Il semble qu’à jamais ces tableaux resteront dans notre mémoire. Ces paysages de Matisse, sa Femme au chapeau, son Nu bleu, ces portraits de Picasso, son Meneur de cheval nu, cette Femme renversée de Degas, cette Sieste de Bonnard, cette Femme de l’artiste dans un fauteuil de Cézanne…
Ils viennent de New-York, Chicago, San Francisco ou Los Angeles, de la fondation Barnes ou de collections particulières, et sont enfin réunis sous nos yeux !
Ces œuvres immenses sont celles achetées par les Stein, Américains d’origine juive, fous d’art et fous de Paris, au point de s’y établir et, pour Gertrude, d’y rester pendant les funestes années de l’Occupation. Au tout début du XXème siècle, ils ont décidé de soutenir des peintres "hérétiques", dans un monde de l’art qui alors digérait tranquillement l’impressionnisme et s’écriait face aux taches matissiennes du Salon d’Automne de 1905 : "Voici la cage aux fauves !". C’était la Femme au chapeau de Matisse, faite de grosses touches de couleurs, révolutionnaire avec son vert vif sur le nez et son orange sur na nuque, qui scandalisait et suscitait l’opprobre mais fut acquise par Léo Stein.
Gertrude Stein, ses frères Léo et Michael, et Sarah l’épouse de ce dernier sont arrivés à Paris avec ce qu’il fallait pour vivre, mais peut-être pas la grande fortune, certainement pas celle des grands collectionneurs que furent un peu plus tard Barnes ou Rockefeller. Mais ils était allés en Italie, avaient aimé l’art classique, le Moyen-Age et la Renaissance.
En témoignent les photos de l’appartement de la rue de Fleurus, dans le 6ème arrondissement, où Gertrude tenait salon, réunissant le samedi soir hommes et femmes de pinceau comme de plume et amateurs éclairés : les tableaux d’avant-garde surplombaient des meubles d’inspiration médiévale, des statues de toutes époques, et côtoyaient des primitifs italiens.
Ce n’était pas qu’affaire d’œuvres et de collections, c’était aussi affaire humaine. Longue et profonde amitié entre Gertrude et Picasso. Longue amitié et immense admiration entre Sarah et Matisse, jusqu’à la fin de sa vie.
Aujourd’hui, le prix de ces tableaux sur le marché de l’art semble en faire des objets de spéculation (presque) comme les autres. On annonce des sommes folles à l’issue et même avant les ventes publiques, on déclame des records.
Mais à l’époque, c’était tout autre chose, c’était une entreprise de pionniers, d’inventeurs au sens premier du terme. Cette aventure a eu lieu dans l’enthousiasme et avec ce qu’il fallait d’émulation : la confrontation de Picasso et de Matisse a bien pris racine dans le salon des Stein, où l’un et l’autre étaient exposés et se rendaient.
Depuis, les natures mortes cubistes de PIcasso et de Juan Gris n’interpellent plus personne. Les gros seins cernés de bleu de Matisse ne scandalisent plus qui que ce soit. Les paysages constellés de taches, aux limites de l’abstraction et les portraits aux allures de masques primitifs sont presque l’ABC de l’amateur d’art.
Et pourtant ! Il a fallu les repérer, les montrer, habituer les yeux et les esprits, jusqu’à ce qu’ils deviennent référence, au point que leurs inventeurs, cruel succès, les Stein soi-même, quelques dix ou vingt ans plus tard, ne soient plus en mesure de les acquérir tant leur côte avait grimpé !
Il est malgré tout un choc qui demeure, pas celui de l’avant-garde, mais celui de la beauté pure que l’exposition du Grand Palais sait rendre, ne cherchant rien d’autre qu’à accrocher les peintures sur de grands murs blancs, regroupées par artistes et par style, simplement.
L’aventure des Stein est racontée dans les coins, avec photos et écrits de l’époque, c’est indispensable et passionnant. Les cartels sont quasiment illisibles comme il est de coutume en ce lieu. Mais les tableaux demeurent, tranquillement, passés peut-être de mains en mains après avoir été adorés dans un salon de la rue de Fleurus ou de la rue Madame il y a un siècle, et aujourd’hui à nouveau montrés à Paris, avec toutes leurs audaces, leurs couleurs, leur inventivité et leur force. Leur révolution relève de la permanence et de l’indissoluble, comme un insoluble mystère qui n’a d’autre nom sans doute que la beauté de l’art.
Matisse, Cézanne, Picasso… L’aventure des Stein
Galeries Nationales du Grand Palais – 3, av. du General Eisenhower – Paris 8°
Jusqu’au 16 janvier 2012
Du ven. au lun. de 9h à 22h, le mar. de 9h à 14h,
le mer. de 10h à 22h, le jeu. de 10h à 20h
Pendant les vacances, du 17 déc. au 2 jan. inclus, TLJ de 9h à 23h
Fermeture à 18h les 24 et 31 décembre et toute la journée le 25 décembre
Entrée : 12 €, tarif réduit : 8 € (13-25 ans, demandeur d’emploi, famille nombreuse)
Gratuité pour les moins de 13 ans, bénéficiaires du RSA et du minimum vieillesse
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Images :
Henri Matisse, Femme au chapeau, San Francisco Museum of Modern Art, don d’Elise S. Haas, San Francisco, USA © Succession H. Matisse. Photo : Moma, San Francisco, 2011
Henri Matisse, Femme en kimono, The Courtauld Gallery, Londres, Grande-Bretagne © Succession H. Matisse. Photo : The Courtauld Galery, London, 2011
Pablo Picasso, Les pierreuses, 1902, Huile sur toile, 80 x 91,5 cm, Hiroshima, Hiroshima Museum of Art © Succession Picasso 2011
Paul Cézanne, Les baigneurs, Lyon, Musée des Beaux Arts, dépôt du musée d’Orsay © service presse Rmn-Grand Palais (Musée d’Orsay) / René-Gabriel Ojéda
Deux ans après la magnifique exposition 
Autres genres très prisés, celui des scènes domestiques, très présent dans l’exposition avec notamment Metsu (Femme préparant des crêpes avec un jeune garçon) et Hooch (Homme lisant une lettre à une femme), ainsi que celui des paysages et des animaux. Admirez le soyeux des plumages des gallinacées des Volailles attaquées par un renard de Luyckx ou la douceur des pelages des animaux de ferme de Weenix dans ses Personnages et bétail parmi les ruines ! Les Hollandais se plaisaient à peindre les objets, les matières et leurs contrastes : leurs tableaux sont souvent très tactiles et peuvent dégager une sensualité bien indépendante de leurs sujets.
Pour le public parisien, l’exposition ouverte ce mois-ci au Musée de l’Orangerie relève en grande partie de la découverte.
Mais l’approche la plus intéressante de l’exposition est celle faisant, au contraire, toute leur place aux spécificités de la peinture ibérique, où l’on voit tantôt comment ces artistes se sont approprié en le modernisant fondamentalement le riche héritage des grands maîtres espagnols, tantôt comment, continuateurs de la peinture moderne européenne, ils ont profondément inscrit celle-ci dans la tradition de leur culture nationale.
D’autres peintres apparaissent plus directement comme les héritiers de leurs aînés ibériques. La marque du Gréco et de Goya est très présente chez les artistes que l’exposition désigne comme révélateurs de "l’Espagne noire" (alors que les précédents appartiennent selon ce classement à "l’Espagne blanche", mais ce parti pris ne s’avère pas toujours évident au fil de la visite) : tableaux magnifiques et impressionnants, où domine une palette sombre parfois éclairée de rouge sang, tels le Portrait de Maurice Barrès devant Tolède de Ignacio Zuloaga, son Anachorète, aussi tordu par le vent sous un ciel tourmenté que les cyprès en arrière-plan, mais aussi la Paloma et les Deux gitanes au visage émacié de Isidre Nonell, ou encore les peintures de la période bleue de Picasso tel L’enterrement de Casagemas.
Donner aux visiteurs l’impression de découvrir une domus pompeiana telle qu’elle était il y a 2000 ans, juste avant que l’éruption du Vésuve en 79 ne la fige pour l’éternité : tel est le propos de l’exposition du Musée Maillol, à voir jusqu’au 12 février prochain.
On l’aura compris, la visite de l’exposition est un pur plaisir. Le principe d’évolution de pièce en pièce concilie la clarté d’une approche thématique à l’agrément d’une progression dynamique. La muséographie est belle, simple et efficace, avec ses couleurs délimitant les différents espaces de la maison. Enfin et surtout, les œuvres, presque toutes venue de Naples naturellement, sont extraordinaires.
Opéra-bouffe, définition : opéra dont les personnages et le sujet sont empruntés à la comédie.
Ils y sont tous et toute ressemblance avec des personnages connus est parfaitement réussie. Le spectacle passe en revue tous les grands moments de l’actualité "politique" de ces cinq dernières années et n’épargne personne, à droite comme à gauche.
Nous nous retrouvons au "cabaret" du théâtre Essaïon, à dire vrai une cave, avec ses murs nus et son odeur de pierre, une poignée de fauteuils rouges et une scène comme un mouchoir de poche à même le sol, sur laquelle trône un immense fauteuil sans âge.
Giacometti et les Étrusques : le rapprochement ne dérange pas, bien au contraire. Les statuettes en bronze filiformes des uns et de l’autre présentent des plastiques si proches que le premier coup d’œil suffit à accepter la réunion, en un même lieu, de ces œuvres séparées de plus de deux millénaires.
Passionnante en revanche est la question soulevée par Genet, et rappelée à la Pinacothèque, du rapport de Giacometti à la mort à travers ses œuvres : "Giacometti me dit qu’autrefois il eut l’idée de modeler une statue en terre et de l’enterrer (…) non pour qu’on la découvre, ou alors bien plus tard, quand lui-même et jusqu’au souvenir de son nom aurait disparu", se souvient l’écrivain dramaturge. Ce désir de rendre ses œuvres à l’éternité trouve naturellement grand écho dans cette exposition, où ses bouleversantes peintures et sculptures cohabitent avec les urnes cinéraires et les objets funéraires destinés à accompagner les défunts.
Esthétiquement, on l’a dit, tout se répond, des sculptures en bronze vert-de-gris longilignes et isolées, à la réunion dans une même vitrine de petits groupes de statuettes, tels ces Trois hommes qui marchent (1948) côtoyant quatre statuettes de la période hellénistique.