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L'exposition présentée au Musée d'Orsay jusqu'au 31 mai est non seulement belle, mais encore tout à fait convaincante.

Elle montre comment, au tournant du XXème siècle et jusqu'à la première Guerre Mondiale, des sculpteurs venus de toute l'Europe se sont retrouvés à Paris le temps d'une décennie pour repenser et renouveler la sculpture.

A l'époque, le modèle entre tous et pour tous est Rodin.
Mais il va devenir le contre-modèle, la statue à déboulonner si l'on ose dire. Contre son expressivité poussée à l'extrême, contre le chaos des portes de l'Enfer, il s'agit alors, pour les Bourdelle, Brancusi, Maillol, Picasso et autres Gonzales, de reprendre la réflexion plastique à son commencement, de rechercher l'essence de la sculpture : le volume, l'architecture, la ligne. Adoptant des formes de plus en plus simplifiées, ces artistes ne font pas pour autant "taire" les visages. Ils les assagissent, les épurent et trouvent d'autres réponses pour exprimer "l'intériorité" de leurs créations.

On n'est pas encore dans le cubisme (qui ne s'exprime alors qu'en peinture), encore moins dans le non-figuratif ; mais le chemin parcouru depuis Rodin est immense - quelques unes des sculptures du maître permettent de le souligner. Plus de démonstration, plus de tour de force ; la ligne directrice est tout autre.
Mais si les artistes entendent se détourner de l'imitation et de la sensualité, bien des œuvres présentées prouvent qu'ils n'ont pas - et c'est un bonheur - chassé cette dernière. Toute la partie de l'exposition consacrée aux volumes est à cet égard remarquable, avec notamment une galerie de nus féminins où le poli extrême des rondeurs de Maillol voisine une plantureuse Renoir, une immense Pénélope de Bourdelle ou encore une douce Grande Songeuse de Wilhelm Lehmbruck.
Le lyrisme n'est pas davantage absent. Il se fait si délicat avec ce magnifique Buste de jeune fille de Zadkine, tête tournée et penchée, tout en épure, en grâce, en finesse. Et que dire de la célèbre Muse endormie de Brancusi, d'une telle tendresse !

La section consacrée aux lignes est tout aussi passionnante, où l'on voit des corps immobiles et isolés se mettre à occuper l'espace de façon audacieuse, prendre des poses inattendues, en des lignes simples qui les courbent, les agenouillent et les étirent - de façon particulièrement impressionnant chez Lehmbruck. Chez cet artiste d'ailleurs, apparaît progressivement une veine expressionniste, donnant des visages bouleversants, chavirés de souffrance silencieuse (Orante, Tête d'un penseur, Amants...), et qui semble avoir atteint son apogée avec son terrible Prostré.

Tout est beau, tout est à voir dans cette exposition de choix. Il faudrait donc aussi évoquer la salle consacrée aux reliefs, dont les volumes sont si géométriquement circoncis que leur puissance et leur douceur n'en sont que plus spectaculaires.
La Femme accroupie de Maillol, superbe et lisse, repliée et assoupie, occupe pourtant tout son espace avec une formidable présence. Comme s'il ne s'agissait pas que d'une simple question de beauté, comme si elle seule évoquait déjà tout un monde...

Oublier Rodin ? La sculpture à Paris, 1905-1914
Musée d'Orsay
1, rue de la Légion d'Honneur - Paris 7ème
Jusqu'au 31 mai 2009
TLJ sf le lundi, de 9 h 30 à 18 h, le jeudi jsq 21 h 45
Entrée 8 € (TR 5,5 €)

A voir également en ce moment au Musée d'Orsay, et autour de cette exposition : un accrochage de dessins de sculptures, de Chapu à Bourdelle

Images :
Aristide Maillol, La Méditerranée, 1905-1923, Statue, marbre, Paris, musée d'Orsay © photo Christian Baraja
Wilhelm Lehmbruck, Grande figure debout, 1910, Statue, ciment, Otterlo, Kröller-Müller Museum © Coll. Kröller-Müller Museum Otterlo the Netherlands

Quelques mètres plus bas, les vagues grimpent sur les rochers, faits d’un granit qui paraît bien solide.
L’œil revient sur le sol de même granit, et découvre de drôles de personnages, de drôles d’animaux, sculptés dans un assemblage quelque peu pagailleux.

Au-delà des figures qui apparaissent immédiatement (des têtes totalement dégagées), des scènes émergent en bas relief : un monstre, genre crocodile à tête humaine semble prendre sous sa protection un personnage au pantalon bouffant, à moins qu’il ne s’en empare ; dans une sorte de cartouche, un homme barbu semble botter les fesses d’une femme à longue robe.

On dit qu’on peut compter quelques 300 figures au total, sur 500 mètres carrés.
La roche est parfois usée par les embruns, mais on imagine aisément avec quels détails l’artiste a réalisé son travail : les barbes, les coiffures, les vêtements sont différenciés même s’ils dénotent une même époque.
Est représentée en effet l’épopée d’une famille de corsaires (parfois aussi pirates) du XVIème siècle, les Rothéneuf, rivaux des Malouins tout proches.
Mais les sculptures ne datent pas de ce temps.
C’est un homme en robe noire, travaillant seulement au burin et au marteau, durant 20 ans environ, qui est l’auteur de cet ensemble qui rentre, si on veut catégoriser à tout prix, dans le registre de l’art brut.
L’abbé Fouré, dans les années 1890, à la cinquantaine, est victime d’une attaque cérébrale qui le rend progressivement sourd et sans parole. Marteau et burin dans les mains, il se met à sculpter tous les jours au-dessus des flots.
Mais il paraît aussi qu’il peint ses rochers : comme pour les pierres romanes, on a du mal à imaginer la polychromie de couleurs vives qui devaient faire ressortir de façon extraordinaire les scènes sculptées.

Quelle condensation de l’Histoire dans cet espace au flanc de l’Océan !
Histoire des pirates dont la sauvagerie s’allie bien à l’austérité granitique, histoire de l’abbé, qui veut continuer à témoigner sur les travers de l’humanité, notre histoire, celle de lecteurs d’une œuvre dont l’étrangeté demeure et nous arrête au dessus des vagues.

Chemin des Rochers Sculptés, Saint-Malo
Entrée 2,50 euros, gratuit pour les moins de 8 ans
Novembre à mars : 10 h à 12 h et 14 h à 17 h
Avril à juin / septembre et octobre : 9 h à 12 h 30 et 14 h à 19 h
Juillet et août : 9 h à 20 h

Harmonie, beauté, cohérence : malgré la diversité des inspirations nettement visibles ici ou là dans les oeuvres du catalan Julio Gonzales (1876-1942), l'exposition qui se tient jusqu'au 8 octobre au Centre Georges Pompidou imprime le sentiment d'une homogénéité certaine.

On sent la solitude de l'artiste qui a souvent regardé autour de lui, fréquenté et travaillé avec ses contemporains – notamment avec Picasso dont il fut le praticien pour la réalisation de ses constructions en fer entre 1928 et 1932 –, mais s'est toujours gardé de s'engouffrer complètement dans le souffle solide des courants de son temps, en particulier le surréalisme et le cubisme.
Ces mouvements ne seront qu'approchés, inspirés, frôlés.

L'exposition met merveilleusement en évidence le parcours de l'artiste inventeur de la sculpture en fer, dont l'influence sur l'évolution de l'art au XXème siècle fut indéniable.

Ce parcours, c'est une origine – la ferronnerie d'art familiale –, des débuts – dessins magnifiques à la Degas dans les années 1910 à 1914 –, du talent – remarquable de bout en bout sur tous les supports qu'il a exploités –, des recherches – qui ont la grâce de demeurer « invisibles » –, un regard éveillé et curieux – cf. les influences –, parcours qui s'achève par un retour aux débuts (forcé, il est vrai par le manque de matières premières pendant l'occupation) avec le dessin, mais complètement transformé, moderne, au trait puissant et expressif.

L'évolution de ses créations sculpturales est remarquable. Aux nus féminins en bronze, tour à tour sensuels et mélancoliques succèdent les premiers reliefs en fer, visages découpés à même la feuille de métal.
Il adjoint vite barres et plaques pour élaborer des oeuvres dans lesquelles les espaces vides créés autour de la matière sont partie intégrante de la sculpture. Julio Gonzales parle alors de « dessin dans l'espace ». Ce sont des oeuvres autour desquelles on aime tourner, pour découvrir autant d'aperçus différents que d'angles de vue, tels cette Petite danseuse, cette Chevelure, ou Le Rêve Le Baiser (1934) aux proportions parfaites, tout en légèreté, force et dynamisme. Ou encore, l'une des plus belles sculptures de l'exposition, L'Ange, L'Insecte, La Danseuse (1935), silhouette hybride humaine et zoomorphe, tout droit sortie du fantastique.

Après la célèbre Montesserat, sculpture réaliste de femme criant (exposée près du Guernica de Picasso dans le pavillon espagnol de l'Exposition internationale de Paris de 1937), symbole des souffrances du peuple espagnol pendant la guerre civile, les dernières sculptures, à la fin des années 1930, une fois encore à la frontière du réalisme et de l'abstraction, mi-cactus mi-figures humaines, expriment de façon très manifeste la violence de l'époque en Europe. Ce sont les seules oeuvres porteuses d'agressivité.
Les autres évoquent des émotions plus « rentrées », mais aussi vie et mouvement.
Et, toujours, ressort une singularité, une profonde puissance créative, un élan vital hors du commun.

Julio Gonzales
Centre Pompidou
Jusqu'au 8 octobre 2007
Tlj sauf le mardi de 11 h à 21 h
Entrée « musée et expos »10 € (TR 8 €)
Catalogue 340 p., 49,90 €

Image : Jeune fille fière (1934-1936), Bronze, ADAGP- Coll. Centre Pompidou,Paris, Dist. RMN (photo : Philippe Migeat)

Norman Dilworth, artiste anglais dont le musée Matisse Le Catau-Cambresis présente la première rétrospective en France jusqu'au 30 septembre, a sa façon bien à lui de parler de ses oeuvres.

Il montre des carrés de bristol noirs et blancs, dans lesquels il a découpé des formes géométriques. A partir de ces gabarits, il explique comment ont été élaborées les « sculptures » accrochées au mur.

Certaines sont si minces que, de loin, on pourrait y voir des tableaux. Une ambiguïté qui s'explique au regard du parcours de l'artiste, qui, après sa formation classique en peinture et en sculpture, a commencé par dessiner (alors très influencé par Giacometti, qu'il avait rencontré lors d'un séjour à Paris), avant de réaliser ses premières sculptures métalliques, très fines et linéaires.
Malgré l'évolution de ses travaux, cette prégnance du trait ne quittera guère Dilworth-sculpteur.

Etrange résultat donc, que ces sculptures murales en noir et blanc, où le blanc du mur « fait partie de l'oeuvre » ainsi que l'artiste le souligne.
Mais si l'on suit bien ses explications, avec un zeste de logique et surtout quelques rudiments de géométrie, on s'aperçoit que l'étrange demeure fort éloigné de la genèse des oeuvres de Norman Dilworth.
En réalité, il joue avec les règles mathématiques, créant des maquettes dans un premier temps, avant de transposer la sculpture dans des dimensions qui peuvent parfois être monumentales.

Son axe géométrique fétiche : l'angle. En découpant un volume ou une surface, par exemple carrée, et en repositionnant les différentes parties ainsi créées, il développe « l'idée de progression dans l'enchaînement des angles ».

On voit alors la rigidité de la forme d'origine éclater en légèreté et mouvements. Un dynamisme particulièrement saisissant avec Parts of a square (1985), Black and white line ( 1985-2006), Half by half by half by half (1988) en bois peint, ou la très grande sculpture en acier Toon (2007), spécifiquement créée pour l'exposition.

Mais Norman Dilworth, malgré ses explications parfois dignes d'un cours de géométrie ne se prend pas pour autant au sérieux : « C'est le jeu de la manipulation qui me plaît. J'aime beaucoup le mot français ludique » déclare-t-il.
Ce qui fonde ses créations, c'est la multiplication des expérimentations ; il n'est pas là pour « raconter une histoire » ajoute-t-il.

Certains trouvent à quelques unes de ses oeuvres des airs de ressemblance avec le monde végétal ? L'artiste ne peut les contredire, puisqu'il s'est lui-même amusé à les nommer Branching (1994) ou Puff ball (Fleur de pissenlit, 1972).
Cela étant, il affirme qu'il n'a pas la volonté de reproduire la nature ; simplement, à force de manipuler des formes mathématiques élémentaires, il aboutit à un résultat proche de ce qui existe effectivement dans la nature.

Mais la création la plus impressionnante est certainement la dernière du parcours, pour laquelle il fallut repousser les cloisons : 1.2.3.4.5. (1997/2007).
On y retrouve le jeu de la géométrie cher à Dilworth, mais aussi celui de la matière et du vide : l'oeuvre semble sculpter l'air et créer un espace à elle seule, dans lequel on a envie de déambuler, passer dessous et multiplier les perspectives.
On est alors troublé par une succession de sensations opposées, lourdeur et légèreté, confort du « rond » et peur de l'anguleux ; tout à coup on lui trouve de noueuses formes végétales, alors que l'instant d'après on croit voir surgir le monstre du Loch Ness....

Norman Dilworth, Rétrospective Une évolution naturelle
Musée Matisse Le Catau-Cambrésis
8 juillet – 30 septembre 2007
Petit journal (gratuit), catalogue (102 p., 22 €)
Renseignements pratiques : consulter le billet Musée Matisse Le Catau-Cambresis

Image : 1.2.3.4.5. (1997/2007), photo Philip Bernard