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Sainte Anne, l'ultime chef-d'œuvre de Léonard de Vinci

Sainte-Anne, ultime chef d'oeuvre de Vinci Si la collection de la Reine d’Angleterre est la plus fournie en dessins de Léonard de Vinci, c’est au Louvre que se concentre le plus important ensemble de peintures du maître de la Renaissance : la Joconde bien évidemment, mais aussi notamment la Vierge aux rochers, le Saint-Jean-Baptiste et… la Sainte-Anne.

Sainte-Anne, tableau célèbre, énormément copié au XVIème siècle, inspirant Delacroix au XIXème, puis au XXème Max Ernst (Le baiser, 1927) et même Freud, qui commis une étude à partir de la détection d’un vautour sur le tableau (formé par les jambes un bras de la Vierge) relié à un rêve que Léonard aurait fait dans son enfance… pour ne citer que quelques exemples de sa renommée.

Malgré tout, cette Anne trinitaire demeurait quelque peu en retrait au Louvre : plus exactement, elle se trouvait dans l’ombre que l’épreuve cruelle du temps lui avait infligée au fil des cinq siècles qui nous séparent du moment de sa création : jaunissement et microfissures du vernis, multiplication des couches de peintures liées aux restaurations, sans parler des vilaines taches noires qui constellaient sa surface. Elle était devenue une bien pauvre trinité, salie, aux couleurs pâlottes et aux contours imprécis.

Il a donc fallu prendre le taureau par les cornes pour rendre à Sainte-Anne, à la Vierge, à l’enfant Jésus et même à l’agneau et aux montagnes toute leur dignité.
Mais la prudence s’imposait, les restaurations de chefs-d’œuvre pouvant parfois susciter le scandale (voir la restauration de la chapelle Sixtine dans les années 1980, jugée trop "lumineuse" par certains…). Fut donc mise en place une commission scientifique de haut vol, tandis que Vincent Delieuvin, conservateur au département des Peintures du musée, se lançait dès 2006 dans une passionnante enquête sur l’histoire de ce tableau que Léonard de Vinci commença en 1501, travailla près de 20 ans (envisageant successivement pas moins de trois versions) et laissa inachevé à sa mort en 1519.
Les quatre planches de peuplier du grand tableau (1,68 m par 1,30 m) étaient elles soumises non seulement à la loupe mais aux techniques d’imagerie les plus sophistiquées : pas un mm² de peinture qui n’ait été ausculté. Enfin, Cinzia Pasquali, Parisienne d’origine Italienne fut désignée pour passer à l’acte crucial : restaurer le tableau pour le débarrasser de toutes ses scories et lui rendre son éclat originel. Cette ultime étape seule l’occupa près d’un an et demi…

Sainte-Anne, exposition du Louvre Ne restait alors plus qu’à valoriser ce travail d’orfèvre et toutes ces recherches, et à partager cette renaissance avec le public. C’est chose faite depuis le 29 mars dernier grâce à l’exposition du Louvre qui restera ouverte jusqu’au 25 juin prochain. De l’histoire du tableau, de ses inspirations, de ses copies, de ses suites et de ses copies, tout nous est dit, tout nous est montré, y compris les questions encore en suspens, y compris les "repentirs" de son auteur Léonard.
Pas moins de 134 œuvres entourent le chef-d’œuvre, dont un bon nombre sont aussi des chefs-d’œuvre… Un seul exemple : cette merveilleuse étude pour la tête de la Vierge, venue du Metropolitan Museum of Art. La reine Elisabeth II a elle aussi prêté son ensemble exceptionnel de dessins. C’est bien simple, c’est la première fois de son histoire que son réunis autour du tableau l’ensemble de ses documents préparatoires et de ses copies.
Et le travail d’exposition est si bien fait que l’on suit le parcours non seulement avec une curiosité de tous les instants, mais aussi avec l’agréable impression de tout saisir de l’histoire dense et pleine de rebondissements de cet inoubliable tableau.

La Sainte Anne, l’ultime chef-d’œuvre de Léonard de Vinci
Musée du Louvre
TLJ sauf le mar., de 9 h à 17 h 45, mer. et ven. jsq 21 h 45
Sam. et dim. jsqu 19 h 45
Entrée 11 €
Jusqu’au 25 juin 2012

Images :
Léonard de Vinci, Sainte Anne, vers 1503-1519 © RMN, musée du Louvre / René Gabriel Ojéda
et Léonard de Vinci, Etude pour la tête de la Vierge, vers 1507-1510, New York, The Metropolitan Museum of Art © The Metropolitan Museum of Art, Dist. RMN / image of the MMA

Helmut Newton au Grand Palais

Helmut Newton au Grand Palais, Paris Avec quelques 240 tirages originaux ou d’époque, l’exposition présentée au Grand Palais jusqu’au 17 juin 2012 est la première grande rétrospective consacrée en France au célèbre photographe de mode et de stars Helmut Newton.

Mort en 2004, Helmut Newton est né en 1920 dans une famille juive de la haute bourgeoisie de Berlin, qu’il a dû fuir à l’âge de 18 ans avec l’arrivée du nazisme.

Après un détour par l’Asie et l’Australie (dont il adopta la nationalité et où il rencontra son épouse June Browne), puis par Londres, c’est à Paris que le couple s’installe dans les années 1950, où Newton mène une brillante carrière en travaillant pour l’édition française de Vogue, pour Elle, la revue Egoïste…

Dans les années 1970, il invente le porno-chic, promis à de nombreux développements au cours des décennies suivantes. En 1981, il s’établit définitivement à Monaco, toujours accompagné de son épouse qui mena elle aussi une carrière de photographe – sous le nom d’Alice Springs – et aujourd’hui gardienne du temple Newton depuis le rocher doré.

A la visite de l’exposition, 4 grands thèmes se dégagent : la mode, les portraits, le sexe tendance sado-maso, et les grands nus des années 1980. Tout est diablement chic, plus que soigné : à la fois audacieux et sophistiqué à l’extrême.
Si son style n’avait eu autant d’influence chez ses contemporains et ses successeurs, on pourrait même dire : c’est précisément à cette luxueuse et sulfureuse esthétique qu’on le reconnaît. Mais le fait est que si sa phrase fameuse "Je suis attiré par le mauvais goût, beaucoup plus excitant que le prétendu bon goût, qui n’est qu’une normalisation du regard" se comprend bien tant l’on voit encore à quel point Helmut Newton a brisé pas mal de codes et de tabous, en revanche après plus de trente ans de diffusion du porno-chic, qui oserait qualifier ses photos de mauvais goût ?

Du coup, le regard porté aujourd’hui sur l’œuvre de celui qui fut très longtemps boudé par les musées français révèle davantage la beauté formelle, classique en quelque sorte de ses clichés que leur aspect provocateur et choquant. La plastique des mannequins qu’il choisissait n’est pas étranger à cette impression : ce sont des corps magnifiquement architecturés – comme l’étaient à leur façon les nus antiques -, aux jambes interminables que prolongent encore de vertigineux talons, aux attraits généreux, aux épaules et aux visages volontaires. Les femmes sont le sujet et la structure plastique des images, mais dans lesquelles rien de ce qui les entoure n’est laissé au hasard, qu’il s’agisse des extérieurs nocturnes inspirés de Brassaï dans les rues de Paris, ou des décors luxueux des palaces. Les lignes sont impeccables, les perspectives somptueuses, les mouvements élégamment orchestrés.

Toutes ou presque d’une classe folle, ces photographies auraient sans doute mérité une mis en espace différente. Il flotte en effet dans l’exposition comme une ambiance de hall de gare par jour de grands départs. L’ensemble semble avoir été accroché au chausse-pied et peu pensé, sinon comme reposant uniquement sur le côté tape-à-l’oeil des images pour compenser tout autre exigence. Le public erre à la hâte, cherche en vain des repères, des endroits pour se poser. Dommage, davantage d’espace et un véritable parcours auraient été à la hauteur de l’ambition affichée du Grand Palais, celle de reconnaissance pleine et entière de l’œuvre de l’un des photographes les plus marquants de la deuxième moitié du XXème siècle.

Helmut Newton
Grand Palais
Galerie Sud-Est, av. Winston Churchill – Paris 8ème
M°Champs-Elysées Clemenceau ou Franklin-Roosvelt
TLJ de 10 h à 22 h sf le mar. et le 1er mai
Entrée 11 € (TR 8 €)
Certaines images peuvent heurter la sensibilité du jeune public

Modigliani, Soutine et l'Aventure de Montparnasse

La collection Jonas Netter Après les riches expositions consacrées à Soutine, Vlaminck, Valadon et Utrillo, la Pinacothèque poursuit son chemin de l’Ecole de Paris, tout en s’attachant à mettre en valeur un grand collectionneur, avec un ensemble de plus de 120 tableaux issus de la collection de Jonas Netter.

Inconnu du grand public, Jonas Netter était un commerçant alsacien installé à Paris qui, passionné d’art (aussi bien de peinture que de musique) mais ne pouvant acquérir les artistes alors reconnus comme les impressionnistes, bien trop onéreux pour sa bourse, se dirige grâce au marchand polonais Zborowski vers des peintres moins ou pas connus et commence une merveilleuse collection. Il fut l’un des premier à acheter des toiles de Modigliani, à la suite de Paul Guillaume qui l’avait soutenu Avant-guerre. Il s’entiche aussi de Soutine et de bien d’autres peintres juifs du Montparnasse des Années folles.

L’on retrouve ainsi sur les cimaises de la Pinacothèque des œuvres signées des plus grands peintres de l’Ecole de Paris, à côté de toiles réalisées par des artistes qui n’ont pas passé la postérité. Organisé tout simplement par artiste, le parcours permet de croiser Suzanne Valadon, Maurice Utrillo, André Derain, Amédéo Modigliani, Moïse Kisling, Chaïm Soutine, Maurice de Vlaminck, Michel Kikoïne, Isaac Anchter et bien d’autres. Malgré la diversité des artistes représentés, la cohérence de la collection Netter est bien visible, l’ensemble de tableaux, uniquement figuratifs, étant essentiellement rattaché aux années 1910 et 1920 (avec quelques œuvres des années 1900).

Le moment le plus fort de l’exposition est celui où l’on découvre un ensemble de toiles de Modigliani, accessibles au public pour la première fois. Les quelques dessins qui les accompagnent permettent de relever les inspirations "primitivistes" de l’artiste, avant qu’il ne les transforme en sa manière propre, reconnaissable entre toutes. Sur l’un d’eux, l’on reconnaît une patte très brancusienne qui rappelle son amitié avec le célèbre sculpteur Roumain. Mais ce sont ses grands portraits à l’huile dont on se délecte le plus : la magnifique Elvire à la collerette de l’affiche, mais aussi d’autres portraits de femmes, une délicieuse Fillette en bleu et plusieurs de ses amis (notamment Zborowski et Soutine). Mains croisées sur le ventre, tête penchée, lèvres et joues rougies, de ces personnages hiératiques se dégagent une profondeur et une mélancolie qui les rendent sans âge ni époque, renvoyant davantage à la statuaire médiévale, aux primitifs italiens et aux sourires énigmatiques de la Renaissance qu’à l’expressionnisme du XXème siècle auquel Modigliani appartient.

Parmi les autres chefs d’œuvre du parcours, de magnifiques Soutine comme L’homme au chapeau, l’hyper expressionniste La Folle ou encore un Paysage montagneux à la limite de l’abstraction dont on raffole.
Et en début d’exposition, aux côtés de Valadon, l’on aura retrouvé de ces paysages urbains dont Utrillo avait le secret avec ses magnifiques lignes de fuite, trouées urbaines filant sur des rues désertes et d’émouvantes façades, venant souligner tout le charme du Paris populaire du début du siècle dernier, et qui était aussi celui de l’avant-garde artistique européenne.

Modigliani, Soutine et l’Aventure de Montparnasse
La collection Jonas Netter
Pinacothèque de Paris
8, rue Vignon – 75008 Paris
TLJ de 10h30 à 18h30, jsq 21h les mer. et ven.
Le 1er mai, ouverture de 14h à 18h30 Entrée 10 €
Jusqu’au 9 septembre 2012

Image :
Amedeo Modigliani, Elvire au col blanc (Elvire à la collerette), 1917 ou 1918, huile sur toile, 92 x 65 cm. Collection privée © Photo : Pinacothèque de Paris

Rochers de lettrés, itinéraires de l'art en Chine

Exposition Rochers de lettrés Il faut absolument aller voir l’exposition proposée par le musée Guimet jusqu’au 25 juin prochain, non seulement en raison de sa rareté, mais aussi et peut-être surtout pour le surprenant bienfait régénératif qu’elle apporte.

Les Chinois ont très tôt utilisé les pierres dans leurs jardins (pensés comme représentations de l’univers) comme éléments de symbolisation des montagnes. Porteurs des forces telluriques, les bouts de roche, soigneusement choisis et disposés avaient alors un rôle plus important encore que les éléments végétaux.

Puis, dès le VIIIème siècle, les fonctionnaires chinois, les "lettrés", les ont introduits dans leurs cabinets privés, les posant sur leurs tables comme source d’inspiration et de méditation.
Le lieu où les pierres étaient disposées n’était pas un "bureau", mais au contraire un espace dédié au retrait – retrait par rapport à leur travail au service de l’Etat – où ils prenaient soin de s’extraire de leurs activités extérieures pour s’adonner à l’écriture, à la poésie, au dessin, à la musique, à la contemplation et à la méditation.
Au XIIème siècle, ces pierres ont été montées sur des socles en bois sculpté, voire même, pour les feuilles de marbre, enchâssées dans de petits écrans de bois.
Aujourd’hui encore, ces vénérables rochers, que leurs ancêtres avaient sélectionnés en un nombre limité de sites, demeurent honorés par les artistes chinois, qui les dessinent et les collectionnent.

Pierres, cabinets d’écriture, création contemporaine : tels sont les trois volets que l’exposition du musée Guimet permet d’explorer, guidant le visiteur avec de minimales explications, mais lui laissant le loisir, dans une mise en scène soignée, de s’abîmer sans réserve dans la contemplation de la trentaine de roches exposées, partie la plus marquante du parcours.

Nul besoin de science en effet pour comprendre la fascination des Anciens chinois pour ces bouts de pierre aux dimensions le plus souvent bien modestes, tant est puissante leur force d’évocation. Selon leur densité, leur couleur, leur texture, leur forme ou encore les découpes créées par l’érosion, elles rappellent tour à tour la densité terrestre, le mouvement d’élévation, les transformations naturelles, les règnes végétal et animal, et même l’eau, les nuages ou la voûte céleste. Univers dans l’univers, leur minéralité même appelle le calme, le lien avec la nature, le vide pour re-créer.

Rochers de lettrés, itinéraire de l'art en Chine La suite de la visite, présentant les objets utilisés par les lettrés (repose-pinceaux, pots à pinceaux, pierres à encre, presse-papiers, mobilier) ainsi que quelques œuvres graphiques anciennes est l’occasion de relier ces pierres au contexte de leur utilisation. L’on comprend alors que dans ces "retraites à demi" les lettrés chinois n’étaient pas forcément seuls, pouvant aussi s’adonner aux joies de la conversation pure. Des dessins le révèlent, ainsi que les "sceptres" (souvent faits avec de noueuses racines polies) qui étaient en réalité des objets de discours.

Enfin, les œuvres des artistes contemporains Zeng Xiaojun et Liu Dan, dessins fabuleux à l’encre sur papier de pierres dentelées et de végétaux (impressionnantes glycines du début de l’exposition, magnifique tournesol accompagné d’un extrait en chinois d’une lettre de Vincent Van Gogh à son frère Théo) font le lien entre la Chine millénaire et la Chine d’aujourd’hui, tout en se voulant aussi comme un pont entre l’Empire du Milieu et l’Occident.

Rochers de lettrés, itinéraires de l’art en Chine
Musée Guimet
6, place d’Iéna – Paris 16°
Du mer. au lun., de 10 h à 18 h
De 6 € à 8 €
Jusqu’au 25 juin 2012

Images :
Affiche : © Musée Guimet
Pierre « petite ciselée avec art », xiaolinglong shi, Pierre Lingbi (?) Dynastie Song H. 20 ; L. 9,5 ; Pr. 6 cm Support en bois de zitan, H. 4 x 4 cm © DR / Collection de Mme et M. Ian Wilson

Matisse, paires et séries à Pompidou

Matisse, Paires et séries, Pompidou

Quel printemps, amis Parisiens, quel printemps ! Après Artemisia il y a quinze jours et Degas et le nu le week-end dernier, nous poursuivons l’exploration des expositions de la saison avec autant de joie. Morceau de choix s’il en est, voici Matisse, Paires et séries, présentée à Pompidou jusqu’au 18 juin prochain. Soixante peintures et une trentaine de dessins couvrant plus d’un demi-siècle de la longue carrière d’Henri Matisse (1869-1954) : voici de quoi cheminer gaiement à travers l’ensemble de son œuvre.

Le thème de l’exposition est novateur dans la façon de présenter l’œuvre de Matisse ; pourtant, en la parcourant, cette approche semble relever de l’évidence, tant le travail en série était fondamental chez lui.
Dès le début, avec ses Nature morte, pommes, oranges des années 1898-1899, l’on découvre qu’il a commencé très vite à travailler un même motif sur des toiles de dimensions identiques, en recherchant différents modes de représentation.
Les œuvres sont ainsi accrochées systématiquement deux par deux, ou trois par trois, parfois plus, comme à la toute fin, avec les quatre grandes gouaches découpées des célèbres Nu bleu de 1952.

Entre ces deux points de repère, c’est toute une évolution que l’on suit, avec beaucoup de découvertes et de rapprochements jusqu’alors inédits. Sur le processus de création, l’évocation de l’exposition de la galerie Maeght de 1945 est passionnante : Matisse y fait présenter six de ses œuvres entourées de photographies (tirées aux mêmes dimensions que les peintures) représentant cinq états intermédiaires du tableau ! En effet, depuis les années 1930, l’artiste avait pris l’habitude de faire photographier ses peintures lorsqu’elles lui paraissaient avoir atteint un résultat satisfaisant. C’est ici que l’on comprend que Matisse pouvait changer de nombreuses fois successives la façon de représenter son sujet. Les modifications ne relèvent d’ailleurs pas du détail, loin de là : c’est toute une perspective, un point focal, un objet, des couleurs qui peuvent être remises en cause à chaque fois. Parfois, comme avec Le rêve ou la dormeuse, l’étape ultime du tableau ne semble plus qu’être la représentation d’une idée : tant de clarté dans les teintes, de douceur dans les traits de la femme, de rondeur dans les les lignes de son corps (en contrepoint de la relative dureté géométrique du soubassement de la table et des motifs de la blouse), c’est bien l’idée même de sommeil, de rêve et d’abandon que Matisse nous place sous les yeux.

Toutes les œuvres réunies pour l’occasion sont magnifiques et méritent bien entendu d’être vues pour elles-mêmes. Les motifs – des femmes, des fleurs, quelques vues et paysages, une grande prégnance des décors et des étoffes -, les couleurs – splendides et profondes -, la manière – aplats de peinture, formes de plus en plus simplifiées puis presque stylisées – font des tableaux d’Henri Matisse une peinture éminemment séduisante, à la fois reposante et rafraîchissante. Une occasion de plus de le constater, tout en enrichissant considérablement la connaissance de son œuvre immense.

Matisse, Paires et séries
Centre Pompidou
Jusqu’au 18 juin 2012
TLJ sauf le mardi de 11 h à 21 h, nocturne le jeudi jsq 23 h
Voir toutes les informations pratiques sur le site

Image :
Détail de l’affiche de l’exposition :
Henri Matisse, "La Blouse Roumaine", 1940, Huile sur toile, 92x73cm © Succession H. Matisse – Collection Centre Pompidou / J-C. Planchet / Dist. RMN-GP (à gauche)
Henri Matisse, "Le Rêve ou la Dormeuse", 1940, Huile sur toile, 81x65cm, Succession H. Matisse – Collection particulière (à droite)

Artemisia Gentileschi au musée Maillol

Artemisia Gentileschi, Musee Maillol

Elle est, selon les commissaires de l’exposition "la moins connue des plus grands peintres du XVIIème siècle européen". Née en 1593, Artemisia Gentileschi est la fille d’Orazio Gentileschi, lui-même grand peintre baroque à Rome. Initiée à la peinture par son père, Artemisia a ensuite suivi son propre chemin au fil d’une carrière de premier plan, qui la mena de Rome à Florence, puis de Rome à Naples, avec un passage par l’Angleterre.

Pourquoi est-elle encore si peu connue aujourd’hui ? Sans doute parce qu’étant une femme, l’éclairage de son œuvre s’est au fil des siècles avéré moins favorable que celui apporté aux peintres hommes. Mais surtout, parce qu’au XXème siècle, son travail a été essentiellement abordé sous un aspect psychologisant, avec une lecture de ses tableaux avant tout biographique, ramenant leurs thématiques au traumatisme qu’elle a subi à l’âge de 17 ans, violée par un peintre collègue de son peintre, événement suivi d’un retentissant procès.
Or, s’il est vrai que les représentations violentes issues de la mythologie sont bien présentes dans son œuvre, comme le Suicide de Lucrèce, Artemisia Gentileschi ne s’est pas, loin de là, enfermée dans cette voie. Et si elle a peint beaucoup de femmes, à travers des portraits, des peintures religieuses ou d’histoire, ces thèmes ne sont que le reflet des goûts de l’époque.

La rétrospective du Musée Maillol, une première dans notre pays, permet enfin au public français de découvrir l’œuvre d’Artemisia Gentileschi.
A rebours chronologique, l’exposition débute avec par la période napolitaine, où l’artiste, entre 1630 et 1654, à l’apogée de son art, connaît son plus grand succès international.
C’est ici que l’on admire quelques uns de ses plus beaux tableaux. Si l’on tombe en premier regard sur un impressionnant Suzanne et les vieillards, la visite démarre à proprement parler avec une très belle suite de femmes : un autoportrait, deux Madeleine, une Cléopâtre. La maîtrise de la lumière et des expressions apparaissent d’emblée dans ces portraits cadrés en très gros plans. L’on retrouve ce talent pour montrer la nuance d’expressions dans un grand Nymphe Corisca et le Satyre, où la nymphe, non dénuée d’ambiguïté, a un air légèrement moqueur. Quant à L’Allégorie de la peinture, on se demande si son auteur la prend véritablement au sérieux…

Les autres sections montrent les différentes phases de son œuvres, avec notamment de délicieuses Vierge à l’enfant, dont deux placées côte à côte permettent de relever l’évolution de l’artiste entre 1608-09 et 1616-18 : entre ces deux périodes, Artemisia s’est détachée du style de son père marqué par des couleurs claires, pour accentuer les contrastes clairs-obscurs et celui des couleurs, et donner davantage de présence à des personnages.
Cette heureuse manière se retrouve dans deux merveilleuses huiles sur cuivre de dimensions modestes, mais si délicates et lumineuses : une Danaé recevant la pluie d’or et une Vierge au rosaire de 1651. Cette dernière est installée dans une petite salle à part, à côté d’un David méditant devant la tête de Goliath, œuvre de son père Orazio Gentileschi, découverte quelques semaines seulement avant l’ouverture de l’exposition et brillant exemple de peinture sur pierre, avec un précieux lapis-lazuli afghan d’un bleu inoubliable.

Artemisia
Pouvoir, gloire et passions d’une femme peintre
Musée Maillol
61, rue de Grenelle 75007 PARIS
TLJ même les jours fériés, de 10h30 à 19h
Nocturne le vendredi jusqu’à 21h30
Entrée plein tarif 11 €
Jusqu’au 15 juillet 2012

A voir aussi en ce moment au 2ème étage du Musée Maillol : des tableaux de la désormais célèbre Séraphine, si colorés, lumineux et pleins de vie !

Images :
Artemisia Gentileschi, Danaé, c. 1612, huile sur cuivre, 41,3 x 52,7 cm © Saint Louis, The Saint Louis Art Museum

Degas et le nu au Musée d'Orsay

Après le bain, femme nue s'essuyant les pieds, Degas et le nu Il s’agit assurément de l’une des plus belles expositions de ce début de printemps. Degas et le nu est une merveilleuse façon de traverser le parcours de cet artiste majeur du XIXème siècle (1834-1917) qui a fait la transition entre l’Académisme et la modernité avec une extraordinaire souplesse.

Au départ, cet enfant de la haute bourgeoisie est formé à l’école ingresque classique, enseignement qu’il complète par la fréquentation des maîtres de la Renaissance italienne. Ses premiers dessins ici exposés témoignent de cette parfaite maîtrise du dessin, qui lui donnera sans doute plus tard l’aisance pour appréhender le corps de manière beaucoup moins conventionnelle. Rare corps masculin du parcours, son Nu aux bras croisés exécuté à la sanguine en 1857 relève certes de la tradition du nu en atelier d’après modèle, mais annonce déjà le désir d’une approche plus "naturelle", avec une pose en équilibre d’une étonnante décontraction.

Ses premiers grands tableaux appartiennent encore à la peinture d’histoire. Ils sont surprenants, quand on ne connaît que ce qui a fait plus tard le succès d’Edgar Degas ! Mais dans les années 1860, en s’essayant à des compositions historiques ou mythologiques, il était bien de son temps… Voici donc un très classique Petites filles spartiates provoquant les garçons, suivi d’une Scène de guerre au Moyen-Age entourée d’un ensemble aussi complet qu’intéressant de dessins préparatoires, où l’on voit que l’artiste commence à se défaire de sa formation académique, pour à la fois s’inspirer de certaines scènes des Désastres de la guerre de Goya, et innover de nouvelles postures des corps. D’ailleurs, ces dernières ne sont pas sans annoncer les baigneuses qu’il réalisera plus tard…

C’est une veine résolument naturaliste qu’il entreprend dans les années suivantes, oubliant les canons classiques, pour dévoiler les corps féminins tels qu’ils sont intrinsèquement, mais aussi tels qu’ils se tiennent, se courbent, s’abandonnent… Il ne semble y avoir chez le Degas moderne nulle recherche purement esthétique ou sensuelle, mais uniquement le désir de montrer la vérité des corps dénudés, là où ils se trouvent. C’est ainsi que l’on découvre, dans une salle améthyste à l’ambiance boudoir, une suite sur le thème des maisons closes, occasion pour l’artiste de se faire, comme les écrivains d’alors, chroniqueur de la réalité sociale, sans exclure de cette approche les rapports hommes/femmes sous un angle particulier : celui de l’homme qui va perdre sa morale et sa santé auprès des prostituées, alors que son célèbre tableau Le viol (venu du Phildelphia Museum of Art) souligne la domination masculine avec une violence rarement vue ailleurs chez Degas.

Femme se peignant, Degas et le nu Puis, de plus en plus, sur dessins, monotypes et pastels, Degas travaille le thème des baigneuses, avec une prédilection pour les femmes se coiffant. Il atteint dans ce registre, et en utilisant à merveille le pastel, une maîtrise éblouissante, livrant dans les années 1880 une multitude de chefs d’oeuvres sur papier – dont il faut profiter ici pleinement, car leur fragilité ne permet pas au musée de les exposer fréquemment.

Degas transpose également ces magnifiques modelés en sculpture : outre les fameuses danseuses qui soulignent son travail sur le corps en mouvement, la statuette en bronze Le tub, montrant une femme étendue sur le dos dans son bain mais jambes repliées, est passionnante à regarder sous tous ses angles.

La dernière salle, à travers une poignée de tableaux seulement, permet de se faire une idée de l’étendue du "legs" de Degas : Bonnard, Picasso et Cézanne notamment n’aborderont le nu qu’instruits de l’immense travail de "dé-idéalisation" du corps et des recherches sur le modelé et le mouvement d’Edgar Degas.

Degas et le nu
Musée d’Orsay
1 rue de la Légion d’Honneur – Paris 7°
TLJ sauf le lun., de 9h30 à 18h, le jeu. jsq 21h45
Entrée 12 € (TR 9,5 €)
Jusqu’au 1er juillet 2012

Publications : outre le catalogue de l’exposition, voir notamment le Hors-série Découvertes Gallimard, Degas et le nu par Xavier Rey (8,40 €)

Images :
Edgar Degas, Après le bain, une femme s’essuyant les pieds, 1886, Pastel sur carton, 54 x 52 cm, Paris, musée d’Orsay, legs du comte Isaac de Camondo, 1911 © RMN (Musée d’Orsay) / Hervé Lewandowski
Edgar Degas, Femme se peignant ou La Chevelure, entre 1886 et 1890, Pastel sur papier beige collé sur carton, 82 x 57 cm, Paris, musée d’Orsay © RMN (Musée d’Orsay) / Hervé Lewandowski

Debussy, la musique et les arts

La grande Vague, Hokusai, Debussy, la musique et les arts

Les îles d’or et L’air du soir de Cross, la Vague d’Hokusaï, les Rosiers sous les arbres de Klimt… voici quelques uns des nombreux tableaux visibles à la splendide exposition – organisée par le Musée d’Orsay – qui vient d’ouvrir au Musée de l’Orangerie.

Il s’agit de l’une des différentes manifestations qui viennent célébrer cette année le 150ème anniversaire de la naissance de Claude Debussy, avec notamment un cycle de concerts du 16 février au 22 mai au musée d’Orsay et Pelléas et Mélisande dans la mise en scène de Bob Wilson du 28 février au 16 mars à l’Opéra Bastille.

L’exposition séduit par son intelligence tant ses commissaires ont su restituer la diversité des correspondances entre l’art du musicien et les arts plastiques et poétiques de son époque. A cette diversité, la musique de Debussy donne sa cohérence, réunissant des influences caractérisées par la rareté, le raffinement, la fraîcheur, l’onde, le nocturne, l’aérien ou encore la volute… dans une tension merveilleusement résolue entre sophistication et naturel. Articulée en sections thématiques, pratiquement dépourvue de musique (à chaque lieu son moment), l’exposition est un ravissement pour les yeux. Le plaisir aurait pu être plus complet encore si ses organisateurs n’avaient pas commis deux erreurs pratiques.

Cross, Iles d'Or, Debussy, la musique et les arts La première est le choix des lettres blanches sur fond bleu clair pour les cartels (le même bleu habille l’ensemble des murs) : alors que pour bien des œuvres présentées, le titre prolonge l’esthétique du tableau ou de l’objet, renvoyant en lui-même bien souvent à la musique de Debussy et inversement, les titres sont quasiment illisibles ! Un autre point laisse tout aussi perplexe : la section consacrée à l’Art nouveau et au japonisme est abritée derrière un filet noir certes très fin mais qui devient d’autant plus visible que l’on se rapproche des œuvres… faites de mille détails comme on sait ! Le même voile noir nous tient également à distance de La Petite Châtelaine et des Implorantes de Camille Claudel… dommage de réduire ainsi des sculptures à une double dimension seulement ! Choix d’autant plus mystérieux que l’on ne saurait reprocher à Guy Cogeval, président du Musée d’Orsay et de celui de l’Orangerie, de ne pas savoir mettre en valeur les œuvres : sa récente et excellente rénovation du Musée d’Orsay démontre l’exact contraire.

Amateur de peinture, de poésie et d’arts décoratifs, Claude Debussy a été l’ami du peintre Henry Lerolle, dont on peut admirer quelques tableaux d’intérieur, d’apparence sage mais aussi lumineux que délicats, du compositeur Ernest Chausson et du conseiller d’Etat Arthur Fontaine, tous trois unis par leurs épouses nées Escudier, musiciennes et modèles de nombreux peintres.
Ces trois familles soutiennent le compositeur dès les années 1890, et c’est chez elles qu’il rencontre Edgar Degas, Odilon Redon ou Maurice Denis… mais aussi André Gide ou Paul Valéry.
Ses sources d’inspiration vont des préraphaélites anglais comme Rossetti (La Demoiselle Elue) au modernisme de Munch et de Kandinsky, en passant par le Symbolisme, la redécouverte de l’Antique, l’Art nouveau et l’Orientalisme : de toutes ces esthétiques, Claude Debussy s’entoure et fait son miel.

Les projets de costumes et de décors restituent ses œuvres scéniques : Pelléas et Mélisandre bien sûr, mis en perspective avec des lithographies de Munch, mais aussi Le Martyre de Saint-Sébastien (magnifiques décors de Léon Bakst), et Jeux, où l’on découvre des esquisses de décor de Pierre Bonnard.
L’on voudrait citer toutes les œuvres, tant sont nombreuses les résonances plastiques et musicales dans l’univers de Debussy. D’un Après-midi d’un Faune de Gauguin à La Musique de Vuillard, de la Mer aux marines de Degas et de Manet et aux verreries de Gallé, et jusqu’au Pagodes et Estampes japonaises… Debussy semble être partout et tout semble être chez Debussy à cette vraiment très très "Belle époque".

Musée de l’Orangerie
Jardin des Tuileries 75001 Paris
Informations pratiques sur le site de l’Orangerie
Commissaires : Guy Cogeval, président de l’Etablissement public des musées d’Orsay et de l’Orangerie, Jean-Michel Nectoux, musicologue au CNRS et Xavier Rey, conservateur au musée d’Orsay
Jusqu’au 11 juin 2012

Images :
Katsushika Hokusai, Sous la grande vague à Kanagawa, 1830-1833, Paris, Musée national des arts asiatiques, Guimet
Henri-Edmond Cross Les Iles d’Or © RMN (Musée d’Orsay)

Jacqueline Kiang. Sentiers insoupçonnés

Jacqueline Kiang à la galerie Frédéric Moisan, Paris

Frédéric Moisan est un galeriste parisien dont on aime suivre les choix, tant les artistes qu’il expose présentent dans leur diversité et celle de leurs supports une grande cohérence. L’on a pu admirer dans sa galerie par exemple les photos de François Sagne, les œuvres sur papier de Denis Polge, les photos retravaillées de Bernard Guillot… Des artistes reliés entre eux par un même fil, celui de la poésie et de la rêverie.

Jacqueline Kiang, que Frédéric Moisan présente pour la deuxième fois, appartient bien à cette lignée. Cette femme aux longs cheveux gris, élégante et naturelle, peau fine et attaches délicates, explique avec sa gentillesse et sa courtoisie extrêmes que si son âge ne lui permet plus de voyager comme autrefois, c’est à travers son art qu’elle le fait désormais et retrouve de beaux souvenirs.

Son accent new-yorkais natal semble s’être mâtiné au fil du temps d’autres influences. Avant même de lui demander lesquelles, ses œuvres nous mettent sur la voie de l’Italie, où elle a effectivement vécut de nombreuses années et qui l’on profondément marquée.
Ses œuvres sur papier – une quarantaine est actuellement visible sur les murs de la galerie – associent différentes techniques (éléments gravés, collages, aquarelle, gouache, encre…) pour former des compositions extrêmement équilibrées, solides malgré leur apparente légèreté et leur petit format de 40 cm x 30 cm.
Elles "installent" d’emblée le regard, sollicitant l’imagination tant par leurs splendides couleurs nuancées que par leurs formes, composant des ensembles aux approches multiples.

Si les titres ou les inscriptions de certaines œuvres sont des hommages directs à l’Italie, le pinceau de Jacqueline Kiang parle aussi de lui-même, choisissant une palette lumineuse d’ocres, de mauves, de bleus méditerranéens qui parfois autour d’espaces blancs font place à davantage de clarté encore, quand les formes évoquent tour à tour la densité architecturale, la légèreté du linge, la transparence de l’air et de l’eau.
Outre la palette impressionniste, l’on retrouve aussi la délicatesse orientale et la minutie ornementale des miniatures : nul doute que ce que Jacqueline Kiang, aujourd’hui installée à Paris, restitue sur le papier est une vie extraordinairement riche en observation, en rencontres, et en amour de la beauté.

Jacqueline Kiang
Sentiers insoupçonnés
Technique mixte sur papier
Galerie Frédéric Moisan
72, rue Mazarine – Paris 6ème
Du mardi au samedi de 11 h à 19 h
Ouvert exceptionnellement pendant l’exposition les dimanches de 15h30 à 19 h
Jusqu’au 3 mars 2012
Entrée libre

Durant l’exposition, Frédéric Moisan présente dans un espace de sa galerie un accrochage de ses artistes permanents.

Image : Secrets d’automne, 2010, technique mixte sur papier

Marcel Storr. Bâtisseur visionnaire

Bâtisseur Visionnaire

Quel est cet inconnu dont on ne sort qu’aujourd’hui les superbes dessins merveilleusement colorés ?
Un bâtisseur un peu fou, maintenant mort depuis 30 ans, et dont on ne découvre l’œuvre que grâce à la passion d’un couple bombé amoureux de ses dessins. Par bonheur, ils sont dans leur totalité (une soixantaine s seulement, mais quel travail derrière chacun d’eux !) visibles jusqu’au 31 mars au Carré Baudouin dans le 20ème arrondissement de Paris.

L’exposition est un voyage dans un autre monde construit de toutes pièces par un "non-artiste", au sens où Marcel Storr s’est fait tout seul après une enfance digne des Misérables, orphelin devenu sourd après avoir été battu dans la ferme où il était placé, n’ayant jamais appris les techniques des beaux-arts, mais ayant passé sa vie à dessiner, totalement dans l’ombre après ses journées de travail physique – il a été tour à tour balayeur, empierreur aux parcs et jardins de la Ville de Paris…

Sa production artistique s’échelonne de 1930 (il n’avait alors pas 20 ans) à 1975. Le parcours, chronologique, montre une grande évolution sur cette longue durée. Si l’on y retrouve toujours un art du dessin extraordinaire (malgré un non-académisme donnant lieu à une interprétation parfois fantaisiste des règles de la perspective), un soin du détail obstiné, un goût exclusif pour le motif architectural monumental qui remplit tout le papier, en revanche plus Marcel Storr avance dans son œuvre, plus il élève et élargit ses représentations.
D’abord, ce ne sont que des cathédrales, puis des tours immenses – le conduisant parfois au polyptyque. Enfin, ce sont carrément des mégapoles sur grands formats où, dans une ambiance futuriste, la place laissée à l’humain est toujours aussi réduite – au plus, de minuscules traits noirs.

Marcel Storr, exposition au Carré Baudoin Les couleurs qu’il passait ensuite avec un soin toujours aussi poussé sur un papier buriné par la pointe de sa plume sur-appuyée sont splendides, chaudes, faites de jaunes, d’oranges, de rouges et de violines chatoyants.
Comme si par les couleurs Marcel Storr venait enchanter quelque peu un monde de constructions étouffant, écrasant, d’une effrayante modernité.

Marcel Storr
Bâtisseur visionnaire
Pavillon Carré Baudouin
121 rue de Ménilmontant – Paris 20°
Du mardi au samedi de 11 h à 18 h
Jusqu’au 31 mars 2012
Entrée libre