Figaro divorce de von Horvath. Comédie-Française

Figaro divorce, à la Comédie-FrançaiseC’est un texte sur la Révolution, sur les bouleversements politiques et sociaux, mais aussi sur l’exil et les passions, vus à hauteur d’homme. Un texte magnifique et d’une grande justesse qui fait une entrée magistrale à la Comédie-Française grâce à une mise en scène des plus fines et une troupe au sommet de son art.
Au début du XXème siècle, quelque part dans la vieille Europe de l’Empire Austro-hongrois, la Révolution éclate. Le Comte et la Comtesse Almaviva fuient leur pays, accompagnés de Figaro et de Suzanne, devenus époux. Privé de biens, l’aristocrate continue malgré tout à mener grand train, persuadé qu’il reviendra bien vite "dormir dans son lit". Mais Figaro sait qu’il n’en sera rien, et sent qu’il est temps de prendre son indépendance et de s’établir. Retrouvant l’un de ses nombreux anciens métiers, il s’installe coiffeur dans une petite ville de Bavière. Là, il flatte la petite-bourgeoisie locale par ses façons empressées, et prospère. Mais Suzanne, qui ne reconnaît plus son Figaro sous tant d’hypocrisie le quitte. Le Compte Almaviva est lui ruiné, las, mais atteint d’une certaine douceur. D’une façon ou d’une autre, tous traverseront à nouveau la frontière.
Chassé de l’Allemagne nazie dans les années 1930, Odon von Horvath a écrit Figaro divorce alors qu’il errait en Europe avec l’espoir de gagner les Etats-Unis. Il ne put aller plus loin, tué à l’âge de 37 ans par la chute d’une branche d’arbre à la sortie du théâtre Marigny à Paris.
Imprégné des craintes nées de la montée de la révolution brune, son texte dénonce autant les ravages de l’autoritarisme politique que ceux des mentalités petites bourgeoises, xénophobes et hypocrites.
Il fallait beaucoup d’intelligence pour monter ce texte subtil et en donner à voir toutes les facettes. Un pari que Jacques Lassalle a absolument réussi, avec des comédiens qui font ressortir tout ce que cette pièce a de bouleversant, sur cette humanité bien sombre, sur la douleur de l’exil et la permanence des passions.

Figaro divorce
Comédie en trois actes d’Odon von Horvath
Traduit de l’allemand par Henri Christophe et Louis Le Goeffic
Avec Bruno Raffaelli, Michel Vuillermoz, Florence Viala, Claude Mathieu, Denis Podalydès… Jusqu’au 19 juillet 2008
Reprise à la rentrée, du 3 octobre au 15 décembre 2008
Comédie-Française
A 20 h 30, matinée à 14 h
Durée : 3 h env. avec entracte
De 5 € à 37 €

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Eldorado. Bouli Lanners

Bouli Lanners, EldoradoL’on se souviendra longtemps de cette terre belge, de ses forêts, de ses rivières, et aussi de son ciel, de ses lumières et de ses nuages aux nuances infinies. Bouli Lanners a, selon son expression, « repoussé les frontières » de son petit pays et a donné à son road movie la splendeur des grands espaces nord-américains avec la subtilité des maîtres flamands. Immédiatement, les dons du réalisateur crèvent l’écran : son sens du graphisme, son goût pour l’étrangeté, son talent pour faire surgir l’inattendu, l’humour, le surréalisme, et soudain l’émotion. Quant à l’acteur, il a non seulement un visage et une corpulence bien à lui mais encore une façon de se mouvoir, de parler et de regarder, bref ce qu’on appelle une présence.
Il n’a pas l’air, comme ça, avec son histoire de revendeur de « belles américaines » qui un soir trouve sous son lit Didier, un voleur à la petite semaine qu’il finit par embarquer dans sa Chevrolet. Les rencontres et les situations cocasses se succèdent ; mine de rien, les personnages se dessinent, une relation se noue, les blessures refont surface, le passé vient retourner les coeurs, à l’image du jardin de la mère de Didier que les deux hommes bêchent dans une magnifique scène. Transmission, humanisme, culpabilité, il y a tout cela dans l‘Eldorado de Bouli Lanners, mais il y a aussi l’élégance d’un cinéaste qui économise les dialogues, choisit soigneusement ses plans et caresse les demi-teintes avec une singulière douceur.

Eldorado. Bouli Lanners
Avec Bouli Lanners, Fabrice Adde, Philippe Nahon
Durée 1 h 15

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Aquarelle : atelier et plein air. Musée d'Orsay

Musée d'Orsay, accrochage aquarelles, Cézanne, le four à plâtreIl faut le reconnaître, une aquarelle ne séduit pas forcément du premier coup d’oeil. Contrairement à la peinture à l’huile et à la gouache, plus hautes en couleurs, plus pleines, plus aguicheuses, le fin lavis de l’aquarelle a le charme si discret que l’on pourrait passer devant sans le remarquer.
Un petit tour à la Galerie des Arts graphiques du Musée d’Orsay jusqu’au 7 septembre rectifiera cette erreur. Le choix parmi le fonds du Musée est resserré – deux salles : bonne raison pour s’y attarder un peu.

Alors que les artistes anglais en étaient friands et maîtres depuis le XIXème siècle, en France l’aquarelle était traditionnellement réservée à l’exercice du peintre, à l’étude qui précédait l’exécution de la toile en atelier. Il en est ainsi des croquis et des esquisses de Pierre Bonnard, Jules Elie Delaunay, Edgar Degas, Edouard Manet. Ces deux derniers, contrairement à leurs contemporains plus franchement au coeur du mouvement impressionniste ne furent jamais des peintres de plein air ; leurs aquarelles ne resteront que des sortes de notes préparatoires à leurs travaux d’atelier.
Mais passons dans la seconde salle, et nous voici "dehors" avec le peintre de marines Eugène Boudin (1824-1898), Normand resté fidèle toute sa vie à Honfleur : scènes de bord de mer, élégantes sur la plage à Trouville, vues de port. Il fut l’un des précurseurs en France d’un genre nouveau qui allait connaître un grand succès avec les impressionnistes : la saisie des paysages en extérieur.
Tout près, les belles aquarelles du néerlandais Johan Barhold Jongkind (1819-1891) : marines et scènes côtières également, mais dont se dégage l’impression que la présence de l’eau n’est qu’un prétexte. Le motif qui attire irrésistiblement l’oeil est le ciel. Immense, toujours différent, parfois d’une couleur inattendue, il joue l’harmonie avec les autres teintes (superbe vert mousse du jardin qui fait écho au jaune du ciel dans Jardin de la ferme Toutin à Honfleur) et constitue l’écrin idéal, faisant magistralement ressortir la beauté et l’harmonie des compositions.
Quelques mètres plus loin, éblouissement avec Paul Signac et notamment sa Vue de Bayonne toute multicolore. Fi des teintes délavées, voici de l’orange, du jaune vif, du bleu Majorelle. Quelle audace, et quel équilibre remarquable, avec son bouquet de lignes sinueuses pour définir l’eau et les arbres, et emporter le regard loin des lignes géométriques du bateau et du pont sur l’autre partie du tableau.
Avant de partir, un regard pour les esquisses de Cézanne, notamment ce Four à plâtre très épuré mais où la recherche des lignes et des volumes est tout à fait présente. Au fond, la montagne Sainte-Victoire non peinte apparaît comme l’émouvante annonce de ce qui suivra. En une cinquantaine d’aquarelles, ce très bel accrochage nous fait parcourir, discrètement, un chemin fondamental et passionnant de l’histoire de la peinture.

Aquarelle : atelier et plein air
Musée d’Orsay
Jusqu’au 7 septembre 2008
TLJ sf le lundi de 9 h 30 à 18 h et le jeudi jusqu’à 21 h 45
Entrée 8 € (TR : 5,5 €)

Image : Paul Cézanne (1839-1906), Le Four à plâtre (au fond, la montagne Sainte-Victoire). Vers 1890-1894. Crayon noir et aquarelle sur papier vélin, trous d’épingles aux angles, 42 x 52,9 cm © Photo RMN / © Jean-Gilles Berizzi

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Annie Leibovitz, A photographer's life 1990-2005

Expositon Annie Leibovitz à la Maison européenne de la photographie, ParisAmple, passionnante, l’exposition consacrée à Annie Leibovitz jusqu’au 14 septembre à la Maison européenne de la photographie est aussi très surprenante. La célèbre photographe des couvertures glacées américaines, de Rolling Stone à Vogue en passant par Vanity Fair a choisi de mêler à ses portraits les plus connus toute une série d’images personnelles.

Photos intimes de ses voyages à Venise avec sa grande amie l’écrivaine Susan Sontag, photos de ses enfants, de son frère, de sa mère débordante de vie dans son large maillot, de ses parents endormis, confiants, abandonnés, pris avec une tendresse infinie par le regard de leur fille.
Le regard, regarder : tout est là bien sûr. On dirait qu’il n’y a même que ça : quand Annie Leibovitz tire un portrait, elle ne parvient pas à converser en même temps. « Je suis trop occupée à regarder mon sujet (…). J’ai le même problème avec mes enfants. Je sais que je devrais plus m’impliquer, interragir, mais j’aime tellement les regarder. »
En suivant ses commentaires apposés aux photographies, l’on court de surprise en surprise, tout en comprenant mieux son choix de photos familiales, pleines de mouvements, de plein air et de naturel : « Je ne suis pas une grande portraitiste de studio (…). Je trouve cela faux et artificiel. En même temps, trop de dénuement fait peur. Je ne suis pas faite pour ce genre de travail. » Difficile à croire, tout de même, lorsque l’on revoit les photos des stars américaines, magnifiques, dont ressort un puissant érotisme, presqu’une animalité dans leur extrême sophistication. Ce sont des bombes de sensualité qu’elle photographie le plus souvent étendus ou à demi-couchés sur lits ou divans, comme Scarlett Johansson, Mick Jagger, Brad Pitt, Cindy Crawford, Demi Moore…
Mais les tirages les plus beaux de la sélection sont peut-être ceux du jardin de la maison de Vanessa Bell – la soeur de Virginia Woolf – à Charleston en Grande-Bretagne, jardin tout en fleurs et sauvage, photographies en noir et blanc on ne peut plus simples, mais qui échappent à toute banalité et témoignent une fois encore d’un voyage qu’Annie Leibovitz a fait avec son amie Susan Sontag, fan de Wirginia Woolf.
De son amie disparue en 2004, Annie Leibovitz a choisi, de façon extrêmement émouvante, de montrer la photographie qu’elle a prise d’elle sur son lit de mort, alors qu’elle l’avait revêtue de foulards ramenés de Venise et d’une robe en plissé couleur or « en hommage à Fortuny. »
Elle confesse aussi l’importance de son regard : « Si vous l’accompagniez dans un musée où elle voyait quelque chose qui lui plaisait, elle vous demandait de venir vous placer exactement à l’endroit où elle se tenait pour être sûre que vous voyiez la même chose qu’elle ». Avant d’ajouter, comme une ultime preuve d’amour : « J’ai préparé le livre pour la publication en songeant à elle comme si elle regardait par dessus mon épaule et me dictait mes choix. » (1).

Annie Leibovitz, A photographer’s life, 1990-2005
Maison européenne de la photographie
TLJ sauf lundi, mardi et jours fériés, de 11 h à 20 h
5/7 rue de Fourcy – 75004 Paris
Téléphone: (33) 1 44 78 75 00
Fax: (33) 1 44 78 75 15
M° Saint-Paul
Entrée 6 € (TR 3 €)
Gratuit tous les mercredis de 17 h à 20 h

(1) Annie Leibovitz, La vie d’une photographe, 1990-2005, éditions La Martinière, 480 p., 105 €

Image : Brad Pitt, Las Vegas, 1994

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Espagnolas en París, Différent !

Espagnolas en Paris, Différent !A l’initiative d’un groupe d’amis ibériques auxquels se sont joints professionnels et amateurs de cinéma, les soirées Espagnolas en Passy ont réuni chaque dernier lundi du mois depuis janvier 2008 Espagnols d’origine et d’affinité au Majestic Passy autour de films espagnols inédits. (1)
Lancé au coeur de ce quartier historique de l’immigration espagnole à Paris, le projet se prolonge et s’élargit autour de la manifestation Espagnolas en París, Différent ! qui aura lieu dans trois cinémas parisiens du 19 au 22 juin 2008.

La fête commence jeudi à 20 h au Majestic Passy avec Tristana de Luis Buñuel (1970). Catherine Deneuve y sera accueillie par Juan Luis Buñuel et Laura del Sol.

Elle se poursuit vendredi au Latina dès 16 h 30 avec un cycle de courts et longs métrages sur le thème de l’intolérance et des discriminations. A 19 h, toujours au Latina, projection des Vilains de Xavier Durringer, en présence du cinéaste, de Paco Ibañez, Yves Boisset, Jean-François Stévenin…
La soirée se finira tard avec la Nuit de l’étrange espagnol qui démarre à 22 h.

Samedi, le Reflet Médicis célèbrera la fête de la musique, en salle (Le Silence avant Bach de Pere Portabella, La leyenda del tiempo de Isaki Lacuesta…), puis dans la rue avec un concert à partir de 23 h.
La manifestation se clôturera dimanche 22 au Latina avec la projection à 20 h de Españolas en París de Roberto Bodegas.
Vins et charcuteries, espagnols naturellement, promettent de réchauffer, si besoin est, ces amicales soirées.

Renseignements aux cinémas :
Le Majestic Passy
18 rue de Passy – Paris XVIème
Tel : 08.92.68.48.24
Le Latina
20, rue du Temple – Paris IVème
Tél : 01.42.78.47.86
Le Reflet Médicis
3, Rue Champollion – Paris Vème
Tel : 08 92 68 48 24

(1) Espagnolas en Passy

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Le daguerréotype français au Musée d'Orsay

Accrochage au musee d'Orsay, daguérrotypeAvec la très belle exposition autour des premières photographies sur papier britanniques, L’image révélée, le musée d’Orsay rappelle les circonstances de la naissance de la photographie en Europe : presque simultanément, d’un côté de la Manche, Talbot invente un procédé de tirage sur papier alors qu’en France, Daguerre met au point la technique de la photo sur plaque de cuivre.

En parallèle, le musée présente une sélection de quelques soixante-dix daguerréotypes français issus de ses collections. L’accrochage est certes de moindre ampleur que l’exposition organisée en partenariat avec les musées de Washington et de New-York, mais elle a le mérite de mettre en évidence les profondes différences de rendu entre les deux procédés.
Victime de son succès et des conditions économiques favorables que les autorités lui ont accordé en France, le daguerréotype s’est développé un peu dans tous les sens, s’éloignant en cela parfois encore davantage de l’exigence esthétique des Britanniques que le support lui-même ne le faisait à la base. Ainsi, attirés par les perspectives de gains offertes par une large clientèle friande de portraits, les laboratoires de photo se sont multipliés, fournissant à bas prix des portraits aux formats de plus en plus réduits et pas toujours de belle qualité.
La sélection du musée d’Orsay permet de retrouver des personnages familiers : ici le baron Haussmann, là monsieur et madame Victor Hugo (robuste, la dame), plus loin, Alexandre Dumas. Plus émouvant et assez surprenant, un triptyque présentant le portrait d’une femme post-mortem. Emotion encore devant ces deux petites plaques faites en 1848 pendant les journées sanglantes de juin 1848 à Paris, à l’époque publiées dans L’Illustration : c’était la première fois que la photographie servait de support à l’image de presse. Voici encore quelques uns des événements, grands ou ordinaires, marqueurs de ce milieu du XIXème siècle français : l’Exposition Universelle de Paris de 1855, les funérailles du duc d’Orléans, héritier du royaume, à Notre-Dame-de-Paris en 1842, une revue de la Garde au Palais des Tuileries (1845-46), un groupe d’artistes élèves à la Villa Medicis à Rome, mais aussi la gare de l’Est à Paris, alors toute neuve…
Le rendu des plaques daguerréotypes, aussi anciennes soient-elles, certaines un peu abîmées, est difficilement comparable au tirage papier anglais : ici, tout est clair, net et précis ; pas de lignes floues, pas de volumes sombres.
Si l’on est loin de la belle esthétique, voire de l’onirisme britannique, nos daguerréotypes ont leur charme propre que l’accrochage joliment éclairé (dans tous les sens du terme) dans un bel écrin rouge carmin met en valeur avec simplicité et efficacité.

Le daguerréotype français dans les collections du musée d’Orsay
Musée d’Orsay
Jusqu’au 7 septembre 2008
TLJ sf le lundi de 9 h 30 à 18 h et le jeudi jusqu’à 21 h 45
Entrée 8 € (TR : 5,5 €)

Image : Louis Adolphe Humbert de Molard (1800-1874), Louis Dodier en prisonnier 1847 (Daguerréotype H. 11,5 ; L. 15,5 cm), Paris, musée d’Orsay, don de la famille Braunschweig en souvenir de la galerie Texbraun par l’intermédiaire de la Société des Amis du Musée d’Orsay, 1988 © photo RMN, Hervé Lewandowski

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Isabelle de Borchgrave au Musée Fortuny

Isabelle de Borchgrave, un monde de papier au musée Fortuny à VeniseLorsqu’une fée de la robe prend ses quartiers dans le palais d’un fou de tissus et de décors, le séjour promet d’être heureux.
Celui-ci ne ménage pas la surprise : dans l’ambiance singulière et surannée du Palais degli Orfei à Venise, faite de souvenirs orientalistes, de tentures et de clairs-obscurs, antre du styliste et peintre italien d’origine espagnole Mariano Fortuny (1871-1949), la créatrice contemporaine Isabelle de Borchgrave a installé jusqu’au 21 juillet quelques-unes de ses drôles de robes.

Depuis dix ans, Isabelle de Borchgrave, peintre, styliste, metteur en scène ne consacre plus ses travaux qu’à un seul matériau : le papier. Elle découpe, plisse, froisse et peint.
Le résultat est difficile à imaginer ; il est tout à la fois finesse, tombé, moiré, soie, dentelle, damas, or, ivoire, bleuté, rose poudré… Les coupes sont à ravir et en empathie avec l’atmosphère Belle Epoque de l’atelier de Fortuny.
Des splendeurs à admirer dans le halo magnifique que l’imaginaire de Proust a donné à la maison Fortuny :

« Ainsi les robes de Fortuny, fidèlement antiques mais puissamment originales faisaient apparaître comme un décor, avec une plus grande force d’évocation même qu’un décor, puisque le décor restait à imaginer, la Venise tout encombrée d’Orient où elles auraient été portées, dont elles étaient mieux qu’une relique dans la châsse de Saint-Marc, évocatrices du soleil et des turbans environnants, la couleur fragmentée, mystérieuse et complémentaire. Tout avait péri de ce temps, mais tout renaissait, évoqué, pour les relier entre elles par la splendeur du paysage et le grouillement de la vie, par le surgissement parcellaire et survivant des étoffes des dogaresses (La Fugitive). »

Un Mondo di Carta. Isabelle de Borchgrave incontra Mariano Fortuny
Museo Fortuny
Campo San Benedeto, 3958 San Marco
30124 Venise
Jusqu’au 21 juillet 2008
TLJ sauf le mardi de 10 h à 18 h
Entrée 8 € (TR 5 €)

A visiter également : le site d’Isabelle de Borchgrave

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Robert Walser. Retour dans la neige

Robert Walser, Retour dans la neige, PointsVous lisez la première courte histoire de Robert Walser, Une rue de grande ville et vous vous dites : c’est agréable, bien décrit, léger, mais où veut-il en venir ?
Vous continuez, de promenade en promenade, d’observations du quotidien de son temps en remarques sur la beauté des choses et des gens, et vous vous étonnez : il ne peut simplement nous dire combien tout le monde est beau et le paysage charmant !
Rien que du banal, dans ces textes brefs sur la rue, le tramway, le soir, la nuit, la neige, un dimanche ? Le narrateur qui se place dans ces lieux et dans ces moments nous fait-il seulement part du bonheur qu’il a à vivre dans ces lieux et dans ces moments ?
« Tout cela arrêta mes pas et me fit penser que je me trouvais au royaume même des sentiments nobles et de la délicatesse et de la grandeur ». Oui, nous en sommes heureux. « Je laissais pénétrer en moi le dimanche et son chant de cloches cher à mon cœur, ces flots de musique comme ruisselant du ciel, ce glissement montant et descendant. Je baignais dans les délices que je m’étais ménagées en écoutant avec attention cette harmonie immuable et éternellement belle ». Quelle époque extraordinaire pouvait faire vivre de tels moments ?
Pourtant, après quelques dizaines de pages, on croit de moins en moins en ce que nous raconte Walser. Le sentiment de béatitude qu’il dénote cède la place à une lecture étrangement mélancolique. Par quel miracle le lecteur ressent-il le contraire de ce qu’il lit ?
Voilà un exemple de la magie de l’écriture. Une fois le lecteur pris dans l’univers Walserien, surgissent les interrogations, l’appétit de comprendre cet homme, l’affûtage des outils du déchiffrement : et c’est tout le contraire du bonheur qui finit par sourdre de ces phrases. Une solitude poignante apparaît, chez un être à la vie tellement vide de liens avec les autres qu’il se complaît à inventer le bonheur et la beauté autour de lui, comme s’il pouvait en profiter par contagion.
La profonde mélancolie qui naît de cette lecture est celle de l’habitant solitaire des villes et des campagnes, diagnostiquée par Walser dès le début du XXe siècle. Epoque dont on n’est pas vraiment sorti, où les images du bonheur proposées jusqu’à l’écœurement ne peuvent masquer complètement la condition qui nous est faite : d’abord tout seul, et à nous de construire les liens, quand c’est possible.

Robert Walser. Retour dans la neige
Points, 2006

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Rome et les Barbares au Palazzo Grassi

Rome et les Barbares, exposition VeniseEn finir avec le mythe d’une origine exclusivement romaine de l’Europe en montrant les apports des peuples dits Barbares, tel est le propos de la vaste exposition présentée jusqu’au 20 juillet au Palazzo Grassi de Venise.

Sur les trois niveaux du palais, mille sept cents oeuvres et objets, pour la plupart de toute beauté, étayés de commentaires éclairés sont réunis pour raconter près d’un millénaire d’histoire, du principat de l’empereur Marc-Aurèle (160-180) à l’an mil.
Soit une longue époque de transition, marquée en son début par la fameuse "paix romaine", en réalité une alternance de guerres et de périodes de pacification, qui verra en 476 la fin de l’Empire romain d’Occident lorsque Odoacre dépose Romulus Augustule et devient seigneur d’Italie, et s’achève sur une Europe morcelée en royaumes et seigneuries.
Siècles mouvementés de batailles mais aussi de politique d’intégration bien comprise (voir la table claudienne demandant qu’on accorde aux notables gaulois l’accès au sénat romain), de stratégie militaire (lorsque les Romains font appel à des Barbares pour en combattre d’autres plus menaçants), de fascination (des peuples du Nord et de l’Est pour l’Empire romain), et finalement d’effritement de la culture romaine, et avec elle ses sacro-saintes origines grecques, sous les vagues des invasions barbares.

Mais ce millénaire en Occident est surtout celui de la mise en place de ce qui allait en constituer le ciment : le christianisme, de l’édit de tolérance en 313 accordant la liberté de culte aux chrétiens au couronnement d’Etienne Ier, premier roi chrétien de Hongrie en l’an 1000, en passant par l’édit de Thessalonique en 380 instituant le christianisme religion d’Etat de l’Empire romain ou encore le baptême de Clovis à Reims en 508.
Autant de temps pendant lequel les peuples nomades se sont progressivement installés, ont assimilé des éléments de la culture romaine et ont apporté leur savoir-faire en matière d’armes et d’orfèvrerie, mais aussi leurs propres rites et croyances.

A Venise, l'exposition Rome et les BarbaresSarcophages, mosaïques, sculptures, textiles, statues, bijoux, manuscrits enluminés, armes, vaisselle, le tout magnifiquement mis en valeur témoignent de ce foisonnement et de ces interpénétrations, tenant toutefois éloignées les sources qui pourraient venir de l’autre rive de la Méditerranée, au demeurant vaguement qualifiées "d’éléments exogènes". Il s’agit de raconter l’histoire de la naissance de l’Europe, entre Italie, où est présentée l’exposition, France (par son commissaire d’exposition, Jean-Jacques Aillagon et son mécène) et Allemagne (manifestation organisée en association avec la Kunst und Ausstellungshalle de Bon). Le propos est on ne peut plus clair.

Rome et les Barbares
Jusqu’au 20 juillet 2008
Palazzo Grassi
Campo San Samuele 3231, Venise
TLJ de 9 h à 19 h
Entrée 15 € (TR 6 €)

Images : Taureau tricorne, II-IIIème siècles, Cutry (France) et Boucle de Saint-Césaire, première moitié du VIème siècle, Arles, Musée départemental antique

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Bien des choses au Théâtre du Rond-Point

François Morel et Olivier Saladin dans Bien des choses au Théâtre du Rond-PointFrançois Morel ne quitte plus les planches du Théâtre du Rond-Point : après Collection particulière en 2006 et Les Diablogues l’année dernière, il revient ce printemps avec Bien des choses, conçu et interprété avec son complice des Deschiens Olivier Saladin.
Plus qu’une lecture, Bien des choses est un véritable spectacle à l’humeur enjouée et désuète, un joli clin d’oeil au passé.

Il évoque le temps, lointain pour beaucoup aujourd’hui, où, installé au bord de la mer ou en voyage en Grèce, l’on prenait plaisir à envoyer des cartes postales à ses amis.
Il se fait ainsi l’écho de ces mots dérisoires et toujours identiques écrits avec la joie du sentiment d’exotisme, mêlée à l’angoisse de la nouveauté et à la nostalgie de son chez-soi.
Mais à travers ces cartes postales, les deux compères, avec une irrésistible moquerie rendent surtout hommage à une certaine classe sociale, peu cultivée et peu coutumière des changements et des grands déplacements, plus soucieuse de son Pernod-Ricard quotidien ou de la tache à faire partir à l’Eau Ecarlate que de la découverte du patrimoine culturel local.
Il y a énormément de tendresse dans ce spectacle, beaucoup d’esprit et d’humour, servis à merveille par deux comédiens désopilants qui aiment leurs personnages et nous les rendent attachants. Pas de prétention et beaucoup de rires dans la petite salle Jean Tardieu pleine à craquer et complice une heure et quart durant.

Bien des choses
Ecrit et mis en scène par François Morel avec la complicité d’Olivier Saladin
Avec François Morel, Olivier Saladin, et la voix Jean Rochefort
Jusqu’au 15 juin 2008
Théâtre du Rond-Point
2bis, av. F. D. Roosevelt – Paris 8ème
A 21 h, représentation supplémentaire samedi 14 à 15 h 30

Photo © Manuelle Toussaint

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