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Chagall, Entre guerre et paix. Musée du Luxembourg

La danse, Chagall En une centaine de peintures, dessins et gravures,l’exposition du Musée du Luxembourg donne une idée de l’intensité de l’œuvre de Marc Chagall (1887-1985).
Intense est également, au sens physique, l’exposition. Le manque d’espace entre les œuvres et le manque de recul pour les admirer sont évidents, dans un espace inadapté à l’accueil d’un public fourni.
Malgré ces réserves, la qualité et la variété des œuvres montrées raviront les amateurs de Chagall et conquerront aisément les autres. D’autant que l’exposition est l’occasion de voir, outre des œuvres conservées dans les musées parisiens, un grand nombre d’autres venues de musées européens et américains ou encore prêtées par des particuliers.

Le parcours est chronologique, au service de son propos : montrer les contrastes du travail de Chagall au fil des événements qu’il a traversés tout au long du XXème siècle, qu’il s’agisse de son histoire personnelle ou des soubresauts de l’histoire contemporaine.

Même si sa première exposition a lieu en 1914 à Berlin, sa trajectoire d’artiste commence en 1910 à Paris, où il est venu étudier et où il rencontre les artistes de La Ruche : Soutine, Léger, Delaunay, Archipenko, Zadkine…
A partir de 1914, son retour en Russie, et notamment dans son village de Vitebsk est marqué par un resserrement des liens avec ses racines juives, par son mariage avec Bella Rosenfeld, par la révolution de 1917 et bien sûr par la Première guerre mondiale.
Ces deux premières périodes, parisienne puis russe, montrent une césure forte. Alors que les premiers tableaux affichent des sujets gais et des couleurs d’un éclat presque insolent, ceux des années russes sont beaucoup plus graves, voire sombres. Des figures du judaïsme apparaissent (rabbin, juif errant), mais également des soldats blessés et des populations en fuite.

En 1923, Chagall revient à Paris, où il se consacre à différents travaux, notamment d’illustration à la demande du marchand d’art Ambroise Vollard : Les âmes mortes de Gogol, les Fables de La Fontaine. La commande d’illustration de la Bible sera pour lui l’occasion de se rendre en Palestine. Une partie de l’œuvre éblouissante qu’il en tirera est exposée ici. Elle témoigne de la grande simplicité et de l’immense humanisme avec lequel l’artiste a abordé les grands épisodes bibliques.

Pendant la Deuxième guerre mondiale, il trouve refuge aux Etats-Unis. Les massacres commis en Europe, qui ne sont pas sans lui rappeler les pogroms subis par les Juifs dans la Russie tsariste de son enfance, lui inspirent des tableaux montrant des scènes tragiques d’exodes et de villages en flammes. Chagall mêle des éléments juifs tels le châle de prière ou le chandelier à sept branches à des représentations de la crucifixion, symbole de la souffrance humaine.
En 1944, il est en outre frappé par le deuil de son épouse Bella. Les années suivantes, il ne cessera de la représenter dans des scènes pleines d’amour et de tendresse.

Songe d'une nuit d'été, Chagall Après la Guerre, comme nombre de peintres, il s’installe sur la Côte d’Azur. La lumière du Midi insuffle à sa peinture des couleurs de plus en plus éclatantes, dont les immenses toiles du musée du Message biblique – à aller voir à Nice – seront évidemment les œuvres les plus emblématiques.

L’œuvre de Chagall s’accommode assez mal des descriptions. C’est une peinture à la fois du détail (il mêle tant de motifs sur une même toile), d’une large inspiration narrative (qu’il s’agisse de son histoire personnelle ou de la Grande histoire, y compris biblique) mais aussi d’imagination (la puissance onirique est souvent très forte). C’est une peinture figurative – mais affranchie de toutes les lois de la représentation – et très allégorique.
Elle a une place particulière dans l’histoire de la peinture du XXème siècle, à l’écart de toutes les écoles, mais aussi, à voir l’enthousiasme (partagé) des visiteurs, dans l’intimité de ceux qui l’admirent, touchés par son souffle poétique, spirituel et humaniste.

Chagall, Entre guerre et paix
Musée du Luxembourg
19 rue de Vaugirard – 75006 Paris
TLJ de 10h à 19h30 et le dimanche de 9h à 20h
Nocturne le lundi et le vendredi jusqu’à 22h
Ouverture exceptionnelle jusqu’à 22h les samedis du 23 mars au 20 avril
Fermeture le mercredi 1er mai
Entrée 11 euros, TR 7,5 euros
Jusqu’au 21 juillet 2013

Images :
Marc Chagall, La Danse, huile sur toile, 1950-1952, Paris, Centre Pompidou, Musée national d’Art moderne / Centre de création industrielle, dation en 1988 © ADAGP, Paris 2013 / CHAGALL ® © RMN-Grand Palais / Gérard Blot
Marc Chagall, Songe d’une nuit d’été , 1939, Musée de Grenoble © ADAGP, Paris 2013 / CHAGALL ®

De l'Allemagne, 1800-1939. De Friedrich à Beckmann

Carl Gustav Carus, Haute Montagne De l’Allemagne : le titre, emprunté à celui d’un ouvrage de Mme de Staël annonce clairement l’intention de l’exposition. Il s’agit, à travers la présentation d’œuvres picturales significatives du XIXème et du début du XXème siècles, d‘étudier les spécificités de l’art germanique. Le visiteur est là autant pour comprendre et apprendre que pour regarder et éventuellement admirer.

Une démarche intellectuelle, dont le visiteur profane se demande les parts respectives qu’elle emprunte à la vision française de l’art allemand et à la perception de l’art propre au peuple germanique.
Toujours est-il que cette approche, au demeurant fort intéressante et instructive, laisse assez peu de place aux notions d’esthétique, de style, de représentation et de technique, bref aux questions directement liées à la peinture.

En trois parties successives, les commissaires se sont attachés à mettre en lumière les trois grandes thématiques qui ont travaillé l’art allemand au fil de cette longue période qui va des derniers rayons du XVIIIème siècle au sombre entre-deux-guerre du XXème siècle : les rapports à l’histoire, à la nature, à l’humain. Si globalement l’on part du fameux tableau exécuté en 1786-1787 par Tischbein, Goethe dans la campagne romaine, prêt du Städel Museum de Francfort, pour finir avec ceux de Beckmann à la fin des années 1930, le parcours n’est pas purement chronologique, car les deux premières thématiques ont transcendé les recherches artistiques allemandes tout au long du XIXème siècle.

Ce qui frappe le plus à la visite de l’exposition est la recherche d’une identité nationale qui semble avoir obsédé les peuples germaniques longtemps politiquement morcelés (le statut d’Etat-Nation ne date que de 1871), et ce particulièrement à travers l’art.

Cette quête passe en premier lieu par l’interrogation continuelle de l’histoire afin d’y retrouver le creuset de la culture germanique : Grèce classique, catholicisme romain, peinture italienne, Moyen-Age vu comme l’époque de l’unité religieuse d’avant la Réforme et symbolisée par la cathédrale gothique, maîtres anciens allemands. Ce retour aux origines réelles ou supposées se retrouve – outre le tableau d’ouverture déjà cité, assez programmatique – dans des tableaux religieux, mythologiques, des scènes présentant de glorieux chevaliers, ou encore des ruines antiques.

Mais la recherche de l’unité nationale passe aussi par une approche très particulière de la nature et une grande réflexion autour de la peinture de paysage. Pour certains, la peinture doit refléter la connaissance scientifique de la nature. Pour d’autres, les artistes doivent représenter le paysage allemand dans sa spécificité, ce qui passe par la représentation d’une nature portant les traces du passé commun : forêt abritant les héros mythiques, fleuve, tombes druidiques… Pour tous, l’importance accordée au paysage est en soi une marque de l’identité germanique.

Après les tableaux tantôt "scientifiques", tantôt sublimes (dispute aux sommets enneigés de Friedrich, Koch et Carus), tantôt romantiques des paysagistes allemands, la dernière partie de l’exposition, intitulée Ecce homo (allusion à l’ouvrage de Nietzsche mais aussi aux nombreuses représentations de la Passion du Christ entreprises à partir de la première Guerre mondiale) ramène à de tristes réalités. Le nationalisme allemand a débouché sur la Grande guerre (au départ souhaitée par certains artistes à titre de souveraine Apocalypse), ses atrocités et ses conséquences durables. Puis à la faveur de la dépression économique ajoutant à l’humiliation de la défaite, le nazisme est venu se nourrir de ce penchant nationaliste pour aboutir aux conséquences que l’on sait.
Les œuvres issues de ces périodes font froid dans le dos. Partout, le sacrifice voire le martyre, partout des gueules cassées, des corps estropiés, des âmes perdues. Le noir et blanc domine ; les couleurs ne sont plus qu’au service de la violence.

Dans la première salle, l’on avait admiré la douceur du carton d’Overbeck Italia et Germania, la solide tranquillité d’un Apollon parmi les bergers de Schick, la grâce italienne d’une Vierge à l’enfant de Carolsfeld. Dans la dernière, c’est L’enfer des oiseaux de Beckmann, l‘Ecce homo de Corinth, la terrible série de gravures sur le thème de la guerre d’Otto Dix. Et, encadrant le tout, dans la rotonde qui à la fois introduit et clôt l’exposition, une monumentale gravure sur bois d’Anselm Kiefer.
Tout cela est le plus souvent aussi magnifique qu’impressionnant, mais empreint d’un sérieux tel que cette gravité-même risque d’apparaître comme la caractéristique essentielle de l’art allemand.

De l’Allemagne, 1800-1939. De Friedrich à Beckmann
Musée du Louvre
TLJ sf le mardi de 9 h à 18 h, nocturnes les mercredi et vendredi jusqu’à 21h45
Entrée exposition, 12 €, billet jumelé collections permanentes et exposition, 15 €
Jusqu’au 24 Juin 2013

Eileen Gray au Centre Pompidou à Paris

Paravent laque, Gray

L’on pourrait peut-être sous-titrer l’exposition "De l’Art Déco au Modernisme", ou encore "Des arts décoratifs à l’architecture", mais ces formules ne suffiraient pas à traduire le souffle extraordinaire qui se dégage de l’œuvre d’Eileen Gray (1878-1976), dont la rétrospective du Centre Pompidou permet de se faire une idée d’ensemble.

Comme beaucoup de jeunes filles de son milieu et de son époque, Eileen Gray suit d’abord des études d’art à Londres. Un chemin classique qu’elle va très vite délaisser : passant devant une boutique qui présente des laques, elle se fait embaucher aussitôt et commence à s’initier à cette technique très exigeante. Mais pour cette Irlandaise aux mœurs libres, Londres est bien trop stricte, victorienne : Eileen Gray fait un voyage à Paris avec sa mère et, à l’instar de nombreux artistes de toutes nationalités au début du siècle, elle est immédiatement et totalement conquise par la capitale. Elle s’y installe définitivement dès 1906.

Eileen Gray fait alors la connaissance du laqueur japonnais Seizo Sugawara, collabore avec lui et parfait sa technique. En 1913, elle expose plusieurs laques au Salon de la Société des artistes décorateurs, dont le magnifique panneau Le magicien de la nuit présenté en ouverture de l’exposition du Centre Pompidou. Le couturier Jacques Doucet est séduit et lui passe des commandes de meubles et de lampes ; la presse s’en fait l’écho ; sa carrière est lancée.

Puis, avec une amie anglaise, Evelyn Wyld, elle découvre le tapis traditionnel dans les montagnes de l’Atlas, en apprend toutes les techniques et, de retour à Paris, parallèlement aux laques, entreprend la création et la fabrication de tapis.
En 1922, elle ouvre sa propre galerie, Jean Désert, rue du Faubourg-Saint-Honoré. Dans la veine initiée par le mouvement Art Déco, elle conçoit de véritables ensembles, créant des décorations d’intérieur de bout en bout, comme la Chambre à coucher boudoir de Mme Monte-Carlo exposée en 1923.

Avec son ami Jean Badovici, bien que dépourvue de formation, elle se lance enfin dans l’architecture, construisant avec lui la Villa E1027 près de Menton. Ce sera ensuite la villa Tempe a Pailla puis Lou Pérou, une petite maison dans le vignoble de Saint-Tropez. A chaque fois, elle conçoit des maisons extrêmement modernes, mais toujours en prise avec leur environnement. L’organisation des pièces suit le rythme solaire, les espaces sont conviviaux tout en préservant l’intimité, les circulations sont libres et le mobilier fonctionnel et léger.

Légèreté, c’est le mot qui revient le plus souvent à l’esprit au fil de la visite de l’exposition. Mais aussi liberté, créativité, mouvement. Si elle finit par délaisser la laque au profit du bois, du tube d’aluminium, du cuir, du liège, son inventivité est toujours aussi riche. Les meubles sont souvent petits, plein d’astuces, de tiroirs, de possibilités de déploiement. Les lignes sont à la fois géométriques et déliées ; l’ensemble dégage une merveilleuse sensation d’équilibre et de perfection des proportions, alors même que la symétrie est systématiquement bafouée.

Si le dessin moderniste et le fonctionnalisme de ses meubles peuvent les rapprocher de ceux de Charlotte Perriand et de Le Corbusier, ils s’en distinguent toutefois fortement aussi : au contraire du mobilier très ancré dans le sol, très stable de ces derniers, celui d’Eileen Gray a l’air de flotter, de ne chercher son équilibre que dans la finesse et l’étonnement. On est dans la grande élégance, celle qui ne donne à voir que la miraculeuse simplicité d’un ensemble de lignes en réalité complexe. On est dans l’unique – Eileen Gray n’a pas fait éditer de séries -, et souvent plus proche de la sculpture que du meuble ; on est, dans le fond, dans une esthétique qui emprunte beaucoup à la poésie.

Villa Eileen Gray

Eileen Gray
Centre Pompidou
Place Georges Pompidou – 75004 Paris
TJL sauf le mardi, de 11h à 21h, le jeu. jsq 23 h
Entrée 13 €, TR de 9 € à 11€
Jusqu’au 20 mai 2013

Images :
Eileen Gray, paravent en briques, 1919-1922, bois laqué noir, collection particulière, courtesy Galerie Vallois, Paris © photo : Vallois-Paris-Arnaud Carpentier
Villa E 1027, Eileen Gray et Jean Badovici, vue du salon, photographie rehaussée au pochoir, 1929 Eileen Gray, Jean Badovici « E 1027. Maison au bord de mer », L’Architecture vivante, n° spécial, Paris, Éd. Albert Morancé, automne-hiver 1929

L'ange du bizarre. Le romantisme noir de Goya à Max Ernst

L'Ange du bizarre, Musée d'Orsay A travers deux cents peintures, gravures et sculptures datées de la fin du XVIIIème au début du XXème siècles, mais aussi des films, L’ange du bizarre propose une large vision du « Romantisme noir ». Ce courant artistique européen est né en Grande-Bretagne au moment où, au siècle-même des Lumières, la toute puissance de la raison était déjà battue en brèche. Il s’est déployé au XIXème siècle, a été réactivé par les Symbolistes et enfin réinterprété par les Surréalistes dans l’Entre-deux-guerres.

Malgré la variété des artistes et des époques représentés, une grande unité se dégage des œuvres. Leur programme commun : mettre en exergue tout ce qui caché, enfoui, cadenassé, à savoir les vices, les peurs, la part sombre comme la part irrationnelle de l’Homme.

Les sujets de ce romantisme-là sont ainsi les anti-héros (Satan en premier chef), les atrocités tirées de la littérature, de la religion et de la mythologie, les lieux obscurs voire souterrains, la nuit, le rêve, la magie, la mort.

Il y a d’abord les citations shakespeariennes, comme Les trois sorcières de Füssli, tirées de MacBeth, mais aussi son propre et énigmatique Cauchemar, celles de Goethe (Méphistophélès dans les airs, une gravure de Delacroix pour Faust), sans oublier bien sûr Dante et sa Divine comédie, qui inspire Delacroix (La Barque de Dante) mais aussi, plus tard, le sage William Bouguereau. Quant à Géricault, avec son Radeau de la Méduse, il « ose ramener l’Enfer dantesque à la surface terrestre », comme le dit joliment un commentaire de l’exposition. Goya est bien entendu de la fête qui, perdant toute foi en l’Homme comme au reste, dit sans détour tout de l’ambiguïté de l’Homme (Les cannibales), son aveuglement (Les sorcières), son ignorance (la série des Caprices), sa cruauté (Les Désastres de la guerre).

Les paysagistes montrent une nature nouvelle où, la nuit venue, sous un clair de lune, tout semble possible. L’Homme recule, ne laissant que des ruines, qu’encore des montagnes étouffantes ou de profonds gouffres menacent. Avec les Symbolistes, loin des figures angéliques et victimes des premiers Romantiques noirs, la femme elle-même devient menaçante, se faisant vampire avec Munch, nature fatale avec Moreau, incarnant les figures mythologiques de la Méduse ou du Sphinx.
Même chez Bonnard les cauchemars viennent nous étouffer (Femme assoupie sur un lit), tandis que chez Ensor la mort rôde implacablement.

La liberté créatrice du Romantisme noir sera totalement réinvestie par les Surréalistes, photographes comme Brassaï ou Hans Bellmer, peintres comme Dali, Magritte, Masson ou Ernst, qui, à travers des paysages issus des rêves et des cauchemars, finissent de lâcher la bride à l’imaginaire, affranchis de toute référence explicite pour mieux représenter le spectre de l’irrationnel et de l’indicible.

Le Romantisme noir, Musée d'Orsay A l’instar des précédentes, cette nouvelle grande exposition du Musée d’Orsay est superbe, enrichissante, passionnante.
Sa scénographie est impeccable : sur des fonds gris et brun sourd, les œuvres sont précisément éclairées, créant une ambiance clair-obscur homogène qui fait corps avec le thème de l’exposition. Les cartels des tableaux sont – enfin ! – rendus lisibles par des lettrages nets. Last but no least, le didactisme du parcours laisse la place à la poésie, au détour de courtes citations, dont la dernière, signée Victor Hugo, est aussi la plus poignante : « L’homme qui ne médite pas vit dans l’aveuglement. L’homme qui médite vit dans l’obscurité. Nous n’avons que le choix du noir ».

L’ange du bizarre. Le romantisme noir de Goya à Max Ernst
Musée d’Orsay
1, rue de la Légion d’Honneur, 75007 Paris
De 9h30 à 18h les mar., mer., ven., sam. et dim. et jsq à 21h45 le jeu.
Fermeture tous les lundis et le 1er mai
Entrée 9 euros (TR 6,5 euros)
Jusqu’au 9 juin 2013

Images :
Carlos Schwabe (1866-1926), La Mort et le fossoyeur, Aquarelle, gouache, mine de plomb, 76 x 56 cm Paris, musée d’Orsay, RF 40162 © RMN (Musée d’Orsay) / Jean-Gilles Berizzi
Paul Ranson (1861-1909), La Sorcière au chat noir, 1893, Huile sur toile, 90 x 72 cm Paris, musée d’Orsay, RF 2012 6 © Musée d’Orsay, dist. RMN / Patrice Schmidt

La Valise mexicaine. Capa, Taro, Chim

La valise mexicaine, Gerda Taro Après avoir été présentée en 2010 à New-York et en 2011 en Arles, La Valise mexicaine est enfin dévoilée à Paris, au Musée d’art et d’histoire du Judaïsme, dans une scénographie sensiblement différente des précédentes compte tenu des spécificités du lieu très éclaté.

Le résultat, fort convaincant, est, dans l’intimité des petites salles propice au recueillement qu’appelle cette rencontre particulière avec l’Histoire.

Emouvante, historique, l’exposition l’est à double titre : non seulement par l’aventure dramatique qu’elle raconte – celle de la guerre civile espagnole au dénouement et aux conséquences que l’on sait – mais également par celle de la fameuse "valise". Près de 70 ans se sont en effet écoulés entre le moment où, en 1939, face à la menace nazie, Robert Capa fuit la France pour rejoindre New-York via un visa Chilien, laissant dans son studio parisien 4.500 négatifs pris pendant la guerre d’Espagne par lui-même, sa compagne Gerda Taro et David Seymour dit Chim, et leur redécouverte en 2007.
Entre ces deux dates, si les longues recherches menées notamment par Cornell Capa, le frère de Robert et fondateur de l’International Center of Photography à New-York ont permis de retrouver la valise, elles n’ont pas pour autant élucidé tous les mystères de son cheminement. En 1975, Csiki Weisz, photographe d’origine hongroise tout comme Capa écrivait : "En 1939, alors que les Allemands s’approchaient de Paris, j’ai mis tous les négatifs de Bob dans un sac et j’ai rejoint Bordeaux à vélo pour essayer d’embarquer pour le Mexique. J’ai rencontré un Chilien dans la rue et je lui ai demandé de les déposer à son consulat pour qu’ils restent en sûreté. Il a accepté". Le contenu, retrouvé chez l’héritière du général Aguilar Conzalez, ambassadeur mexicain à Vichy sous l’Occupation sera restitué à Cornell Capa en 2007.

La valise mexicaine, Robert Capa L’exposition matérialise et incarne cette Histoire à double fond. L’on découvre d’emblée qu’au lieu d’une "valise", les négatifs étaient en réalité rangés dans trois boîtes, l’une verte, l’autre rouge – soigneusement compartimentées et succinctement annotées – tandis que la dernière contenait des bandes de pellicules coupées sous enveloppe kraft.
Il a fallu classer, reconstituer l’ordre des prises de vue, les attribuer. Les photos publiées à l’époque ont constitué une aide dans cette colossale entreprise.

Présentées chronologiquement, les planches contacts sont accompagnées de 70 tirages et de nombreux extraits de presse, le tout éclairé d’explications contextuelles et de cartes permettant de suivre pas à pas le déplacement du front. Les moments d’espoir, de rage comme de découragement s’étalent sous nos yeux, de l’enthousiasme des Républicains en 1936 auprès desquels les photographes se sont engagés, jusqu’à la défaite finale de début 1939 et l’exode de près de 500 000 réfugiés dans le sud de la France. Certains moments sont particulièrement forts, comme celui de la bataille de Brunette en juillet 37, l’une des plus sanglantes, au cours de laquelle Gerda Taro elle-même a trouvé la mort, ou encore celle du Sègre en 38, dont Capa, rejoint par d’autres journalistes, notamment Hemingway, a livré son récit le plus approfondi de la guerre d’Espagne.

A travers les extraits de presse de l’époque, c’est aussi l’évolution de la place de la guerre civile espagnole dans les médias, tout autant que celle du photo-journalisme que l’on suit : la couverture devient de plus en plus large, internationale. Les reportages sont de plus en plus longs et les photographies de plus en plus abondantes.
Après la disparition tragique de Taro, ce sera au tour de Capa de trouver la mort, en Indochine en 54, puis de Chim, à Suez en 56. Tous trois ont non seulement laissé un travail documentaire exceptionnel, mais encore imprimé au photo-reportage de guerre une empreinte profonde et durable, dont cette exposition témoigne admirablement dans un juste dosage de pédagogie, d’hommage et d’émotion.

La Valise mexicaine – Capa, Taro, Chim
Les négatifs retrouvés de la guerre civile espagnole
Musée d’art et d’histoire du Judaïsme
Hôtel de Saint-Aignan – 71, rue du Temple – 75003 Paris
Lun., mar., jeu., ven. de 11 h à 18 h, mer. jsq 21 h et dim. de 10 h à 18 h
Fermé les samedis et le mercredi 1er mai 2013
Plein tarif : 7 €, tarif réduit : 4,50 €
Jusqu’au 30 juin 2013
Exposition réalisée par l’International Center of Photography de New York.

Photos :
Gerda Taro, Spectateurs de la procession funéraire du Général Lukacs, Valence, 16 juin 1937 © International Center of Photography
Robert Capa, Exilés républicains emmenés vers un camp d’internement, Le Barcarès, 1939 © International Center of Photography / Magnum Photos

Bouvard et Pécuchet au Théâtre Lucernaire

Bouvard et Pécuchet au Lucernaire Publié à titre posthume en 1881, Bouvard et Pécuchet est le dernier roman de Gustave Flaubert (1821-1880).
Il raconte l’histoire de deux gratte-papiers qui se rencontrent par une chaude journée d’été. L’un arrivant de la Bastille, l’autre du Jardin des Plantes, ils s’assoient au même moment sur le même banc devant l’eau couleur d’encre du canal Saint-Martin. Là, ils partagent leur dégoût des affaires comme du divertissement, des femmes en particulier ("frivoles et acariâtres") et du genre humain en général. D’accord sur tout, ils conviennent qu’ils seraient bien mieux à la campagne. C’en est fait : "éprouvant le charme des tendresses à leurs débuts", ils deviennent non seulement amis mais encore inséparables.
A la faveur d’un héritage reçu par Bouvard, les deux compères s’installent dans une ferme normande et mettent leurs rêves à exécution, se lançant successivement dans l’élevage, l’agriculture, l’horticulture, l’arboriculture. Ils étudient également la médecine, la chimie, l’astronomie, puis encore la littérature et la philosophie.
Hélas, entre inspiration des plus improvisées et consultation aveugle des encyclopédistes, ils ne mènent à bien aucune de leurs expériences. D’échec en échec, ils finissent par éprouver l’ennui profond de la campagne et, tous rêves fracassés, se résolvent à revenir à leur travail de copistes à Paris…

Cruelle comédie sur la vanité humaine, Bouvard et Pécuchet est ici adapté avec toute la précision, la truculence et la force satirique flaubertiennes.
Excellents, Philippe Blancher et Roch-Antoine Albaladéjo ponctuent le jeu direct d’extraits du récit bien ciselés. Le rythme est trépidant et la mise en scène inventive. Deux tabourets tournants, deux portants et deux pupitres métalliques suffisent à recréer tous les décors : les rues de Paris, les restaurants, les escaliers d’immeubles, puis la maison de campagne et sa pendule qui égrène les heures, le parc et ses peupliers au balancement incessant… Tous ces univers-là, ces ambiances, ce quotidien fait d’enthousiasmes autant que de déceptions, les deux comédiens les restituent avec beaucoup de malice, faisant de cette terrible farce une interprétation savoureuse .

Bouvard et Pécuchet
D’après Flaubert
Adaptation et mise en scène : Vincent Colin
Avec Roch-Antoine Albaladéjo et Philippe Blancher
Et la voix de Edith Scob
Théâtre Lucernaire
53 rue Notre-Dame-des-Champs, Paris 6ème
Du mardi au samedi à 20h, dimanche à 15 h
Durée : 1h environ
Le spectacle est prolongé jusqu’au 26 mai 2013

Alceste à bicyclette. Philippe Le Guay

Alceste à bicyclette, Philippe Le Guay

Serge, la cinquantaine, a interrompu sa brillante carrière de comédien il y a trois ans et s’est retiré sur l’ïle de Ré. Vêtu d’antiques cache-cols, mal rasé, sauvage avec délices, il s’occupe de ses problèmes domestiques et s’adonne à une peinture "du dimanche" avec autant de soin que de lucidité.
Voici que Gauthier, ancienne connaissance, acteur de séries télé à succès, débarque et lui demande de jouer Le Misanthrope. Non, peut-être, on verra… l’ours mal léché fâché avec le monde du spectacle (et qui a ses raisons) est malgré tout bien tenté de renouer avec la scène pour interpréter ce rôle d’Alceste qu’il connait par cœur. En attendant de se décider, il propose d’entamer tout de suite les répétitions avec Gauthier…

Et voilà qui est parti : dans ce paysage de carte postale hors saison, dans un décor de vieille baraque encombrée, deux immenses comédiens – Fabrice Luchini et Lambert Wilson – interprètent deux acteurs qui se (re)mettent en bouche la première scène du Misanthrope. Comme tous deux se disputent le premier rôle, ils tirent au sort chaque jour et le perdant doit se contenter de celui de Philinte.
Moments suspendus, où seul le texte existe, où l’on s’étripe pour un vers amputé, pour un mot travesti, où l’exigence envers soi et envers l’autre est la plus haute… Moments de régal absolu pour le spectateur.

Mais autour d’eux, et avec eux, la vie continue : celle de Paris et de ses mondanités appelle Gauthier, le microcosme local n’est pas indifférent à la venue du célèbre interprète du Docteur Morange, tandis qu’une irrésistible Italienne croise leur route. La bataille d’égos qui se joue en répétition et en sourdine autour du rôle d’Alceste se rejoue à bicyclette et non moins souterrainement pour conquérir la belle…

Si Philippe Le Guay se contente souvent de plans convenus voire approximatifs, il trousse ici un film plein de qualités et de charmes, dont la justesse de ton et de point de vue n’est pas des moindres. Ses personnages – des "caractères" – sont extrêmement convaincants et interprétés à merveille ; les situations ne le sont pas moins. Le succès, les relations qui en découlent, l’orgueil, l’argent, la sincérité, l’amour, l’amitié, la générosité… autant de thèmes fort bien illustrés à travers cette belle conjugaison du cinéma et du théâtre, souvent cocasse, parfois amère mais jamais aigre…

Alceste à bicylette de Philippe Le Guay

Alceste à bicyclette
Une comédie de Philippe Le Guay
Avec Fabrice Luchini, Lambert Wilson, Maya Sansa
Durée 1 h 44
Sorti en salles le 16 janvier 2013

F. Scott Fitzgerald Carnets

F. S. Fitzgerald, Carnets, Théâtre du Lucernaire L’entreprise était ambitieuse : mettre en scène les Carnets de F. Scott Fitzgerald, somme aussi hétérogène que touffue.
Le résultat est plutôt réussi.

Dirigeant Alain Sportiello seul en scène, Maria Blanco a fait le choix de montrer le célèbre romancier et nouvelliste américain à la fin de sa courte existence.
Il a alors 44 ans. Pauvre et seul, il survit en écrivant des scénarios à Hollywood, lui qui méprise le cinéma, lui qui a connu si jeune la gloire de l’écrivain. C’était en 1920, avec la publication de L’envers du Paradis et son succès immédiat, suivi de Gatsby le Magnifique cinq ans plus tard. F. S. Fitzgerald menait alors une vie pleine d’éclat et de frasques avec l’excentrique Zelda, parcourait l’Europe, vivait en France au rythme des Années Folles.

Ce monde brillant est bien éloigné lorsque le spectacle commence et que l’on découvre une masse informe sous une couverture, qui va rapidement donner corps à un homme tour à tour désespéré, colérique, mélancolique, lucide et à moitié-fou. Fitzgerald évoque les femmes, le sexe, l’argent, le succès, en des aphorismes tantôt sinueux tantôt cinglants. Il se souvient non sans douleur de la belle Zelda, de son ami Hemingway ; il théorise sur l’écriture ; se plaint d’être soumis à un régime si strict qu’on ne lui laisse pas même de quoi coller un timbre… avant de se jeter sur la bouteille avec autant de rage que de joie.

Alain Sportiello incarne F. S. Fitzgerald avec beaucoup de conviction et de présence, et la mise en scène nous plonge avec une grande efficacité dans l’univers plein d’amertume d’un artiste ruiné et oublié.
Un seul regret toutefois : le comédien va vite, très vite, si bien qu’à certains moments on a un peu de mal à suivre ce texte fragmentaire et parfois difficile.
Du coup, l’on ressort du spectacle avec une seule envie : se plonger sans plus attendre dans les volumineux Carnets de l’auteur de Tendre est la nuit…

Théâtre du Lucernaire
53, rue Notre-Dame des Champs – 75006 Paris
Du mardi au samedi à 18h30
Mise en scène : Maria Blanco
Avec Alain Sportiello
Jusqu’au 30 mars 2013
Billets de 15 euros à 25 euros

Tour de piste au Petit Théâtre de Paris

Tour de piste, au Petit Théâtre de Paris C’est un seul en scène interprété par Stéphane Hillel, le directeur du Théâtre de Paris.
Le spectacle – écrit par Christian Giudicelli – raconte l’histoire d’une vie de A à Z, celle de Chris, que l’on suit de la naissance à la mort, le tout en une heure et quart.

Stéphane Hillel joue Chris bien sûr, mais aussi ses parents, son (unique) copain Pat’, ses petites amies, son épouse, ses enfants… Son parcours ressemble à tant d’autres : élève brillant, Chris se rêve écrivain avant de devenir enseignant, fait la révolution dans les manifs où il rencontre sa future femme, avant de s’installer bourgeoisement, a deux enfants qui prennent leur envol avant qu’il ait eu le temps de les voir grandir, a des maîtresses et son épouse un amant, puis sonne l’heure de la retraite et celle des petits-enfants, enfin c’est un univers qui peu à peu se rétrécit…

Stéphane Hillel passe d’un personnage à un autre en un quart de seconde avec un talent incroyable, un peu à la façon d’un Philippe Caubère, et c’est haletant que l’on suit cette vie qui passe à toute vitesse.
On sourit souvent, des situations jouées avec beaucoup d’humour bien sûr, mais aussi du « commun », de l’ordinaire de nos vies que le spectacle souligne.
Nul cynisme dans ce spectacle, le tout – texte, jeu et direction d’acteur, mise en scène – est beaucoup trop élégant pour cela. A peine une légère mélancolie affleure-t-elle face à cette éclatante démonstration du déterminisme social et de son dénouement : le fils de petit fonctionnaire de province devient instituteur ; le fils d’ouvrier devient ouvrier ; mais au bout du chemin… Une gravité vite estompée face à ce Tour de piste fort réussi qui montre avant tout à quel point elle est belle, et pour chacun unique, cette vie ordinaire…

Petit Théâtre de Paris
15, rue Blanche 75009 Paris
De Christian Giudicelli
Avec Stéphane Hillel
Mise en scène : Jacques Nerson
Décors, costumes, scénographie : Claire Belloc, assistée d’Antoine Milian
Lumières : Marie-Hélène Pinon, assistée de Lucie Joliot
Du mardi au samedi à 19 h
Billets 26 euros (1ère catég.) / 20 euros (2ème catég.)
Jusqu’au 2 mars 2013

Des Fleurs en hiver au musée Eugène Delacroix

Des fleurs en Hiver, musée Eugène Delacroix

A la fin de l’année 1957, alors âgé de 59 ans, Eugène Delacroix s’installe au 6, rue de Furstenberg dans le 6ème arrondissement, afin de se rapprocher de Saint-Sulpice dont il est chargé de décorer une chapelle (la chapelle des Saints-Anges).
L’artiste, malade, quitte alors la rue Notre-Dame-de-Lorette, où il habitait depuis 1844 mais désormais trop éloignée de l’église et, derrière l’appartement de la rue de Furstenberg, fait construire un atelier donnant sur un jardin privatif.

Grâce à la Société des amis d’Eugène Delacroix créée à l’initiative notamment des peintres Maurice Denis et Paul Signac, en 1932 les lieux son sauvés de la destruction pour fonder plus tard un musée, qui en 1971 devient musée national. Depuis 2004, il est rattaché au Louvre.

L’exposition Des fleurs en hiver visible jusqu’au 18 mars est l’occasion de découvrir ou de redécouvrir l’endroit, dissimulé entre les jolies boutiques d’étoffes d’ameublement de la place.
A l’intérieur, tout est charmant, intime, présenté avec goût.
Mêlées à des pièces de la collection permanente, les œuvres choisies pour l’exposition investissent aussi bien l’appartement que l’atelier de l’artiste.
Aux côtés des aquarelles, pastels et tableaux du peintre sont présentées des œuvres de deux artistes contemporains, Jean-Michel Othoniel, le célèbre auteur de l’entrée de la station de métro Palais-Royal et le céramiste Johan Creten.

L’ensemble est très réussi car leurs œuvres, non directement inspirées de celles de Delacroix, mais unies à elles par leur thème, les complètent merveilleusement en donnant un coup de jeune aux bouquets du peintre romantique, splendides mais aux teintes quelque peu automnales.

Si les spectaculaires guirlandes en boules de verre miroité de Jean-Michel Othoniel ne surprennent pas, en revanche l’on découvre les planches de son Herbier merveilleux (le livre a été édité chez Actes Sud en 2008), composées comme des enluminures du Moyen-Age, où chaque fleur ou plante est accompagnée d’un texte rappelant leur symbolique antique, religieuse ou laïque.
Quant aux sculptures de Johan Creten, Odor di femmina, elles sont parfois explicitement érotiques et toujours aussi flamboyantes que les plus beaux bouquets.

Le parcours est celui d’une visite un peu entre soi, offrant une parenthèse fleurie au milieu de l’hiver, un moment de calme et hors du temps au cœur de l’agitation du quartier Saint-Germain-des-Prés, en un mot une délicieuse et délicate pause romantique.

Des Fleurs en hiver, Delacroix – Othoniel -Creten
Musée national Eugène Delacroix
6 rue de Furstenberg – 75 006 Paris
Métro : Saint-Germain-des-Prés / Mabillon
Bus : 39, 63, 70, 86, 95, 96
TLJ sauf les mardis, de 9h30 à 17h00 (fermeture des caisses à 16h30)
Billet d’entrée à l’exposition : 7€
Billet jumelé Louvre – Delacroix valable toute la journée pour la visite de l’exposition du musée Delacroix et des collections du musée du Louvre : 11 €
Jusqu’au 18 mars 2013