Aller voir les Nymphéas

Aller voir les Nympheas de Monet à l'OrangerieSi vous avez envie de peinture mais craignez de rencontrer la foule chez Picasso & Co, profitez donc de la lumière automnale et de ces belles journées pour aller vous perdre dans le jardin aquatique de M. Monet.

L’Orangerie, construite sous Napoléon III pour y entreposer les plantes fragiles du jardin des Tuileries pendant l’hiver abrite depuis en 1927 les Nymphéas de Claude Monet. Une installation conforme au vœu de l’artiste, qui avait décidé, dès les années 1910, de les offrir à l’Etat. Les deux salles en ellipse qui en sont tapissées (les toiles ont été marouflées à même les murs) ont été créées spécialement à cet effet.

Les travaux aboutis en 2006 ont permis de mettre fin aux errements qui perduraient depuis les années 1960, époque où, pour accueillir la donation Walter-Guillaume, des aménagements avaient privé les Nymphéas de leur positionnement de choix.

Ils sont désormais et comme à l’origine superbement et simplement éclairés à la lumière du jour, offerts à la contemplation du visiteur venu ici se poser un peu, se fondre dans ces étendues de couleurs, d’eaux et de végétaux. Il y reviendra certainement tant est vrai qu‘"un paysage ne vous imprègne pas en un jour".
Monet a prononcé cette phrase magnifique et prometteuse pour expliquer les quatre années qu’il a laissé passer entre la création de son "jardin d’eau" à Giverny et le début de son entreprise picturale. Sa justification s’est d’ailleurs avérée prophétique puisque de 1897 à sa mort en 1926, il ne cessa de peindre encore et toujours le jardin de sa propriété des bords de Seine, avec son pont japonais, ses iris et ses nénuphars blancs.
Si cette longue fresque d’eau (91 mètres de long au total des huit compositions) est si apaisante, les teintes de bleu constellé de blanc, de vert, de brun et parfois de rose n’y sont pas pour rien ; on est loin du verdâtre morbide des eaux stagnantes. Ici se reflètent les nuages, une ondulation douce semble parcourir le bassin, les fleurs éclore, les saules pleureurs couler avec une tranquillité extrême, la nature suivre son lent mouvement.
Un temps, en 1909, Claude Monet avait envisagé "d’employer à la décoration d’un salon ce thème des nymphéas : transporté le long des murs, enveloppant toutes les parois de son unité, il aurait procuré l’illusion d’un tout sans fin, d’une onde sans horizon et sans rivage ; les nerfs surmenés par le travail se seraient détendus là, selon l’exemple reposant de ces eaux stagnantes et, à qui l’eût habitée, cette pièce aurait offert l’asile d’une méditation paisible au centre d’un aquarium fleuri".
Le peintre a fait mieux que cela, en offrant au public ce moment de grâce qu’il a si bien décrit et qui, un siècle après, lui est toujours aussi nécessaire.

Musée de l’Orangerie
Jardin des Tuileries – 75001 Paris
TLJ sf le mardi, le 1er mai et le 25 décembre, de 9 h à 18 h
Métro : 1, 8, 12 station Concorde
Bus : 24, 42, 52, 72, 73, 84, 94 arrêt Concorde
Entrée : 7,5 € (TR : 5,5 €)
Gratuit le premier dimanche de chaque mois

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Le mystère et l'éclat. Pastels du Musée d'Orsay

Le mystère et l'éclat, exposition de pastels à OrsayLes dessins au pastel, apparus au XVème siècle, adorés au XVIIIème avec Chardin et autres Quentin de La Tour, puis délaissés par le le néo-classicisme ont connu un regain d’intérêt dans la seconde moitié du XIXème siècle.

Le Musée d’Orsay rappelle cet engouement et son succès en présentant jusqu’au 1er février une sélection de 118 œuvres issues de ses collections qui en comptent plus de 300.

Un chemin buissonnier en quelque sorte, à côté de la déferlante de la peinture cette saison à Paris, et une première pour l’institution, qui n’avait jamais proposé d’accrochage exclusivement consacré à cette technique.

Une visite d’autant plus conseillée que le parcours se révèle particulièrement riche et, en outre, des plus agréables, dans une belle scénographie de bleus et de mauves. Où l’on découvre que bien des maîtres de la fin du XIXème siècle se sont essayés au pastel, tels Manet, Renoir, Millet, Pierre Puvis de Chavannes…
On aime la douceur des contours et la subtilité des couleurs de ces touches crayeuses et grasses, qui donnent aux portraits davantage de proximité que la peinture, et une impression de vie que n’autorise pas forcément le dessin. Les personnages de Manet prennent ainsi parfois une autre tournure, moins frontale, malgré le réalisme un peu cruel de Madame Emile Zola.

La technique a aussi fait le régal des impressionnistes, comme Boudin, Monet, Pissaro, qui y ont vu le moyen de composer de splendides paysages tout en fondus et délicatesse, profitant du rendu exceptionnel de la lumière du trait au pastel. Une esthétique un peu brumeuse, diaphane, faite d’estompes et de nuances.

Le vaste espace dédié à Degas est sans doute le plus beau du parcours, où danseuses et baigneuses se succèdent dans une explosion de couleurs, d’audace, de grâce et de sensualité, alors que la dernière partie, consacrée aux symbolistes, ne fera peut-être pas l’unanimité. Elle permet toutefois de saluer, par exemple, l’exercice de style de Georges Desvallières, qui avec son impressionnant tableau des Tireurs à l’arc, confirme les possibilités du pastel pour mettre en valeur les volumes (bonjour la musculature de ces athlètes dignes des canons grecs…). Odilon Redon, avec un Grand vitrail a quant à lui rendu à merveille l’ambiance et la splendeur mi-ombre mi-couleur du gothique.

Enfin, le Musée d’Orsay a eu la bonne idée de présenter également des créations contemporaines. On peut notamment admirer, à côté de portraits du XVIIIème, une Lilette dans les feuillages (ou Jardin d’hiver) de Sam Szafran, évocatrice et intrigante à la fois, mettant en scène une femme assise dans le coin d’une immense végétation ciselée, d’un bleu décoratif et délicat… Ce pastel superbe et captivant montre si besoin en est que cette technique n’a pas fini d’inspirer les artistes.

Le mystère et l’éclat. Pastels du Musée d’Orsay
Jusqu’au 1er février 2009
Musée d’Orsay – 1, rue de la Légion d’Honneur, Paris 7ème
TLJ sf le lundi de 9 h 30 à 18 h, le jeudi jusqu’à 21 h 45
Entrée avec le billet du Musée (9,50 €, TR 7 €)

Image : William Degouve de Nuncques (Monthermé, Ardennes, 1867 – Stavelot, Belgique, 1935) "Nocturne au parc royal de Bruxelles", 1897, Pastel, 65 x 50 cm – Paris, musée d’Orsay © RMN (Musée d’Orsay) / © Hervé Lewandowski

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Entre les murs. Laurent Cantet

Entre les murs, Laurent Cantet, François BégaudeauC’est un film qui laisse un peu perplexe.

D’abord, il faut peut-être éviter la fausse bonne idée consistant à lire le livre de François Bégaudeau (1), écrit comme un scénario, juste avant d’aller en voir l’adaptation cinématographique : autant se réserver la surprise des dialogues et de la bouillonnante énergie, déjà présents dans le livre de l’ancien professeur de français.

Ensuite, il y a la Palme d’Or descernée par le jury de Sean Penn au dernier Festival de Cannes et l’hystérie qui s’en est suivie dans les médias comme dans le monde politique, grandes déclarations à l’appui : celles-ci ne manquèrent pas d’intriguer le grand public. Qu’ont-ils découvert qu’ils ne soupçonnaient point ?

Voici le film enfin projeté en salle. Et, curieusement, l’on en sort avec l’impression d’avoir vu une "petite chose". Laquelle, au fait ? Documentaire ou film ? Les milieux autorisés sont unanimes : il s’agit d’un film. L’affaire est entendue, remarque faite qu’étant inspiré de l’expérience d’un professeur de français jouant son propre rôle dans un collège du XXème arrondissement de Paris avec des élèves dudit collège pour interprètes, réalité et fiction se trouvent intimement mêlées.

Peu importe, si le résultat est convaincant. Il l’est assez. Mais il est avant tout attachant. L’empathie avec François Marin (noble personne, louables intentions et pédagogie plutôt fine) joue à plein régime. L’attachement à ces mômes de 13, 14 ou 15 ans, insupportables mais désarmants est immédiat. Les échanges, parfois enjoués, parfois violents, entre le professeur et ses élèves de quatrième évoquent bien souvent le jeu théâtral. Car pour ces ados, tout semble affaire de représentation et de spectacle. François est nécessairement pris (au piège ?) dans ce jeu, dont il détient toutefois en grande partie les clés : celles de la langue.
Là se trouve la trame de fond et le véritable intérêt d‘Entre les murs, livre comme film : l’affrontement incessant entre les élèves et leur professeur est avant tout l’affrontement de deux langages. François Marin a pour mission de leur faire apprendre le sien, qui est celui de la société dominante et que ces jeunes ont du mal à accepter et surtout à s’approprier. Avec la maîtrise du verbe, se joue pourtant leur avenir. Tel est l’enjeu de l’action qui se déroule sous nos yeux, telle est la force du film, et son ressort dramatique. Peut-être ne faut-il pas en chercher d’autre.

Entre les murs
Un film de Laurent Cantet
Avec François Bégaudeau, Esmeralda Ouertani, Boubacar Touré, Angelica Sancio, Burak Ozyilmaz, Nassim Amrabt, Louise Grinberg
Durée 2 h 08

(1) Editions Verticales (2006), Prix France Culture-Télérama
Egalement en Folio, 290 p., 6,30 €

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Georges Rouault. Chefs-d'oeuvre de la collection Idemitsu

Georges Rouault, chefs-d'oeuvre de la collection Idemitsu à la Pinacothèque de ParisPeintre catholique adepte des couleurs sombres, ne se rattachant clairement à aucun grand courant pictural du XXème siècle, Georges Rouault (1871-1958) n’est pas a priori un peintre des plus attrayants.

Il mérite pourtant d’être connu au delà de ces poncifs tant sa peinture est belle, parfois gaie et, bien souvent, évoque une gamme d’émotions profondes.
Telle est la découverte que nous réserve l’exposition présentée à la Pinacothèque de Paris jusqu’au 18 janvier 2009.

D’une manière très vivante, les 70 tableaux issus de la prestigieuse collection japonaise Idemitsu (riche de plus de 400 œuvres) sont organisés autour des grandes amitiés de Georges Rouault, qui sont autant de pistes biographiques et artistiques.
Gustave Moreau, son maître, dont il fut après sa mort le premier directeur du musée qui lui a été consacré ; Matisse, qu’il connut dans l’atelier de Moreau et dont il demeura toute sa vie l’ami ; Léon Bloy, le romancier et critique avec qui les divergences artistiques n’empêchèrent pas une solide amitié ; Ambroise Vollard, son marchand d’art et éditeur qui selon sa méthode lui acheta dès 1913 la totalité de son atelier ; le couple de philosophes Jacques et Raïssa Maritain auprès de qui le natif de Belleville vécut à Versailles ; enfin l’écrivain André Suarès : de cette dernière amitié est né Passion, l’un des plus célèbres ouvrages illustrés de Rouault.

Délaissant le côté religieux de son œuvre, l’exposition souligne au fil des salles le rapprochement qui peut être fait avec la peinture japonaise, conforté sur ce point par le succès que Georges Rouault connut très tôt au Japon. Il est vrai que l’écriture picturale de l’artiste, avec ses cernes noirs (qui peuvent également rappeler, dans une toute autre direction, les vitraux moyenâgeux) et certaines de ses compositions évoquent les estampes traditionnelles Ukiyo-e.

Il n’en demeure pas moins que la peinture de Rouault est à admirer avant tout pour ce qu’elle est : esthétiquement passionnante, multiple et séduisante.
Se laisser choquer, d’abord, par l’outrance, les grands aplats de couleur pure et la violence de ces Hécate guerrière, Juge et autre Lutteur. Admirer ensuite la stylisation qui confine parfois à l’esquisse, comme avec cette Petite écuyère, impression trompeuse tant est fin le travail des couleurs et des ombres. S’émerveiller devant la grâce de Bacchanales parfaitement composées dans une alliance de teintes chair et turquoise, sur des volumes qui ne sont pas sans rappeler Cézanne et Picasso. Ou encore devant la sensualité provocante de ces Baigneuses, en pensant peut-être à l’état de nature cher à Gauguin.
Voyez aussi cette Femme au tambourin : qui a dit couleurs sombres ? Voici du bleu, du jaune, du vert lumineux. Quel profil, quelle classe dans ce portrait, quelle superbe ambiance décorative. Un peu plus loin, Madame X évoquera une non moins grande majesté.

Et puis il y a l’émotion face à ce Clown de face, aux teintes pastel relevées de noir, qui semble tout tourné vers son monde intérieur. A quoi pense-t-il ? Cette étrange expression méditative n’est-elle pas celle d’un homme qui doute ? La Tête de femme, yeux démesurés sur un visage penché vers l’avant suscitera les mêmes questions.

On finira par les vues de Georges Rouault. Elles nous montrent un paysagiste au sens de la composition sûr, imprimant sérénité, vie et équilibre. Que ces toiles aux empâtements épais paraissent éloignées des tout petits paysages du début, ceux peints au temps où Moreau conseillait à ses élèves de "peindre la nature" ! Pour autant, sur un autre support, dans d’autres formats, avec une autre technique et un style pictural fondamentalement différent, il s’en dégage la même tranquillité d’un artiste qui malgré ses dénonciations des travers de la société des hommes, a foi en ce monde, tel ce "modèle de l’intégrité absolue, de la patience acharnée et du travail dévorant, de l’inflexible fidélité à la vision intérieure que sont les premières exigences de l’art", trouvé par Jacques Maritain en son ami Rouault.

Georges Rouault. Chefs-d’oeuvre de la collection Idemitsu
Pinacothèque de Paris
28, place de la Madeleine – Paris 8ème
TLJ de 10 h 30 à 18 h, les 25 déc. et 1er janv. de 14 h à 18 h
Nocturnes les premiers mercredi du mois jusqu’à 21 h
Entrée 9 € (TR 7 €)

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A Toulouse : Cinespaña 2008

Cinespana 2008Ce vendredi 3 octobre, Cinespaña redémarre pour une treizième édition de promotion du cinéma espagnol en France.

Six distinctions seront remises samedi 11 octobre au cours de la soirée de clôture, honorée de la présence du parrain du festival, Jorge Semprún :
– la Violette d’Or du Meilleur long métrage ;
– le Prix du Meilleur court métrage ;
– le Prix du Meilleurs Documentaire du jury Raíces ;
– le Prix Révélation descerné par le jury Etudiant ;
– le Coup de coeur des lecteurs de la Dépêche du Midi ;
– mais aussi le film préféré du public.

Cette année, un hommage est rendu au comédien (plus de deux cents rôles), réalisateur (trente films) et écrivain Fernando Fernán Gómez, tandis que la rétrospective est consacrée, en sa présence, au directeur de la photo lauréat de quatre Goyas, José Luis Alcaine. Chef opérateur de plus de cent films, il a notamment travaillé avec Pedro Aldomovar dans Attache-moi et Volver.
A noter aussi, le cycle scolaire mis en place avec l’Inspection Académique de Midi-Pyrénées qui présente une sélection de films aux collégiens et lycéens.
Enfin, la convivialité promet d’être comme toujours de la partie dans la cour de la Cinémathèque de Toulouse avec des rencontres-débats, apéro-concerts et autres rendez-vous au restaurant ou au bar à tapas.
Bon festival à tous !

Les lieux de Cinespaña
A Toulouse :
Cinémathèque – 69 Rue du Taur
Instituto Cervantes – 31 Rue des Châlets
Cinéma ABC au centre culturel Alban Minville 67 Allée de Bellefontaine
où l’ABC s’est transporté pour la durée de ses travaux de rénovation
Cinéma UGC – 9 allées Franklin Roosevelt
Ecole Supérieure d’Audiovisuel (ESAV) – 56 Rue du Taur
Casa de España – 85 avenue des Minimes
Cinéma Utopia – Rue Montardy
A Tournefeuille
Cinéma Utopia – Allées des Sports (31170)
Et pour tout savoir sur la programmation : Cinespaña 2008

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Camille Claudel : délai supplémentaire

Château de Lavardens, exposition Camille ClaudelA la suite de questions posées par certains lecteurs, la nouvelle est confirmée : l’exposition Camille Claudel au Château de Lavardens dans le Gers est prolongée jusqu’au 5 octobre 2008.

Vous y redécouvrirez la vie poignante de l’artiste et y admirerez des dizaines d’oeuvres issues de la collection de Reine-Marie Paris, petite-nièce de l’artiste, parmi les plus célèbres et les plus émouvantes de Camille Claudel.
Bonne visite et bonne balade !

Camille Claudel
Jusqu’au 5 octobre 2008
TLJ de 10 h à 18 h
Château de Lavardens
32360 Lavardens
Tel : 05 62 58 10 62

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Rubato ma gissando. Annette Messager/Gérard Pesson

Annette MessagerChapelle des Recollets, Maison de l’Artchitecture, près de la gare de l’Est à Paris.
Du vaisseau renversé, au plafond, pendent des instruments de musique, grosse caisse, cors, guitare. Ils côtoient des sculptures d’Annette Messager, membres en mousse entrelacés dans leur moustiquaire, poupées de laine en grappe, sacs de plastique assemblées en corole.
Lumière rouge, pénombre.
Au sol, des musiciens harnachés à des fils jusqu’à la voûte, saxophone, tuba, violoncelle. Bancs de bois, murs décrépis.

Surgissent de petits chants d’oiseaux, des froissements de feuille, des bruits d’eau. Ou tout autre chose. Cela monte comme un flot. Une nature en éveil. Cela monte et s’accélère avant de se calmer. Violon, cornemuse, grande feuille plastifiée. Cela vrombit, au loin, puis vient une ondée du matin, légère comme un carillon clair. Les mobiles (instruments, sculpture, et même un jeune homme replié) montent et descendent, tandis que bat un coeur, qu’un homme souffle et s’essouffle ; que semble se jouer la vie.
Plus tard, de la matière va couleur et des oiseaux hululer dans une verte nuit.
C’est organique et poétique, grave et léger, savant et enfantin. Il y a des lettres prononcées et de longs nez menteurs. C’est un petit concentré de vie, extraordinaire et quotidien, que nous offre durant quelques (trop courtes) vingt minutes ce tableau vivant et musical brossé par deux immenses talents.

Rubato ma gissando. Annette Messager/Gérard Pesson
Dans le cadre du Festival d’Automne à Paris
Maison de l’Architecture
148, rue du Faubourg Saint-Martin – 75010 Paris
Métro : Gare de l’Est
Jusqu’au 28 septembre 2008
A 20h, 20h45, 21h30, 22h15
Tarif unique : 10 €
Durée : 20’

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Alexandre et Louis XIV, Tissages de gloire

Alexandre le Grand à la Galerie des GobelinsOn peut reprocher à jacques Garcia la folie des grandeurs de ses décors, leur côté ostentatoire, voire "nouveau riche". Une impression que donnent parfois les lieux à la mode qu’il a griffés depuis une dizaine d’années.
Mais qui de mieux que lui pouvait assurer la scénographie d’une exposition consacrée à la splendeur décorative de l’époque de Louis XIV ?

Retour aux sources, donc, à la Galerie des Gobelins, qui fut fondée officiellement au début du règne de Louis XIV et dont Colbert confia très vite la direction à Charles Le Brun, devenu par la suite Premier peintre du Roi. Y sont présentés jusqu’au 1er mars 2009 des tapisseries, soies peintes, dessins, gravures mais aussi du mobilier créés à la gloire du règne commençant.

Le rez-de-chaussée est consacré à la chronique des conquêtes de Louis XIV. Celle des Provinces-Unies (la suprématie commerciale des Pays-Bas étant alors insupportable, le Roi décida d’y mettre fin) est présentée sur trois grandes toiles de soie peinte, procédé extrêmement original et demeuré inédit dans les collections de la Galerie Nationale. Deux tapisseries évoquent ensuite la guerre de dévolution en exaltant la bravoure royale, pour ne pas dire en faisant oeuvre de propagande ; Van der Meulen, sous la direction de Le Brun y montre un Roi prenant part personnellement aux combats, descendant même dans la tranchée sous les cris de ses généraux qui l’implorent de ne pas mettre ainsi ses jours en péril…

Mais le coeur battant du parcours est à l’étage, où est exposé pour la première fois l’ensemble de tapisseries célébrant les conquêtes d’Alexandre le Grand, entièrement réalisé à partir de cartons de Charles Le Brun. Est ici explorée une autre veine de la célébration de la gloire royale, le registre allégorique qui puise dans l’histoire de l’Antiquité. La référence au grand conquérant, notamment à ses exploits en Perse, était évidemment des plus flatteuses pour notre Louis XIV.
Il s’agit de l’oeuvre à laquelle Le Brun s’est consacré avec le plus de ferveur et de soin, élaborant à cet effet quelques 250 dessins (tous conservés au Louvre).
Le résultat est époustouflant, avec ses multiples scènes d’action audacieuses, ses compositions complexes et ses couleurs vives, le rouge avant tout bien sûr, mais aussi le très beau bleu roy.

C’est le rouge, précisément, que Jacques Garcia (mécène de l’exposition) a choisi pour la scénographie du rez-de-chaussée. La couleur triomphale s’étale en une magnifique perspective, rythmée par deux arcs de triomphe ornés des portes de l’ancien garde-meuble de la Galerie des Gobelins. Au fond de cette enfilade qui évoque les appartements royaux, l’on aperçoit un superbe cabinet en marqueterie Boulle (écaille de tortue, étain, ébène, cuivre doré…), tandis qu’au sol s’étale l’un des tapis (le 53ème exactement !) créés par Le Brun pour la Grande Galerie du Louvre.

Plus beau encore, le premier étage, lui tout en vert, restitue, pour accueillir les tapisseries d’Alexandre l’ambiance des jardins aménagés par Le Nôtre, avec ses allées bordées de topiaires et, au centre, sur un podium de buis… le buste de Louis XIV bien sûr. N’en jetez plus, direz-vous ? Certes, mais il faut reconnaître qu’on est sacrément ébloui !

Alexandre et Louis XIV, Tissages de gloire
Galerie des Gobelins
42, av. des Gobelins – Paris XIIIème
Jusqu’au 1er mars 2009
Tlj sauf le lundi de 12 h 30 à 18 h 30
Entrée : 6 € (TR 4 €)
Visite avec conférencier les mer., ven. et sam. à 15 h 30 et 17 h (10 €, TR 7,50 €)

Image : Tapisserie des Gobelins, Tenture de L’Histoire d’Alexandre, d’après Charles Le Brun, La famille de Darius aux pieds d’Alexandre, XVIIe siècle. Photo : Philippe Sébert

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Du cristal à la fumée. Théâtre du Rond-Point

Du cristal à la fumée, théâtre du Rond-PointLe 12 novembre 1938 à Berlin, deux jours après la Nuit de cristal déclenchée par Goebbels, les hauts dignitaires nazis se réunissent autour de Goering pour décider des conditions d’indemnisation des commerçants juifs dont les magasins ont été mis à sac, et, plus largement des "mesures économiques" à prendre contre les juifs.
Est ainsi examiné en détail le moyen d’aboutir à ce que, malgré des polices d’assurance en bonne et due forme, pas un Reichsmark ne soit versé aux victimes. Et ce qui est évoqué, non énoncé mais sourd de bout en bout et de part en part de cette effrayante réunion, c’est la solution vers laquelle le régime se dirigera en définitive.

Jacques Attali a écrit ce texte à partir de documents d’archives, dont certains ont été mis au jour récemment. La nécessité de les porter à la connaissance du public, de rappeler sans relâche les atrocités de la Seconde guerre mondiale et de mettre en lumière les mécanismes qui ont conduit à la Shoah est absolument indiscutable.

Mais le mérite d’un sujet fait-il automatiquement celui d’un spectacle ? De ce point, l’on peut discuter. Si Du cristal à la fumée est sans nul doute un document historique à lire, comment le porter à la scène ? Daniel Mesguich a dû certainement se poser la question mais n’a visiblement pas trouvé de réponse. "Il s’agit de faire signe vers la scène qui s’est déroulée ce jour-là, et non pas de chercher à la montrer, réalistement, ni à la théâtraliser" précise-t-il. Pourtant, il n’a pas renoncé à essayer de faire jouer les acteurs, et la direction qui leur a été donnée ne convainc pas. Chacun donne l’impression de faire ce qu’il peut et l’ensemble a un côté presque bouffon, ou du moins aux traits si épais qu’il ne peut fonctionner. Quant au passant, témoin qui va, vient, erre, on ne sait qu’en faire.

Le refus de mise en scène de Daniel Mesguich est indéniable, qui va non seulement jusqu’à faire "lire" leur texte aux comédiens (pour manifester que celui-ci ne peut être "dit") mais encore jusqu’à s’abstenir de les faire saluer à la fin de la représentation.
Si ce texte n’est pas une pièce de théâtre, s’il ne peut être mis en scène, il aurait été plus simple d’en donner directement la lecture au public. Il n’en se serait pas moins déplacé et n’aurait pas éprouvé cette très désagréable impression de "pose".

Du cristal à la fumée
De Jacques Attali
Mise en scène Daniel Mesguich
Avec Féodor Atkine, Jean-Damien Barbin, Matthieu Cruciani, Frédéric Cuif, Sébastien Desjours, Bernard-Pierre Donnadieu, Florent Ferrier, Xavier Gallais, Arnaud Maillard, Philippe Maymat, William Mesguich, Eric Verdin, Zbigniew Horoks
Théâtre du Rond-Point
2 bis, avenue Franklin D. Roosevelt – 75008 Paris
A 20 h 30, durée : 2 h

Image : Du cristal à la fumée © Stéphane Trapier

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La belle personne. Christophe Honoré

La belle personne de Christophe HonoréA quoi sert La Princesse de Clèves, sauf à encombrer l’esprit de fonctionnaires inconséquemment recrutés ?
A quoi sert la littérature, cette tortionnaire d’enfants, toujours prête à d’inutiles finasseries, alors que les réponses aux questions du monde d’aujourd’hui sont paraît-il si simples ?

Christophe Honoré, concluant sa belle trilogie parisienne, fournit avec cette libre adaptation de La Princesse de Clèves un début de réponse.
Avec lui, la Princesse s’appelle Junie, a seize ans et fréquente en ce début du XXIème siècle un lycée de l’ouest parisien. Et grâce à cette Belle personne, les sentiments semblent traverser les siècles sans l’ombre d’une poussière.
C’est que depuis Dans Paris, puis Les chansons d’amour et enfin avec celui-ci, Christophe Honoré pose et maîtrise à chaque fois davantage son film, pour accéder à une épure dans la mise en scène et dans l’expression des sentiments qu’il n’avait jamais atteinte.
Ici, tout se joue dans une poignée de plans parfois très courts, dans un regard à la dérobée, un visage bouleversé, des yeux perdus sous la vague du sentiment amoureux, l’espoir ou l’esquisse d’une étreinte.
Si le coeur et l’armature du film sont tenus par Junie, figure éternelle de l’amoureuse éprise d’absolu depuis Mme de Lafayette, le personnage central, au sens physique du terme, est certainement Nemours, le jeune professeur d’italien. Incarné par un Louis Garrel proprement magnétique, au contraire de Junie que le mystère et l’extrême exigence éloignent, Nemours est évidemment le personnage le plus proche, le plus humain. Face à une Princesse presque désincarnée (ce qui est d’autant plus talentueux de la part du metteur en scène et de Léa Seydoux que celle-ci a un physique précisément très charnel), Nemours concentre en ses traits l’irrésistible attirance, presque électrique, le désir et le trouble. Deux amoureux mus par une même intensité de sentiments mais que Junie rejettera dans l’absolu, l’empêchant de devenir terrestre.

La belle personne. Christophe Honoré
Avec Louis Garrel, Léa Seydoux, Grégoire Leprince-Ringuet
Durée 1 h 30
Le site officiel du film

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