L’exposition présente quelques cent vingt œuvres, dont quatre-vingt-neuf peintures, des gravures, des esquisses, et même des tapisseries, qui décoraient les édifices religieux parisiens au XVIIème siècle et qui furent dispersées à la Révolution puis envoyées dans les musées de province.
D’une richesse exceptionnelle, elle réunit tous les plus grands peintres français de l’époque, nous faisant remonter par le même occasion l’histoire du Grand Siècle.
Très lisible, le parcours commence par trois salles chronologiques.
Entre 1585 et 1630, les règnes d’Henri IV puis de Marie de Medicis voient la ville prospérer tant sur le plan économique que spirituel, avec le mouvement de la Contre-Réforme catholique, période où s’installent de nouveaux ordres religieux et où sont construits de nombreux édifices. Le style est encore marqué par le maniérisme du XVIème siècle, sous les pinceaux de Quentin Varin et de Georges Lallemant.
Avec le très pieux Louis XIII puis la régence d’Anne d’Autriche, c’est l’âge d’or de la peinture religieuse, sous la domination de Simon Vouet qui, après son séjour en Italie, développe à Paris une peinture monumentale, lyrique, à la palette claire, tandis que Poussin, Champaigne, Le Sueur ou La Hyre imposeront une peinture plus sobre aux compositions solides, mouvement appelé "atticisme parisien".
Enfin, à partir de 1680, avec le règne de Louis XIV qui entreprendra de vastes chantiers comme celui des Invalides et fera de Charles Le Brun son premier peintre, vient le temps du classicisme.
La suite du parcours est organisée en thèmes : les chapelles privées dans les églises, les tapisseries, les Mays de Notre-Dame, l’abbaye du Val-de-Grâce, les Invalides.
Au fil de la visite, l’on se laisse porter par le plaisir des yeux comme par l’émotion suscitée par certaines représentations pleines de sensibilité invitant au recueillement : ici, la très baroque Adoration des Mages de Claude Vignon, là l’éblouissante Apparition du nom divin à quatre saints de Simon Vouet, plus loin le touchant Songe d’Elie du "janséniste" Philippe de Champaigne, tableau qui ornait le Réfectoire du Val-de-Grâce.
La dernière salle, consacrée à la toute fin du Grand Siècle, montre le vide laissé par Charles Le Brun et Mignard : ces œuvres de moindre facture laissent à penser qu’avec leur disparition une page faste de l’histoire de la peinture française a alors été tournée.
Les couleurs du ciel
Musée Carnavalet
23, rue de Sévigné – 75003 Paris
Ouvert tous les jours sauf les lundis et jours fériés de 10h à 18h
Jusqu’au 24 février 2013
Entrée : 7€ / 5€
Ce n’est pas dans les musées français que l’on trouve beaucoup de vedute, ces vues de Venise peintes au XVIIIème siècle qui connurent immédiatement un grand succès, jamais déjugé depuis.
Si Guardi a étudié Canaletto, de quinze ans son aîné, comme le montre l’exposition – il en a réinterprété certains dessins -, il a toutefois adopté son style propre, avec des tons plus sombres, plus chauds, souvent tirant vers le brun. Sa touche est plus rapide, comme davantage dans l’esquisse tout en étant très aboutie. Son traitement de l’architecture est différent aussi : déjà, ce n’est plus la Venise éternelle (et si belle !) du Canaletto, Guardi révélant davantage l’âge et la fragilité de la ville.
Finalement, c’est au XIXème siècle que se produit un glissement – qui fait passer le visiteur vers la seconde partie de l’exposition : la figure de vagabond et d’être libre du Bohémien est alors revendiquée par une génération d’artistes qui prend ses distances avec le parcours académique, quitte à vivre chichement, au moins pour un temps. Cette période, qui voit la naissance de La Bohème, couvre autant la peinture que la littérature. Le commissaire de l’exposition Sylvain Amic et Robert Carsen l’ont mise en espace de façon fort plaisante, pour ne pas dire divertissante, tout en choisissant de s’arrêter aux années 1930.
De nombreuses références (comme aux célèbres opéras que sont Carmen de Bizet et La Bohème de Puccini) et de nombreux extraits de textes émaillent délicieusement le parcours, offrant autant de vues différentes de ces Bohèmes.
Après Mai est un très beau film, aussi bien écrit qu’il est réalisé et interprété. Portrait d’une adolescence au début des années 1970, il est clairement d’inspiration autobiographique : Olivier Assayas, né en 1955, avait publié en 2005 un court récit sur cette période de sa vie : Une adolescence dans l’après-Mai. (1)
C’est une exposition de tout premier ordre que propose le Centre Pompidou jusqu’au 14 janvier prochain, tant la sélection est variée par les artistes représentés, passionnante par ses thèmes et homogène dans sa qualité.
La section dédiée à la photo documentaire rappelle l’importance de la démarche de tous ceux qui se sont attachés, à partir des an nées 1930, à montrer la réalité sociale, notamment dans le contexte de crise, avec les travailleurs (par exemple, Sortant des mines d’Aurel Bauh), mais aussi les moments de loisirs, avec l’avènement des congés payés – on rencontre ici fort naturellement Henri-Cartier Bresson.
La galerie Frédéric Moisan, rue Mazarine à Paris, a ouvert ses portes début 2007 avec l’exposition de Bernard Guillot 
Comment met-on en scène un opéra ? Comment créer encore, à partir d’un opéra aussi célèbre, aussi joué que La Traviata de Verdi ? C’est un peu la situation d’un metteur en scène face à une pièce de Molière… Mais en pire : ici, il doit compter non seulement avec le livret, mais encore avec la musique, et tout ce qu’elle est censée exprimer. Et il s’appuie sur des acteurs qui sont des chanteurs avant d’être des comédiens…
En une petite centaine d’œuvres, dont plus de la moitié de tableaux, l’exposition du Louvre se concentre sur les dernière partie de la riche carrière de Raphaël (1483-1520), de 1513 à sa mort.
C’est d’ailleurs dans ces deux sections, l’une consacrée aux Vierges et l’autre aux portraits que l’on retrouve les œuvres à la fois les plus belles et les plus touchantes de Raphaël : la Madone à la rose du Prado (partenaire de l’exposition) et surtout l’inoubliable Madone de l’Amour divin du musée Capodimonte à Naples. Outre leur perfection esthétique, ces tableaux véhiculent, à travers l’expression des visages, les mouvements des corps et les couleurs, d’immenses sentiments de tendresse.