Autour de 1900 : un ensemble Art nouveau. La donation Rispal

rispalcobra Antonin Rispal fut un passionné à qui les amateurs d’Art Nouveau peuvent dire un grand merci !

Une gratitude qui vaut aussi pour son épouse et sa fille, qui ont fait donation au Musée d’Orsay, deux après sa mort, de 300 pièces de son exceptionnelle collection.

Auvergnat venu en 1945 à Paris où il réussit dans l’hôtellerie, Antonin Rispal (1920-2003) s’éprend d’objets et meubles "style 1900" et commence très vite à les collectionner.

Ainsi, dans les années 1960, il va s’attacher à défendre un Art Nouveau, qui en avait alors bien besoin.

Ce style d’art décoratif, né à la fin du XIX° siècle, associé à la ligne courbe, sinueuse, asymétrique ; à l’emploi de formes organiques ou naturelles et à des structures géométriques, était en effet tombé dans le mépris dès les années 1910.

Pour accueillir la donation, le Musée d’Orsay organise une exceptionnelle exposition.

Le public découvrira ainsi une rare table à ouvrage en marqueterie de Dielh, présentée à l’Exposition universelle de 1878, ornée de petites tortues et sauterelles en bronze ; une cheminée élancée en bois sculptée qui n’est pas sans rappeler les célèbres entrées en fonte du métro parisien dessinées par Guimard, dont on verra, un peu plus loin, un modèle de plaque en plâtre satiné.

On admirera le mobilier de Pérol, aux formes courbes, en acajou orné de cuivre doré, celui de Bugatti, qui allie des formes géométriques et légères à un travail de marqueterie d’os et d’incrustation d’étain, presque d’inspiration andalouse, la vitrine Orchidées de Majorelle, un bureau de dame de Gallé, de magnifiques vases en verre translucide bleu et violet de Jean, aux lignes douces en volutes et corolles…

Dans le dernier espace, consacré au souvenir de Sarah Bernardt, une verrière à quatre panneaux déploie ses couleurs, un très beau lampadaire en métal patiné s’orne de roseaux et libellules…

Une exposition exemplaire des arts décoratifs de style 1900, qui avaient été inspirés par le désir de rompre avec les styles antérieurs, avec un objectif nouveau : rendre les arts décoratifs accessibles à des classes sociales plus étendues…


Le coup de coeur Mag :

Des sculptures de verre, oeuvres de Josette Rispal, fille du collectionneur, émaillent l’exposition. Ainsi, dans le 2ème espace, de surprenantes Fleurs lunaires et Fleurs intérieures sont posées à même le sol en un émouvant bosquet en verre de Murano, aux couleurs bleu, rouge, violet, vert, toutes magnifiques.
Un ensemble floral devant lequel on reste longtemps, fasciné par ce troublant mélange de force et de fragilité, de matière et de poésie, de naturel et de sophistication…
Une vraie découverte.

Musée d’Orsay 1 rue de la Légion d’Honneur Paris 7ème
Jusqu’au 28 janvier, TLJ sauf le lundi, de 9h30 à 18h et le jeudi jusqu’à 21h45
Tarif : 7,50 € (le dimanche : 5,50 €)
Gratuit le 1er dimanche du mois
Catalogue de l’exposition : 60 €
Photo : Presse-papier de Jean Dunand

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Proust : Un amour de Swann

proust&Dans le premier volume de la Recherche, Proust brosse le portrait de Charles Swann, être raffiné, cultivé, discret, reçu dans les milieux les plus élevés.

N’est-il pas celui qui a cette phrase merveilleuse :

"Ce que je reproche aux journaux, c’est de nous faire faire attention tout les jours à des choses insignifiantes, tandis que nous lisons trois ou quatre fois dans notre vie les livres où il y a les choses essentielles."

Sa passion pour Odette de Crécy, « cocotte » qui deviendra sa femme, va l’emmener à fréquenter assidûment les mercredi de Mme Verdurin, cercle réunissant quelques artistes, médecins, milieu petit bourgeois où il n’aurait jamais mis les pieds s’il n’avait voulu Odette pour lui tout seul.

Morceaux choisis de cet amour fou.

L’émotion de l’attente :

Et il s’était si bien dédoublé que l’attente de l’instant imminent où il allait se retrouver en face d’elle le secoua d’un de ces sanglots qu’un beau vers ou une triste nouvelle provoquent en nous, non pas quand nous sommes seuls, mais si nous les apprenons à des amis en qui nous nous apercevons comme un autre dont l’émotion probable les attendrit.

L’anxiété et la jalousie:

Il la voyait mais n’osait pas rester de peur de l’irriter en l’ayant l’air d’épier les plaisirs qu’elle prenait avec d’autres et qui – tandis qu’il rentrait solitaire, qu’il allait se coucher anxieux comme je devais l’être moi-même quelques années plus tard les soirs où il viendrait dîner à la maison, à Combray lui semblaient illimités parce qu’il n’en avait pas vu la fin.

L’aveuglement :

Swann comme beaucoup de gens avait l’esprit paresseux et manquait d’invention. Il savait bien comme une vérité générale que la vie des êtres est pleine de contrastes, mais, pour chaque être en particulier, il imaginait toute la part de sa vie qu’il ne connaissait pas comme identique à la partie qu’il connaissait. Il imaginait ce qu’on lui taisait à l’aide de ce qu’on lui disait.

Le désespoir lorsque Odette lève le voile sur ses « quelques » tromperies :

Swann avait envisagé toutes les possibilités. La réalité est donc quelque chose qui n’a aucun rapport avec les possibilités, pas plus qu’un coup de couteau que nous recevons avec les légers mouvements des nuages au dessus de notre tête, puisque ces mots « deux ou trois fois » marquèrent à vif une sorte de croix dans son coeur.

Les grandes lignes des rapports que le narrateur lui-même établira plus tard avec les femmes, notamment Gilberte, la fille de Swann, sont peut-être tracées …

Bon week-end à tous !

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La ferme africaine – Karen Blixen

afrique.gifLes éditions Gallimard viennent de publier dans la collection Quarto un appétissant volume Afrique dans lequel sont rassemblés pour la première fois tous les textes, dont certains inédits en français, que Karen Blixen (1885-1962) consacra à l’Afrique : des lettres, des poèmes, et bien sûr La Ferme Africaine.

C’est l’occasion de découvrir ou redécouvrir (dans la récente traduction d’Alain Gnaedig) ce superbe récit.

Karen Blixen, arrivée en Afrique Orientale anglaise en 1914, y raconte sa vie quotidienne dans la plantation de café qu’elle exploite dans les montagnes Ngong.

Il s’agit avant tout d’une histoire d’amour, celle que Blixen éprouve pour ce pays, où elle espérait finir ses jours, alors qu’elle le quittera en 1931, contrainte de vendre sa ferme, le coeur serré.

L’auteur évoque ses rencontres, ses attachements : « ses gens », serviteurs fidèles, qu’elle traitait avec infiniment d’équité et dont elle apprenait beaucoup ; les tribus indigènes dont elle réussissait à régler les inextricables conflits ; ses amis blancs, qui venaient à la ferme parler de littérature et partager du bon vin dans ses verres en cristal.

Indigènes et colons, tous sont des hommes blessés, cabossés, un peu fous, presque des personnages de tragédie qui trouvent dans la ferme un havre de paix.

Karen Blixen émeut mieux que quiconque en évoquant, la foi chrétienne chevillée au corps, la beauté de l’iguane, la grâce de l’antilope, la tristesse de la girafe, la résignation du boeuf. Elle se souvient des soirées passées sous la voûte étoilée lors des safari : « Je ne faisais plus qu’un avec le monde, j’étais l’herbe et le brin d’herbe, les montagnes invisibles et les boeufs épuisés, je respirais au rythme du vent dans les arbres. »

L’Afrique que raconte Blixen c’est aussi le sang versé, le miel qui apaise, la beauté des guerriers aux maxilaires saillantes et aux pomettes de soie ; le brûlé de l’encens qui embaume les huttes ; l’ocre, le carmin, le safran et l’indigo.
C’est aussi toutes les magies, celle du silence, celle de la parole, celle de l’écriture.


Les coups de coeur Mag :

A bord du bateau qui l’amène en Afrique, elle rencontre d’autres grands voyageurs :

Un soir, alors que nous jouions aux cartes, le voyageur anglais nous parla du Mexique et nous raconta qu’une Espagnole très âgée, qui vivait dans une propriété isolée dans les montagnes, ayant appris la venue d’un étranger, l’avait prié de venir la voir et de lui apprendre ce qui s’était passé de nouveau dans le monde. « Aujourd’hui les hommes peuvent voler, Madame, avait-il dit. – Oui, j’en ai entendu parler, et je me suis disputée à ce sujet avec mon curé. Vous allez pouvoir nous départager. Dites-moi, les hommes volent-ils les jambes repliées, comme les moineaux, ou allongées en arrière, comme les cigognes? »

Et aussi, l’enterrement de son ami Denys dans la montagne, à l’endroit même qu’il avait choisi, à l’abri du vent, avec vue sur le Mont Kenya et le Kilimandjaro. Des dispositions que Karen respectera à la lettre et de tout son coeur. Un enterrement de rêve.

Afrique de Karen Blixen
"Quarto" Gallimard
1136 p., 25 €
La Ferme africaine en Folio, 7 €

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Au temps des cubistes 1910-1920

cubisteEn 1907, Picasso et Braque initient le cubisme, impressionnés par les oeuvres de Cézanne.

Le peintre d’Aix-en-Provence en rétablissant son importance au modelé, qui avait été « sacrifié » par l’impressionnisme, a en effet contribué à l’avènement de ce mouvement.
« Le cubisme descend de Cézanne, qui disait que tout est cylindre ou cube » écrit Henri Matisse.

L’idée de ses fondateurs est de rendre compte du réel, sans chercher à imiter le visible. Pour ce faire, ils coupent les plans, bouleversent les perspectives. Ils transforment totalement la représentation.

Ce qui ne les empêchent pas de revenir à des principes classiques tels que la géométrie, la solidité des volumes, la discipline constructive.

Si les oeuvres cubistes de Picasso et Braque sont connues, on ignore en revanche qu’un grand nombre de peintres ont suivi ce mouvement et y ont contribué de manières variées.

C’est ce que prouve le formidable travail réalisé par la galerie Berès, réunissant, dans ses deux espaces, des peintres cubistes de sensibilités très différentes.
C’est un ensemble de 250 oeuvres qui est ainsi exposé : de très belles gouaches et aquarelles, mais aussi des dessins au fusain et à l’encre de Chine, regroupés dans une salle en une harmonie de noirs, gris et blancs très réussie.

Du trait géométrique d’Albert Gleizes au raffinement et la sobriété de Marcoussis, des toiles à la gamme chromatique restreinte, en camaïeux de beiges et gris de Henri Laurens, Jacques Lipchitz, et surtout de Juan Gris, au travail sur la couleur de Delaunay, en passant par un très beau pastel de Franz Kupka, mais aussi des oeuves de Fernand Léger, Picasso et bien d’autres, l’harmonie des formes et des couleurs, l’impression de cohérence sont toujours présentes.

On est séduit par ces découvertes, par ce cubisme-là, fécond, varié. C’est une exposition rare, à ne surtout pas manquer.


Le coup de coeur Mag :

Les toiles de Serge Ferat, souvent de dimensions modestes, au dessin finement travaillé et aux couleurs riches, qui dégagent une poésie et une fraîcheur inattendues. (ci-dessus, Nature morte au chapeau et au raisin).

Galerie Berès – 25 quai Voltaire et 35 rue de Beaune Paris 7ème
Jusqu’au 27 janvier, de 10h à 19h sauf dimanche et fêtes
Catalogue de l’exposition : 90 €
Affiche : 10 €
Entrée libre

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La petite madeleine de Proust

proust&En novembre 1913, Marcel Proust publie à compte d’auteur le premier volume de la Recherche, Du côté de chez Swann.

Les éditions Gallimard acceptent rapidement le deuxième volume, À l’ombre des jeunes filles en fleurs, pour lequel il reçoit le prix Goncourt en 1919.

Le dernier volume, le Temps retrouvé, sera publié en 1927.

Le passage le plus fameux de son œuvre est celui de la petite madeleine qu’il déguste avec une cuillère de thé, saveur grâce à laquelle il va retrouver un doux souvenir.

C’est le tout début de la recherche du temps perdu, qu’il poursuivra sur plus de 3000 pages. Depuis près d’un siècle, cette quête, portée par une écriture incomparable, touche inlassablement le lecteur.

L’extrait de la petite madeleine, c’est la très chaleureuse invitation de Mag à lire ou relire, toutes affaires cessantes, l’oeuvre de Marcel Proust.

Bon week-end à tous.

« Il y avait déjà bien des années que, de Combray, tout ce qui n’était pas le théâtre et le drame de mon coucher, n’existait plus pour moi, quand un jour d’hiver, comme je rentrais à la maison, ma mère, voyant que j’avais froid, me proposa de me faire prendre, contre mon habitude, un peu de thé. Je refusai d’abord et, je ne sais pourquoi, me ravisai. Elle envoya chercher un de ces gâteaux courts et dodus appelés Petites Madeleines qui semblent avoir été moulés dans la valve rainurée d’une coquille de Saint-Jacques. Et bientôt, finalement, accablé par la morne journée et la perspective d’un triste lendemain, je portai à mes lèvres une cuillerée du thé où j’avais laissé s’amollir un morceau de madeleine. Mais à l’instant même où la gorgée mêlée des miettes du gâteau toucha mon palais, je tressaillis, attentif à ce qui se passait d’extraordinaire en moi. Un plaisir délicieux m’avait envahi, isolé, sans la notion de sa cause. Il m’avait aussitôt rendu les vicissitudes de la vie indifférentes, ses désastres inoffensifs, sa brièveté illusoire, de la même façon qu’opère l’amour, en me remplissant d’une essence précieuse : ou plutôt cette essence n’était pas en moi, elle était moi. (…)
Et tout à coup le souvenir m’est apparu. Ce goût, c’était celui du petit morceau de madeleine que le dimanche matin à Combray (parce que ce jour-là je ne sortais pas avant l’heure de la messe), quand j’allais lui dire bonjour dans sa chambre, ma tante Léonie m’offrait après l’avoir trempé dans son infusion de thé ou de tilleul. (…) Mais, quand d’un passé ancien rien ne subsiste, après la mort des êtres, après la destruction des choses, seules, les plus frêles mais plus vivaces, plus immatérielles, plus persistantes, plus fidèles, l’odeur et la saveur restent encore longtemps, comme des âmes, à se rappeler, à attendre, à espérer, sur la ruine de tout le reste, à porter sans fléchir, sur leur gouttelette presque impalpable, l’édifice immense du souvenir. »

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Katagami, les pochoirs japonais et la japonisme

katagamiLes Katagami sont des pochoirs en papier utilisés au Japon dès le XIII° siècle pour décorer les tissus.

Les modèles en papier brun présentés dans la première partie de l’exposition nous donnent un aperçu de la variété des motifs choisis, qui puisaient leur source dans les mondes animal, végétal et plus particulièrement floral, avec une infinie poésie. Il n’y a d’ailleurs qu’à lire le nom de certains d’entre eux pour commencer à rêver : Feuilles de cerisier au fil de l’eau, Fleurs de prunier, motifs d’oxalides en arabesques

Des costumes, notamment des kimonos décorés à l’aide de ces pochoirs, avec leurs belles teintes profondes nous donnent une idée de l’élégance des réalisations rendues possibles grâce à cette technique.

Datant essentiellement des XVIII et XIX° siècles, âge d’or des Katagami, ils nous paraissent cependant d’une grande modernité.
La raison en est essentiellement que cette beauté épurée a plus tard séduit les Occidentaux : à la fin du XIX° et au début du XX° siècles, les mouvements Art nouveau puis Art déco vont trouver une formidable inspiration dans ce qu’on va alors appeler le japonisme : les volutes, courbes sinueuses et épurées, motifs stylisés inspirés de la nature seront repris dans l’architecture (Hoffmann à Vienne, Guimard à Paris), le mobilier, les arts décoratifs, les bijoux … Dans cette deuxième partie de l’expo, on admire meubles, afiches, frises de Gustav Klimt, couvertures de livres, mais aussi les splendeurs que, dans cette veine, Lalique a créées : vases en verre dépoli, bijoux aux lignes ondulées, d’un raffinement et d’une simplicité remarquables.


Le coup de coeur Mag :

A la finesse des motifs floraux de la première partie de l’exposition répond celle d’une écharpe de soie brodée simplement baptisée "Champ de marguerites", en teintes délicates et lumineuses. Du XVIII° siècle japonnais au XX° siècle européen : de superbes réinterprétations dont on ne peut que se réjouir.

Maison de la culture du Japon à Paris – 101 bis, quai Branly à Paris 15ème
Jusqu’au 20 janvier 2007, du mardi au samedi de 12h à 19h / Nocturne le jeudi jusqu’à 20h.
Tarif : 6 € (TR 4 €)
Catalogue de l’exposition : 30 €
M° Bir Hakeim/ Rer Champs de Mars Tour Eiffel

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El Violin (Le Violon). Francisco Vargas

violonDans les montagnes d’Amérique du Sud, des paysans luttent contre la dictature, dans l’espoir de recouvrer quelques droits, un peu de liberté.
Parmi eux, un grand-père, Don Plutarco, son fils Genaro et son petit-fils Lucio essaient d’améliorer le quotidien en jouant de la musique. Mais l’armée attaque leur village et ils doivent se réfugier dans la sierra, laissant derrière eux un stock de munitions que Genaro essaie en vain de récupérer …
Tel est le point de départ du Violon, qui commence comme un documentaire, dans un noir et blanc superbe installant d’emblée une véritable atmosphère. Petit à petit, l’histoire se développe et c’est un vrai film qui prend corps autour des personnages, tous les trois magnifiques. Chacun à leur manière, chacun protégeant les deux autres, les trois hommes ont en commun un refus obstiné de la cruelle réalité.

La figure centrale est le grand-père, interprété par Don Angel Tavira, vieil homme noueux, raviné, estropié ; mais tellement beau. Il est le violoniste, le tranquille violoniste. Grâce à son instrument, dont il tient l’archet de son moignon bandé, à l’aide d’un ruban qu’il noue et dénoue avec une grâce infinie, il va instaurer un bras de fer, en réalité un jeu de dupes, avec un chef militaire séduit par sa musique …

Le premier long métrage du Mexicain Fransisco Vargas est aussi un film sur la transmission orale d’une culture ancienne : les échanges entre le petit garçon et son grand-père sont le lieu d’un dialogue d’une délicatesse bouleversante.

C’est un film très beau, dur et tendre à la fois.


Le coup de coeur Mag :

La déclaration de Francisco Vargas lors de la présentation du film au public : Nous avons écouté la musique de la montagne et nous avons décidé de la saisir et de l’enfermer dans des boîtes métalliques.

 

Le Violon a été projeté au Festival de Cannes en 2006 dans le cadre de la sélection Un Certain Regard. Il concourait également pour la Caméra d’Or récompensant les premiers films. Don Angel Tavira a reçu le prix d’interprétation masculine dans la sélection Un certain regard.

Mise à jour : Le violon a été édité dans un beau coffret double DVD, contenant le film, le making-of avec des entretiens inédits, mais aussi « Tierra Caliente », le documentaire réalisé par Francisco Vargas en 2004 sur le violoncelliste Don Angel Tavira, futur acteur du film « Le violon ». Le coffret coûte 20 € environ.

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Regarder VU : un magazine photographique 1928-1940

vuEn nous proposant de découvrir ou redécouvrir l’aventure du magazine VU, cette exposition nous offre une plongée dans le photo-journalisme des années 30 : on assiste à la naissance d’une nouvelle forme de presse, d’une nouvelle façon de porter le monde à la connaissance du lecteur.

C’est aussi l’occasion de revenir sur une période très dense historiquement, qui a vu émerger des combats significatifs et fondateurs en Europe : le Front populaire, la montée du nazisme, la guerre d’Espagne, …

Le fondateur de VU, Lucien Vogel, était un homme de presse engagé et cela se voit : il publiera plusieurs hors-séries, dont un sur la guerre d’Espagne justement. C’est dans VU que paraîtra pour la première fois la célèbre photo de Robert Capa montrant un républicain espagnol fauché par une balle franquiste près de Cordoue.

Dès le début, Vogel a su faire appel aux grands photographes (Man Ray, André Kertész …), et autour de lui tout un travail sur la mise en page, le choix et la mise en valeur des images s’élabore.
L’espace « La médiatisation photographique » explique comment les rédacteurs vont apprendre à trier trente photos par semaine parmi les deux mille qu’ils reçoivent : choisir des photos, c’est distinguer celles qui permettront au lecteur d’avoir l’impression d’être témoin de l’évènement. Ou comment l’aspect affectif et l’effet spectaculaire prennent le pas sur la ligne descriptive, la singularité esthétique sur la singularité historique.

On assiste ainsi à la naissance de l’exploitation des standards médiatiques, avec les questions qu’elle soulève, et qui sont demeurés identiques depuis plus de 70 ans : celle de notre rapport à l’image, à sa profusion, à la mise à niveau qu’elle fait de tous les sujets qu’ils soient graves ou légers …

Les quatre espaces de l’exposition sont bien pensés. Le visiteur les arpente à son rythme, consulte les fac-similés, s’attarde sur tel ou tel reportage selon sa curiosité, son intérêt ou sa sensibilité, au fil d’une ballade historique, esthétique et journalistique passionnante. Chacun repart l’esprit marqué par une ou plusieurs photos dont il se souviendra longtemps.


Les coups de coeur Mag :

Dans la partie « Portraits publics », la dernière interview de « La Goulue », quelques semaines avant sa mort, où on voit le modèle immortel de Herni-Toulouse Lautrec qui finit ses jours dans une roulotte aux abords de Saint-Ouen, dans la misère. Elle aura besoin de quatre verres d’alcool avant de se souvenir et d’accepter d’évoquer la vedette qu’elle a été, l’autre vie qu’elle a connue, lorsqu’elle était la déesse de Montmartre. Un reportage très émouvant.
Et encore : dans la dernière partie « Le phénomène photographique », florilège de photos énigmatiques, celle des Champs-Elysées sous la pluie à 2h du matin : tout à coup, on dirait un fleuve … De quoi rêver aussi, donc.

Maison européenne de la Photographie 5/7 rue de Fourcy – Paris 4ème
Jusqu’au 25 février, tous les jours de 11h à 20h sauf les lundi, mardi et jours fériés
Tarif : 6 € (TR 3 €)
M° Saint-Paul ou Pont-Marie

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De Manet à Picasso

gauguinThe National Gallery à Londres propose du mois de septembre 2006 au mois de mai 2007 une exposition riche et resserrée, qui balaie les années 1860 à 1905.

Période féconde et séduisante s’il en est : Manet, Renoir (superbes Parapluies bleus qui s’entrechoquent), Van Gogh, Seurat, Pissarro et ses émouvants paysages, Degas, Toulouse-Lautrec, Monet, Gauguin (ci-contre), Cézanne, Signac, Picasso bien sûr. Partout beaucoup de grâce et de couleur.

Uniquement des grands maîtres, mais des tableaux que nous n’avons pas déjà forcément vus en original …c’est à la fois la sensation de retrouver des peintres extrêmement populaires et la joie d’en découvrir de « nouvelles » toiles .

Le parcours de l’exposition est chronologique ; il ne mérite pas davantage de complication : on passe de chef d’oeuvre en chef d’oeuvre tout en embrassant les différents mouvements qui se sont succédés ou chevauchés : de l’impressionnisme aux débuts de l’Art moderne en passant par le post-impressionnisme. Bref, c’est presque un « cours », un véritable condensé de ce qui s’est fait de plus significatif et certainement de plus beau en peinture pendant cette période.

C’est aussi Londres : on est agréablement étonnés de voir toutes les catégories de populations se mêler pour arpenter les salles avec enthousiasme et respect. Cela confère à l’exposition, de très haut niveau artistique, une ambiance simple et vivante que l’on aimerait connaître plus souvent dans nos musées …

The National Gallery – Trafalgar Square, London
Catalogue de l’exposition : 7,95 £
Entrée gratuite

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