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Le spectacle s'ouvre sur un homme squelettique quasiment nu allongé par terre, un masque africain cachant son visage.

La lumière augmente progressivement sur le décor de grands murs blancs, jusqu'à devenir aveuglante.
Puis une infirmière entre, s'assoit dos à la scène et commence à compter Uno, due, tre... Défilent alors en claudiquant des malades, corps estropiés, fauteuil roulant, attèle, vieillard. D'autres victimes viendront encore évoquer le mal physique et moral, parfois en se tordant de douleur.

Sur l'immense scène blanche, les personnages se déplacent au ralenti, mais comme pour mieux faire avancer l'effroi. Questo buio feroce, "Cette obscurité féroce" : cette perspective de la mort qui recouvre tout le spectacle.

La pièce a pour origine le livre du romancier américain mort du sida Harold Brodkey, que Pippo Delbono a découvert par hasard lors d'un séjour en Birmanie.
Il en a tiré un spectacle qui peut déranger par les corps qu'il montre (y compris celui d'un enfant trisomique) et par la crudité de certaines scènes et de certains mots.

Mais ce qui dérange le plus profondément est ailleurs, dans l'évocation de la vie, qui est aussi au coeur de Questo buio feroce. Ballet de masques et de costumes brillants, apparences excessives, postures, cinéma et figuration, brefs plaisirs des sens et extrême solitude. Eclat d'une chanson qui ne peut que s'éteindre sur son artifice. Vanité absolue de la vie.
Alors peur de la mort, bien sûr, mais qui semble tenir dans le même mouvement le dérisoire de la vie.

Le spectacle n'est pas seulement dur ; il est aussi très plaisant à regarder et à écouter, car il déborde de couleurs, de musique et de langue italienne. Et son rythme précis et lent participe de la fascination qu'il exerce.
Dans le dernier tableau, une douzaine de personnages en noir, qui sont autant d'évocations de la camarde tournent autour de la scène en se tenant par la main, encadrés par deux arlequins - un enfant et un vieillard. Ce carnaval semble concentrer toute la pièce dans son étrange danse et en constitue un magnifique épilogue.

Questo buio feroce - Cette obscurité féroce
Idée et mise en scène de Pippo Delbono
Jusqu'au 2 février 2008
Théâtre du Rond-Point
2 bis, avenue Franklin D. Roosevelt, Paris-8ème
A 21 h du mar. au sam., à 15 h le dim., représentation suppl. le sam. à 18 h 30
Durée 1 h 30 env. / En italien surtitré
Billets de 10 € à 33 €
Avec Dolly Albertin, Gianluca Ballaré, Raffaella Banchelli, Bobò,
Margherita Clemente, Pippo Delbono, Lucia Della Ferrera, Ilaria Distante,
Gustavo Giacosa, Mario Intruglio, Simone Goggiano, Nelson Larricia, Pepe Robledo, Gianni Parenti
Création au Teatro di Roma en octobre 2006

Tournée :
Du 5 au 7 février 2008 : Le Maillon – Strasbourg
Du 20 au 24 février 2008 : Prato
Les 27 et 28 février 2008 : Maison de la Culture d'Amiens
Du 4 au 8 mars 2008 : Théâtre National de Toulouse
Du 13 au 15 mars 2008 : Scène Nationale de Marseille
Du 18 au 20 mars 2008 : Le Duo de Dijon
Les 25 et 26 mars 2008 : Scène nationale de Saint-Nazaire
Le 29 mars 2008 : Scène nationale de Bayonne
Les 1er et 2 avril 2008 : Scène nationale de Clermont-Ferrand
Du 13 juin au 18 juin : Piccolo Teatro - Milano.

Image : Questo buio feroce © Gianluigi Di Napoli

C'est toujours un plaisir de retrouver Arthur Schnitzler qui, de son écriture simple et élégante dépeint à merveille la société viennoise de la fin de XIXème siècle.
Dans Anatole, l'écrivain, dramaturge et médecin autrichien (1862-1931) décrit les amours d'un homme du monde, coureur de jupons devant l'éternel, épris de trop de femmes pour en respecter vraiment une seule.

Le spectacle qu'en propose la compagnie Populart Theatre restitue tout l'humour et toute la finesse de la pièce.

Anatole, impeccablement interprété par André Salzet, croit aimer les femmes mais en joue, gonflant sa gorge et se berçant lui-même des beaux mots qu'il débite et des stratagèmes qu'il invente. Ses compagnes, sincères amoureuses ou déjà anciennes amies, débordent de vie et de spontanéité. Le jouisseur narquois, mais souvent un peu perdu, amateur de petites femmes du peuple, a pour ami un Max beaucoup plus prosaïque.
Celui-ci, fidèle conseiller et témoin ne se départit jamais de son pragmatisme, et tente, en un réjouissant contrepoint aux discours mousseux du dandy, d'insuffler une certaine sagesse. Ses répliques, énoncées d'un ton pince-sans-rire, sont irrésistibles. Michel Feder y est parfait.

Claire Mirande, qui joue tous les personnages féminins, le plus souvent avec une cocasserie enjouée, se révèle véritablement dans la dernière pièce, par un jeu délicat, dont surgit, sous une nuit bleutée, un très beau moment d'émotion.

Anatole de Arthur SCHNITZLER
Théâtre de Menilmontant
15, rue du Retrait - Paris 20ème (M° Gambetta)
Du mercredi au dimanche à 19 h, jusqu'au 31 décembre 2007
Avec André SALZET, Claire MIRANDE et Michel FEDER
Mise en scène Laurent CARUANA

La dernière scène peut être vite oubliée, elle ne gâche pas le bon moment passé en compagnie de ces Voisines. Le théâtre dans le théâtre, ça ne s'écrit pas sur un coin de table ; ça s'inscrit dans un contexte. Or, cette soirée a le contexte léger.

Succession de tableaux mettant en scène des femmes en proie à des difficultés nécessitant sans délai le secours de sa prochaine, la pièce brode avec humour sur l'épineuse question des hommes et de leur virilité : c'est toujours trop ou pas assez.

Il y a celui qui se prend pour un saint, celui qui en honore deux ; celui qui préfère une blonde, celui qui se prend pour un chien...
Pour résoudre ces cas fort problématiques, solidarité féminine oblige, ces dames trouveront bien des arrangements...

Les scènes cocasses voire farfelues tirent leur force du talent comique des comédiennes, en particulier celui de Chantal Delatour, Christine Herivan et Nathalie Geoffroy.
Un regret toutefois : que ces potentialités ne soit pas suffisamment exploitées. L'auteur-metteur en scène a tendance à faire jouer chacune d'entre elles de façon relativement monolithique d'une saynète à une autre.
C'est dommage, car il est bien évident qu'il y a "de la réserve", du talent, quoi !

Les Voisines
Comédie de Franck d'Ascanio
Théâtre de Nesle
8, rue de Nesle - Paris 6ème
Mercredi, jeudi, vendredi et samedi à 21 h
Jusqu'au 24 novembre 2007
Places : 15 € / 20 €

La voici la der des der, la fin de l'Epilogue, la révérence de l'Homme qui danse.

La première partie de l'Epilogue, La Ficelle était d'un dénuement tel qu'elle avait laissé le spectateur déçu, triste, presque en colère.

Dans La mort d'Avignon, le vrai final, Philippe-Ferdinand nous dit au revoir avec l'art et la manière qui sont siennes : avec panache et en beauté.

1978, la Cour d'honneur du Palais des Papes : Georges Wilson et Paul Puaux racontent au jeune Ferdinand l'Avignon d'autrefois et raniment avec autant d'humour que d'émotion le souvenir de Gérard Philipe et celui de Jean Vilar.
Puis c'est au tour de notre jeune comédien d'entrer sur scène pour une interprétation - ou plutôt un massacre - de Lorenzo dans Lorenzaccio.
Sur les gradins, ils sont tous là : de Gaulle, Sartre et Mauriac, Johnny Halliday, Claudine et sa gouvernante. Toutes deux ont vieilli ; elles sont venues en chemise de nuit, elles vont prendre froid... la faute au mistral, qui va finir par tous les emporter avec lui.

Les personnages, la cour du Palais, le mistral : Philippe Caubère seul en scène les fait tous exister. La magie opère encore et toujours, jusqu'aux derniers mots de l'artiste, très beaux. Dans la nuit qui est tombée tout à coup, la missive sonne juste, elle vient de loin, elle est bouleversante.

La mort d'Avignon écrit, mis en scène et joué par Philippe Caubère.
Les jours pairs La Ficelle, les jours impairs La Mort d'Avignon
Théâtre du Rond-Point
2 bis, avenue Franklin D. Roosevelt, Paris-8ème
M° Franklin-Roosevelt, Champs-Elysées-Clemenceau
Tél. : 01-44-95-98-21
Jusqu'au 2 novembre, du mardi au samedi à 20 heures
Durée : 2 h environ sans entracte
De 10 € à 33 €

Lundi 14 mai au Rond-Point a eu lieu un nouvel enregistrement de l'émission Volte-Face, qui sera diffusée sur France-Culture dans le courant de l'été. Olivier Barrot y recevait Jean Rochefort.

D'emblée, le ton est donné : Jean Rochefort, seul en face d'Olivier Barrot sur l'immense scène du théâtre, meublée en tout et pour tout de deux chaises grises placées au milieu, regarde autour de lui et constate :
« C'est d'une austérité, ici ! ».

La salle s'esclaffe aussitôt.
Tel est Jean Rochefort : une voix, un ton, un phrasé, une attitude, un sourire ; une moquerie livrée avec un sourire d'ange ...

Ce soir-là, tout paraîtra simple, sincère, détendu ; et même le pantalon violet de Jean Rochefort aura l'air classe.

Olivier Barrot "présente" Jean Rochefort en référence à la prodigieuse génération de comédiens à laquelle il appartient : Jean-Paul Belmondo, Philippe Noiret, Claude Rich, Jeanne Moreau, Annie Girardot, Jean-Pierre Marielle ... Il rappelle que ces talents sont apparus en deux ans, ce qui est inédit.

« Ce n'est pas les personnes, ce sont les époques qui changent. Nous sortions des années de guerre. Vivre était merveilleux, monter sur scène était un rêve. Nous avions une soif de vivre extraordinaire, une curiosité. Nous appartenions à une génération pleine de désirs ».

De plus, il semblait y avoir de l'intensité dans leurs relations.
« Oui. Et Belmondo était le leader, le personnage le plus exceptionnel, par sa merveilleuse inculture. Etre contemporain lui suffisait. Mais il était en réalité plus que contemporain, il était d'avant-garde. En 1950, alors que nous étions encore avec nos cravates, il était déjà en haillons ... il était soixante-huitard en 1950 ! »

Petit retour en arrière pour évoquer le soir où Jean Rochefort a trouvé sa vocation. Il a passé son enfance à Nantes. Sa mère l'emmenait de temps en temps à Paris. A ces occasions, ils allaient au théâtre.
« J'étais allé trois ou quatre fois à la Comédie-Française avec ma mère. Au cours de ces soirées, j'étais heureux, mais je m'ennuyais un peu ... Une fois, nous sommes allés voir un spectacle à la Gaîté-Montparnasse, où jouaient Yves Robert, les Frères Jacques, Grenier et Hussenot. Les Frères Jacques entrent et se mettent à chanter une chanson sur la fête foraine. Et moi, immédiatement, je vois la fête foraine. Je devais avoir dix-sept ans et je me dis "Je serai acteur, je serai acteur ..." ».

Il se souvient ensuite de ses débuts sur scène dans les années 1950, puis de son travail avec Jean Vilar, livrant alors cette anecdote :
« Nous étions en tournée à Bruxelles. Après la représentation, je vois Jean Vilar devant une panière... Il vérifiait qu'il y avait bien toutes les chaussures de location dans la panière, avant que la troupe ne remonte dans le car.
J'avais trouvé cela dérisoire et ridicule.
Aujourd'hui, je trouve cela admirable. »

Puis Olivier Barrot et Jean Rochefort parcourent l'immense carrière cinématographique de l'acteur.
Cartouche de Philippe de Broca en constitue un moment particulièrement important. C'est au cours du tournage de ce film, en 1960, qu'il découvre sa passion pour l'art équestre :
« Belmondo se fichait du cheval, alors il restait bien assis. Mais pour moi, c'était une telle émotion, que j'étais toujours par terre ... ! »

Des films de Philippe de Broca, dans lesquels il a beaucoup joué, il dit joliment : « Ses films ont beaucoup d'élégance ; ils ont une épaisseur pudique ».

En 1972, il travaille pour la première fois avec Yves Robert, dans Le Grand Blond avec une chaussure noire. C'est le début d'une longue histoire : il y aura Le retour du Grand Blond, Un éléphant ça trompe énormément, Nous irons tous au paradis ... Ces films sont devenus des classiques.

« Ces films n'étaient pas que des films légers, ils étaient très travaillés, très écrits.
Jean-Loup Dabadie et Yves Robert avaient le talent de raconter cette époque-là, celle des trente glorieuses ; l'époque des résidences secondaires, des barbecues, de la consommation, du chômage zéro ... Le bonheur était peut-être plus épais. Ces films ont encore du succès aujourd'hui parce qu'ils parlent de cette époque ».

Sur le tournage de Salut l'artiste, il se souvient de sa rencontre avec Marcello Mastroianni :
''« J'étais très impressionné par Macello Mastroianni. Alors j'ai trouvé la solution : je l'ai appelé Marcel ! Cela m'a enlevé mon trac, je me suis détendu. Ensuite, nous avons eu tous les deux la sensation extraordinaire qu'on aurait pu être copains en classe de 6ème : on se voyait en culottes courtes ! »''

En 1973, il joue dans le premier long-métrage de Bertrand Tavernier L'horloger de Saint-Paul, avec Philippe Noiret.
« Tout à coup, avec Bertrand Tavernier, on avait l'impression qu'on pouvait tutoyer la caméra. Ce fut un grand virage car avant tourner était une cérémonie, c'était très protocolaire. Sa façon de tourner nous a libérés : se tromper n'était pas si grave, inventer sur l'instant n'était pas si grave ... ce jeune homme a désacralisé la caméra.»

Jean Rochefort a aussi beaucoup travaillé avec Patrice Leconte. Il avoue avoir joué le rôle du Mari de la coiffeuse avec beaucoup de passion, ce personnage « résolument enfantin et inquiétant ».
Dans Ridicule, Olivier Barrot lui rappelle qu'il a été grimé d'une façon baroque, grotesque ...
« On ne m'a pas grimé ! » s'exclame Jean Rochefort.

Lorsque le journaliste l'interroge sur Johnny Halliday, avec qui il a tourné dans L'Homme du train, il répond :
« Mes enfants, on peut en parler jusqu'à l'aube !
Johnny Halliday, quelle sincérité !
J'ai passé avec lui des moments extraordinaires, proches de la science-fiction ... ». Et de raconter une merveilleuse anecdote d'une soirée au restaurant avec la star ...

L'évocation de Jean-Pierre Marielle respire l'amitié inoxydable, faite de vieille complicité et d'humour ...
« Marielle, c'est une amitié de soixante-ans ? » demande Olivier Barrot.
Réponse lapidaire : « Hélas ! »
Plus tard, il se souvient d'un très beau sourire, du sourire de bonheur de Jean-Pierre Marielle au cours du tournage des Grands Ducs. C'est lorsque Marielle aperçoit un début de tonsure chez Jean Rochefort : « Il l'attendait depuis cinquante ans ! » dit-il avec son rire irrésistible.

Pour finir, Olivier Barrot lui fera cette déclaration :

« On est bien avec vous ! »

Oui, trois fois oui.

Volte-Face avec Jean Rochefort
Emission diffusée l'été prochain sur France-Culture
Prochain enregistrement public de Volte-Face :
Ce soir au Théâtre du Rond-Point avec Nicole Garcia.
Entrée libre
Réservation indispensable au 01 44 95 58 81

Le 23 avril dernier au théâtre du Rond-Point, André Dussolier fut l'invité de l'émission Volte-Face, qui sera diffusée sur France-Culture au cours de l'été.

Après la haute-voltige que nous avait fait suivre Fabrice Luchini (billet du 17 avril), c'est avec sérieux et application que le populaire et délicat comédien s'est prêté au jeu de l'interview mené par Olivier Barrot.

Beaucoup de sobriété de part et d'autre pour évoquer les moments et les rencontres qui ont marqué André Dussolier, mais aussi son travail avec Alain Resnais, et plus largement son métier.

Le comédien se souvient de la première fois qu'il est entré dans une salle de théâtre ; il n'avait alors que 10 ans :
« Ce fut une découverte incroyable car à l'époque je menais une vie assez convenue, dans la réalité ordonnée et triste, empreinte de beaucoup de règles, de la vie des adultes qui étaient autour de moi. Notre professeur de français nous a emmenés voir une pièce de théâtre. Ce fut un choc ! Sur scène, je voyais des gens qui disaient des choses qu'on ne disait pas à la maison, qui s'exprimaient en parlant fort, qui riaient ... Tout à coup j'ai aperçu la possibilité de vivre et d'exprimer des émotions que dans ma vie assez solitaire je retenais. J'éprouve une grande reconnaissance car cette expérience a ouvert mon imaginaire. »

Tient-il de cette enfance marquée par trop de rigidité son faible attrait pour les troupes ? En tout état de cause, il ne restera pas longtemps à la Comédie-Française.
« Je ne voulais pas passer à côté des propositions qu'on me faisait par ailleurs, que des règles trop strictes m'empêchaient d'accepter si je restais au Français. »
Il a donc préféré prendre son indépendance.

Quant à Ariane Mouchkine, il aurait aimé travaillé avec elle mais ...
« J'ai compris que si j'y rentrais, je rentrais dans une cellule monacale. "Attention, c'est plus Jean Villar et Gérard Philippe !" m'avait-elle prévenu.
C'est très beau une troupe, on se connaît très bien, on peut aborder des rôles différents, il y a une confiance, une facilité, une aisance. Mais en même temps c'est une grande humilité. C'est un sacerdoce ! »

Sa « troupe » à lui, finalement, c'est au cinéma, autour d'Alain Resnais qu'il l'a trouvée. L'admiration est immense.
« Sa façon de travailler est très proche de celle du théâtre ; il s'en est d'ailleurs nourri lorsqu'il est arrivé à Paris. Avec lui, on ne commence pas à travailler le premier jour du tournage, mais bien avant. Il nous remet d'abord des feuilles sur lesquelles sont inscrits des renseignements sur les parents et les grands-parents des personnages. Commence alors un travail d'imagination entre lui et nous. Ce qui fait que lorsque le tournage débute, on a beaucoup préparé au préalable et tout se passe très calmement.
On répète, mais les répétitions ne fossilisent pas le texte, elle nous donnent une structure qui n'enlève pas la liberté de jouer. Car il faut qu'on ait toujours l'air d'inventer le texte ... »

Evoquant la carrière prolifique et variée d'André Dussolier, Olivier Barrot lui rappelle notamment la pièce Pour un oui ou pour un non de Nathalie Sarraute (« texte magnifique, variation sur le malentendu, où c'est le verbe qui vient brouiller ... »). Cette pièce semble effectivement avoir marqué le comédien :
« Oui, l'un est d'un monde très social, l'autre est plus en retrait. Au fur et à mesure de la pièce, on en arrive à une loupe sur ce verbe, ce mot que dit l'un : "Ah, c'est bien ça." Et l'autre lui dit : "Tu es là dans ton monde, tu donnes des notes. Et moi je vis dans un monde où je ne veux pas de notes, où je ne veux pas qu'il y ait de références" ».

Dussolier l'éclectique aime aussi beaucoup Sacha Guitry, « cet esprit qui règne ». Il livre alors cette délicieuse anecdote sur son père, Lucien Guitry : « A la fin d'une représentation, un spectateur vient le voir et lui dit : "Ah, j'aime beaucoup la façon dont vous interprétez le texte." "Merci, merci beaucoup".
Au bout d'un moment "Et j'aime aussi beaucoup vos silences !".
Et Lucien Guitry de répondre : "Ce sont les miens !" ».

André Dussolier avoue savourer lui aussi les silences : y voyant « la possibilité de voir sur le visage tout ce qui passe entre les mots, un domaine de création disponible ».

Lorsqu'enfin Olivier Barrot lui fait remarquer qu'il a tout joué, qu'il semble être l'incarnation de l'acteur accompli (« c'est André Dussolier, ou l'acteur ! »), le comédien expliquera simplement :
« Quand on est jeune acteur, on joue proche de soi, comme on est.
Plus tard, tout nourrit le personnage. On peut endosser des personnages qui sont l'addition de ce qu'on a observé, du fruit de son imagination ... On peut alors jouer des choses très différentes.
Mais à chaque rôle, il faut y retourner. J'ai toujours peur avant.
Mais on peut repousser plus loin ses limites, alors que quand on est jeune, ce qui est important, c'est d'exister aux yeux des autres, on a l'obsession de trouver sa place.
Au fil des ans, ce qui compte le plus, c'est le plaisir ; le plaisir de découvrir des acteurs, le plaisir de jouer, le plaisir de se faire plaisir. »

On ajoutera le plaisir du public à écouter et voir ce très grand comédien, très présent mais discret, et, quelque soit le rôle qu'il endosse, d'une constante et incomparable élégance.

Volte-Face avec André Dussolier
Emission diffusée l'été prochain sur France-Culture
Prochain enregistrement public de Volte-Face :
Le 14 mai au Théâtre du Rond-Point avec Jean Rochefort.
Entrée libre
Réservation indispensable au 01 44 95 58 81