-2005 d'Annie Leibovitz à la Communidad de Madrid, rétrospective de près de 200 photos que les Parisiens ont eu l'occasion de voir à la Maison européenne de la photographie l'été dernier (lire le billet du 20 juin 2008 ''Annie Leibovitz, A photographer's life, 1990-2005'').

PHotoEspaña 2009
XIIème édition Lo Codidiano
Madrid, Cuenca, Lisbonne, du 3 juin au 26 juillet 2009

Images : Óscar Fernando Gómez Rodríguez, série "La mirada del taxista", 2008 © Óscar Fernando Gómez Rodríguez
et Annie Leibovitz. Nicole Kidman, New York, 2003. From "Annie Leibovitz : A photographer's Life © Annie Leibovitz

Fuyant le confort bourgeois de sa famille installée en Suisse, Robert Frank arrive aux Etats-Unis en 1947, pour y découvrir un monde dominé par l'argent. Embauché pour Harper's Bazaar, il reçoit quelques années plus tard une bourse de la fondation Guggenheim avec pour objectif d'explorer la civilisation américaine. S'en suit un voyage de près de deux ans, entre 1955 et 1956, au cours duquel il prend quelques vingt mille clichés. Il en sélectionnera quatre-vingt trois (tous exposés ici), réunis dans un livre, Les Américains, édité d'abord en France, puis aux Etats-Unis.

C'était en 1958 et le pays croyait en son rêve de modernité, d'uniformisation des modes de vie, de progrès matériel. Le travail de street photography de Robert Frank choqua cette société toute empreinte du modèle de l'American way of life, en présentant des images de bords de route, de rues, de cafés, où les sujets semblent se traîner d'ennui, attendre quoi et n'espérer rien. Point de paillettes ni de stars, mais des gens simples, des lieux parfois presque déserts, dans un univers d'immobilité et de silence.
Cinquante ans après, le climat de ces photos touche toujours, tant les sentiments de vide et de résignation qui s'en dégagent peuvent résonner encore aujourd'hui. Les cadrages - admirables - scandalisèrent à l'époque, trop éloignés du canon de la belle photographie léchée. Au contraire, Robert Frank a travaillé sur le vif, d'où des prises de vue et des perspectives audacieuses, dont la spontanéité n'empêche pas de superbes nuances de noir et de blanc.

La deuxième partie de l'exposition présente un aspect totalement différent de l'oeuvre de Robert Frank, avec une cinquantaine de tirages de clichés pris à Paris entre 1949 et 1952. Ici, contrairement aux photos américaines, les contrastes s'estompent, l'ambiance est brumeuse et onirique, et fait ressortir un Paris d'aspect fort ancien. Les rues sont occupées par des petits marchands, de journaux et surtout de fleurs. Des fleurs qui reviennent très souvent dans ces images, comme les petits cailloux d'une promenade personnelle, émue et toute poétique. Comme si le photo-reportage n'était pas encore à l'ordre du jour, mais l'œil, la sensibilité et la singularité déjà tout à fait en place.

Robert Frank. Un regard étranger. Paris / Les Amécains
Jusqu'au 22 mars 2009
Galerie nationale du Jeu de Paume
1, place de la Concorde - Paris 1er
Du mer. au ven. de 12 h à 19h, mar. jusqu'a 21 h
Sam. et dim. de 10 h à 19 h
Entrée 6 € (Tarif réduit 4 €)

Image : Detroit, 1955, Robert Frank © Robert Frank, from The Americans

Elle connaît l'expérience de modèle très tôt, lorsque, adolescente, son père photographe amateur la fait poser nue. Très vite, elle devient mannequin vedette pour Vogue, dont elle fait la couverture en 1927. Les premières photos de cette exposition, qui en compte plus de cent quarante témoignent de la plastique parfaite de Lee Miller, bouche charnue, grands yeux rêveurs en amande, cheveux épais coiffés courts à la mode des années 1920, corps mince et souple magnifiant tous les vêtements. Elle fait craquer les plus grands, comme Steichen, Hors Hoyningen-Huene et surtout Man Ray, qu'elle conquit aussitôt installée à Paris en 1929. Si elle devient sa muse et sa compagne, c'est avec lui qu'elle s'initie à la technique de la photo dès cette époque. On dirait d'ailleurs qu'elle ne doit qu'à elle-même son plus beau portrait, avec cet Autoportrait en serre-tête (publié en 1933), d'une beauté classique et d'une douceur dignes des grands peintres italiens.
Mais son travail n'a pourtant rien de classique : si, lorsqu'elle monte son propre studio à New-York en 1932, ses clients sont les publicitaires et les grandes maisons de cosmétiques, si elle réalise des portraits pour le théâtre et le cinéma (magnifique Charlie Chaplin !), Lee Miller est très influencée par les expériences des surréalistes, notamment par le procédé de la solarisation. Surtout, elle adopte un regard qui lui fait préférer les points de vue les plus inattendus, les angles les plus étranges. Un esprit libre et original qui se lit tout particulièrement dans ses photographies d'Egypte, où la belle a vécu dans les années 1930, un moment l'épouse d'un riche Cairote : point d'image d'Epinal dans ce reportage d'un monde pauvre et déserté, mais l'esthétique d'une grande artiste qui a fréquenté l'avant-garde parisienne, Cocteau (elle a joué pour lui dans Le sang d'un poète), Dora Maar, Max Ernst, Picasso... Une modernité qui crève les clichés.
Rentrée d'Egypte en 1939 pour s'installer à Londres avec le peintre et photographe Roland Penrose, qu'elle épousera en 1947, Lee Miller reste une femme de son temps. Pendant la Deuxième Guerre mondiale, elle obtient son accréditation de l'US Army et réalise des reportages en tant que correspondante de guerre en Normandie, à Saint-Malo, à Paris, en Alsace, mais aussi dans l'appartement de Hitler et les camps de concentration de Buchenwald et de Dachau. Des images qui créeront le choc dans l'édition américaine de Vogue en juin 1945.
Sur les exemplaires de la célèbre revue visibles au Jeu de Paume, l'on voit que Lee Miller signait également ses articles, d'une plume brillante, avec une sens du phrasé et de la formule séduisants (voir aussi les titres de certaines de ses photos, notamment celles prises en Egypte).
Pour finir l'exposition, un film documentaire confirme à quel point Lee Miller a su allier une vie de femme bien remplie à une carrière d'artiste accomplie, menant les deux avec un même désir d'indépendance.

L'Art de Lee Miller
Jusqu'au 4 janvier 2009
Galerie nationale du Jeu de Paume
1, place de la Concorde - Paris 1er
Du mer. au ven. de 12 h à 19h, mar. jusqu'a 21 h
Sam. et dim. de 10 h à 19 h
Fermeture le 25 décembre et le 1er janvier
Fermeture exceptionnelle à 18 h les 24 et 31 décembre
Entrée 7 € (Tarif réduit 4 €)

Image : Autoportrait, 1932, Lee Miller © Lee Miller Archives, England 2008. All rights reserved. www.leemiller.co.uk

Au moment où, en France, Louis Daguerre mettait au point un procédé photographique sur plaque de cuivre argentée, de l'autre côté de la Manche, William Henry Fox Talbot inventait dans la plus grande discrétion la photographie sur papier. Mais la révélation en janvier 1839 de la découverte de Daguerre, accueillie dans l'enthousiasme suscita l'émulation et poussa ce gentleman de Talbot, botaniste, mathématicien et féru d'art à sortir de sa réserve.

Telle est la passionnante histoire que le Musée d'Orsay, en association avec la National Gallery of Art de Washington et le Metropolitan Museum of Art de New-York met en lumière jusqu'au 7 septembre 2008.
Cette exposition de cent vingt photographies britanniques des années 1840-1860 est surtout l'occasion de découvrir des oeuvres magnifiques, pour l'essentiel montrées pour la première fois au public français.

Immédiatement, l'oeil est séduit par le rendu du procédé de Talbot (utilisant un négatif papier à partir duquel un positif en papier également est tiré par contact) : il est à l'opposé de celui des daguerréotypes, métalliques et précis.
La technique anglaise donne un résultat velouté, soyeux, vaporeux, tout en contraste entre éclats de lumière et masses sombres. Grâce est de constater que le nom donné par Talbot à son invention, le calotype, littéralement la belle image n'était pas usurpé.

Les thèmes explorés par le scientifique et ses disciples se prêtent fort bien à cette manière empreinte d'onirisme : végétaux, visions de ruines, simple meule de foin... D'emblée, la photographie naissante semble s'être inscrite dans le mouvement artistique de l'époque, celui de l'idéal de l'harmonie de l'homme avec la nature, du culte des vestiges du Moyen-Age, de toutes ces revisites du passé très XIXème siècle qui ont nourri le romantisme britannique pictural et littéraire.
En même temps, les calotypes anglais et écossais annoncent une vision moderne du paysage, à moins qu'ils ne soient l'écho de l'évolution de la peinture à cette époque. L'impression est saisissante devant la Crique d'Anstey de Benjamin Turner, ou dans un tout autre sujet, le très beau paysage de neige de Queen Street à Bristol.

La photographie est aussi le moyen rêvé pour immortaliser les sites visités par les membres des classes aisées britanniques lors de leur fameux Grand Tour en Europe.
Voyez cet Anglais du chic le plus accompli appuyé contre les ruines à Pompéi, voyez l'émouvante simplicité de ces pots de terre à Nice, voyez l'époustouflant diptyque restituant une vue de Naples, ample et toute blanche ou encore, à côté d'autres clichés plus conventionnels, ces paysages pyrénéens qui tranchent par leur irréalité et leur poésie.
Ce beau voyage dans le temps et les grands espaces se termine par des images du nouvel Empire britannique, en Inde et en Malaisie, avec par exemple la merveilleuse composition montrant une statue de Bouddha, ou les superbes entrées de lumière dans le clair-obscur qui abrite le Trône de cristal du Diwan-i-Khas à Delhi : art, voyage et culture, voilà bien ce que les premières photographies britanniques ont révélé.

L'image révélée : premières photographies sur papier en Grande-Bretagne
(1840-1860)
Jusqu'au 7 septembre 2008
Musée d'Orsay
1, rue de la Légion d'Honneur - Paris 7ème
TLJ sf le lundi de 9 h 30 à 18 h, le jeudi jusqu'à 21 h 45
Entrée 8 € (TR : 5,5 €)

Images : John Stewart (1800-1887), Col et pic d'Arrens photographiés depuis le mont Soubé, 1852 (épreuve sur papier salé d'après un négatif papier) National Media Museum, Bradford, UK© The RPS Collection at the National Media Museum, Bradford
Charles Moravia (1821?–1859), Le Trône de Cristal du Diwan-i-Khas, Delhi, 1858 (épreuve albuminée d'après un négatif papier) Collection privée

L'Américain Edward Steichen (1879-1973) semble avoir tout fait, et toujours premier parmi les premiers.
Influencé par le symbolisme, l'impressionnisme et l'orientalisme, il introduit l'art dans la photographie au tout début du XXème siècle. Ses images dites pictoralistes effleurent dans une atmosphère voilée des corps nus énigmatiques, évoquent plus qu'elles ne les montrent des paysages, arbres, neige et cours d'eau dans une ambiance floue et poétique proche de la peinture.

A Paris, chez Gertrude et Léo Stein, il rencontre Toulouse-Lautrec, Renoir, Manet, Cézanne, Matisse, Picasso, Brancusi et les fait connaître de l'autre côté de l'Atlantique en les exposant dans sa galerie new-yorkaise. Il photographie Richard Strauss à la façon d'un personnage sorti du fantastique, mais aussi Matisse, Jaurès, Roosvelt et bien sûr Auguste Rodin. A Meudon, il réalise d'étranges clichés du Balzac de Rodin, mi-homme, mi-fantôme surgissant dans une lumière crépusculaire effrayante.
Il réalise de lui-même, bel homme, d'étonnants et remarquables autoportraits.

Mais cette approche "romantique" ne sera qu'une période, qu'il abandonnera résolument au cours de la Première Guerre mondiale, alors engagé dans la photographie militaire.
Avec les années 1920 débute donc la seconde manière de Steichen, dite moderniste.
Nommé photographe en chef des magazines Vogue pour la mode et Vanity Fair pour les mondanités, il devient LE photographe es-célébrités et monde du luxe. Sous son objectif, les robes des grands couturiers semblent des oeuvres d'art dont la perfection laisse encore aujourd'hui pantois ; les portraits de personnalités (toutes y sont passées) sont systématiquement réussis. Il joue avec la lumière artificielle et les ombres avec une virtuosité sans appel. Son talent pour mettre en valeur avec art et précision s'exerce jusque dans la publicité.

Sa créativité dépassera le strict champ photographique. Pour le textile, il photographie des objets insolites (riz, haricots, lunettes, boutons, fil...) en plan rapproché ; une fois transposée en couleur, l'image est répété sur l'imprimé. Les motifs abstraits qui en résultent - d'un superbe style "Arts Déco" - connaissent un grand succès.

A la fin des années 1930, ce passionné d'horticulture sera aussi le premier à faire entrer ses fleurs dans un musées - et au MoMA s'il vous plaît ! Il en sera d'ailleurs nommé directeur du département de photographie en 1946.
Présentée en 1955 après trois ans de recherche en Europe et aux Etats-Unis, l'exposition qu'il a mise en place The Family of Man, destinée à promouvoir la solidarité entre les peuples par le rapprochement d'images du monde entier, circulera dans trente-huit pays. Plus de neuf millions de personnes l'auraient vue jusqu'en 1962. Une version restaurée est aujourd'hui installée de manière permanente au Luxembourg, pays où il est né.

Steichen, une épopée photographique
Jeu de Paume - site Concorde
1 place de la Concorde - Paris 8ème
Jusqu'au 30 décembre 2007
Mar. de 12h à 21h, mer. au vend. de 12h à19h, sam. et dim. de 10h à 19h
Tél. 01 47 03 12 50

Image : Fred Astaire dans le film Top Hat, New York, 1927, Edward Steichen, Courtesy Howard Greenberg Gallery, New York © 1927, Condé Nast Publications