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L’Art Nouveau, la Révolution décorative

Art Nouveau, Eugène Grasset Pas moins de deux cents oeuvres sont réunies à la Pinacothèque de Paris jusqu’au 8 septembre 2013 pour rendre hommage à l’Art Nouveau.

Mouvement moderniste des arts décoratifs apparu à la toute fin du XIXème siècle et disparu dès les années 1910, l’Art Nouveau fut éphémère, international et couvrit de nombreux domaines.

Le premier d’entre eux, sur le plan historique, fut l’architecture, avec l’Hôtel Tassel conçu par Victor Horta à Bruxelles en 1893. Puis se furent les meubles, les objets d’art décoratif, la sculpture, les bijoux…
Revues et affiches en assurèrent une large diffusion, de même que la fameuse galerie Bing ouverte à Paris en 1895 sous le nom "Art Nouveau", sans compter les Expositions Universelles, dont celle de 1900 à Paris. Car si à Londres, aux Etats-Unis, à Bruxelles, en Italie, à Vienne ou encore en Espagne, se développèrent, sous différents noms, des mouvements décoratifs en rupture avec les conventions jusqu’alors en vigueur, Paris constitua l’une des vitrines les plus importantes de l’Art Nouveau. La capitale était alors un centre artistique majeur, doté d’un grand savoir-faire en matière d’artisanat et de commerce de luxe et qui en outre bénéficiait des productions de tout premier plan issues de la ville de Nancy, notamment d’Emile Gallé et de Louis Majorelle.

N’ayant de cesse d’être oublié puis redécouvert, conspué et admiré depuis son apparition, le style Art Nouveau est aujourd’hui bien connu : ce sont des lignes courbes, asymétriques, légères, associées à des formes organiques et naturelles. Les matériaux utilisés sont aussi variés que le bois, le verre, le fer, l’émail, les pierres précieuses, la nacre… Les couleurs, qu’il s’agisse de vert, de bleu ou de violine sont toujours raffinées. Les motifs les plus récurrents sont les végétaux, certains animaux comme la libellule ou le paon, mais aussi bien sûr la femme aux courbes marquées.
La Pinacothèque met d’ailleurs en avant l’aspect sensuel et même érotique de l’Art Nouveau, avec des sculptures et des affiches représentant des femmes aux longues chevelures déployées et aux corps en partie dénudés exaltant leur sensualité dans des mouvements d’une liberté exacerbée.

Art Nouveau, Hector Lemaire A l’image de celles-ci, l’ensemble des œuvres présentées au fil du parcours sont d’une extraordinaire beauté. Elles réunissent les plus grands noms du mouvement Art Nouveau et, à l’exception de l’architecture, tous les domaines de création.
L’on y voit par exemple des céramiques d’Eugène Grasset, des appliques de René Lalique (Les Blés), des boucles de ceinture de Piel, des vases de Gallé, de Muller ou encore de Daum, des affiches d’Alphonse Mucha (Job, reproduite aussi sur émail), sans oublier bien sûr des meubles de Majorelle…

Après les expositions du Musée d’Orsay en 2006 puis en 2009, l’exposition de la Pinacothèque de Paris constitue une mine incontournable pour tout amateur d’Art Nouveau, un courant décidément revenu en grâce ces dernières années.

L’Art Nouveau, la Révolution décorative
Pinacothèque de Paris
28 place de la Madeleine – Paris 8ème
TLJ de 10h30 à 18h30, nocturnes les mer. et ven. jsq 21 h
Entrée 12 euros (TR 10 euros)
Jusqu’au 8 septembre 2013
En parallèle, la Pinacothèque de Paris présente une exposition dédiée à Tamara de Lempicka

Images :
Eugène Grasset, Affiche pour le Salon des Cent, 1894, Pochoir 64,2 x 50,2 cm Collection privée © Arwas Archives Photo Pierluigi Siena
Hector Lemaire / Manufacture nationale de Sèvres, Le rocher aux pleurs c. 1900 Biscuit de Sèvres 42 x 33 x 24 cm Collection Victor et Gretha Arwas © Arwas Archives

Le Monde enchanté de Jacques Demy

Exposition Jacques Demy, Cinémathèque française

Des photos, des lettres, des plans de tournage, des carnets, des peintures, des dessins, des extraits d’interview et de films bien sûr… C’est tout cela à la fois qui recréé le monde en chanté de Jacques Demy, le célèbre réalisateur disparu en 1990 mais dont les plus grands succès remontent aux années 1960.
L’exposition enfin organisée à la Cinémathèque – un vieux projet déjà envisagé du temps de Claude Berri – a nécessité deux ans de préparation, pour un résultat qui tient toutes ses promesses.

L’on y pénètre par le passage Pommeraye reconstitué, décor de l’enfance de Jacques Demy, pour suivre un parcours chronologique : les débuts à Nantes où la passion du cinéma est tôt venue au petit Jacquot, avec les courts métrages, puis Lola en 1961.
Après le détour niçois du magnifique Baie des Anges, voici le succès des Parapluies des Cherbourg. La palme d’or est là, sous vitrine, tout près d’un télégramme de félicitations de François Truffaut. Les fameux papiers peints, créés spécialement pour le film, sont tendus sur les murs avec des photos du film pour les restituer dans leur contexte.
Puis viennent Les Demoiselles de Rochefort, avec de superbes photos en couleur mais aussi la reconstitution de la galerie d’art de Lancien.
Ensuite c’est la période californienne, avec Model Shop et notamment une interview d’Harrison Ford.
Peau d’âne réserve la partie la plus matérielle de l’exposition : la peau de l’âne authentique a été retrouvée et les robes couleur de Jour, de Lune et de Temps ont été recréées.
Les sections consacrées aux films suivants, qui ont eu moins de succès, sont un peu plus réduites, mais l’on retrouve avec plaisir les univers forts différents d‘Une chambre en ville,ou encore de Trois places pour le 26 (certaines des robes portées par Mathilda May sont là aussi).

Après en avoir savouré des extraits tout au long de l’exposition, on en ressort avec l’envie de revoir tous les films de Jacques Demy, y compris ceux que l’on connaît le moins. On en ressort aussi enrichi des inspirations du cinéaste. Par exemple, en introduction à Peau d’âne, des gravures de Gustave Doré rappellent le goût pour le XIXè de Demy. Des œuvres inattendues pour évoquer un film haut en couleurs, mais somme toute très cohérentes avec sa veine fantastique.

Le Monde enchanté de Jacques Demy
Cinémathèque française
51 rue de Bercy – Paris XIIème
Lundi, mercredi à vendredi 12h-19h
Week-end, jours fériés et vacances (27 avril au 12 mai et 3 juillet au 4 août) : 10h-20h
Nocturne le jeudi jusqu’à 22h
Fermeture le mardi et le 1er mai
Plein tarif : 10€, tarif réduit : 8€
Moins de 18 ans : 5€
Jusqu’au 4 août 2013

Gobelins par Nature, Eloge de la Verdure

Gobelins par Nature, éloge de la verdure La Galerie des Gobelins, en construisant des ponts entre hier, voire même avant-hier, et aujourd’hui a le chic pour mettre en valeur les œuvres de tapisserie de façon spectaculaire.

Cette fois, c’est le thème de la flore qui sert de fil conducteur à un parcours qui n’a rien de chronologique et fait au contraire se choquer les époques de façon merveilleuse.

Les œuvres présentées les plus anciennes remontent au XVIème siècle, où l’on remplissait entièrement la toile de végétation stylisée, avec notamment des motifs rappelant les feuilles d’acanthes de l’Antiquité gréco-romaine.

Aux siècles suivants, les animaux viennent enrichir l’iconographie, mais c’est avec l’illustration des saisons que ces représentations ont pris un souffle plus remarquable encore, où l’on voit les dieux mythologiques régner sur les mois de l’année. Dans cette veine, les tapisseries élaborées aux XVIIème et XVIIIème siècles d’après les peintures de Le Brun sont superbes.

A côté de ces chefs-d’œuvre, l’on découvre des tapisseries récentes qui, répondant aux mêmes thèmes végétaux, montrent à quel point cet art n’a rien perdu de sa splendeur : ici un Jardin bleu japonisant d’Etienne Hajdu, là une Lavande de Pierre Alechinsky, plus loin un graphique Velvet Jungle de Jacques Monory, sans oublier de délicats Nymphéas de Monet…

Le parcours fait également la part belle à des pièces d’exception du Mobilier National ornées de feuilles et de fleurs, avec par exemple un exquis canapé lilas de 1930 signé Emile Gaudissart ou encore un ensemble composé d’un fauteuil et d’un écran de René Piot (1925), d’une richesse chromatique qui n’a d’égale que la recherche de ses lignes.

Enfin, à voir absolument aussi, la Carte blanche à Éva Jospin, qui n’a rien à voir avec la tapisserie, mais est reliée au reste de l’exposition par le thème de la nature. Il s’agit d’une sculpture monumentale de 7 mètres sur 3, plongée dans le noir si ce n’est un savant éclairage, et représentant une forêt… en carton… Aussi beau que bluffant !

Gobelins par Nature, Eloge de la Verdure – XVIè-XXIè siècle
Galerie des Gobelins
42 avenue des Gobelins 75013 Paris
TLJ de 11 h à 18h, sauf les lundis, le 25 décembre, le 1er janvier et le 1er mai
Plein tarif : 6 €, tarif réduit : 4 €
Accès gratuit le dernier dimanche de chaque mois
Jusqu’au 19 janvier 2014

The Place Beyond the Pines

Place beyond the pines, Ryan Gosling Le film déroule une fresque sur deux générations, celle des pères et celle des fils, avec la force implacable des tragédies antiques.

Voici Luke, interprété par Ryan Gosling, dur taiseux au cœur tendre façon héros de Drive, cascadeur dans une fête foraine, le plus rapide et le plus doué sur sa machine infernale. Un jour, Romina, interprété par Eva Mendes – merveilleuse – vient le voir. Ils ont été amants d’un soir. Elle a eu un bébé. Il est papa mais à présent elle a un compagnon. Luke veut assumer son rôle, donner des glaces et de l’argent à son enfant. Comme il n’a que sa moto pour bien et son effroyable vitesse pour talent, il se met à braquer des banques. Cela finit par mal tourner ; un flic pas plus âgé que lui le descend.
Fin de l’acte I.

Le flic (impeccable Bradley Cooper), blessé dans l’affaire et désormais boitillant, est rongé par la culpabilité – il sait que Luke avait un gosse, du même âge que le sien. Mais, confiant en la vie et en lui-même, ambitieux, il avance. Il découvre que ses collègues sont ripoux, les dénonce et se lance avec succès – et l’aide de son propre père, grand procureur en retraite – dans la politique.

Dernier acte. Quinze ans sont passés. L’ex-flic a divorcé ; il est en pleine campagne politique pour un poste de gouverneur. Son fils vient habiter chez lui, ce qui est plus un poids qu’autre chose. Le gosse de riche s’ennuie et se défonce pour s’occuper. Il rencontre Jason, adolescent osseux et effacé, porté aussi sur la fumette. Il le prend sous sa coupe, le domine avec sadisme. Contrairement au premier, Jason ne sait pas encore qui est son père…

Cette tragédie en trois actes a le souffle des grands romans américains et la réalisation parfaite des grands films de cinéma. Il a des moments lents – on dirait de germination – et d’autres d’accélération effrénée. Le spectateur a toujours un temps de retard face à l’action qui entraîne, précipite, étonne. Et émeut. Car sous trame de thriller, The Place Beyond the Pines ne parle que de destinée humaine, de transmission et – là est la véritable tragédie – de si peu de liberté dans cette Amérique sans âge. Car l’on ne naît pas neuf dans ce monde à conquérir – l’orphelin laisse un orphelin comme le bien-né assurera l’avenir de son rejeton – et c’est évidemment le plus universel et le plus bouleversant.

The Place Beyond the Pines
Un film de Derek Cianfrance
Durée 2 h 20
Sorti en salles le 20 mars 2013

Chagall, Entre guerre et paix. Musée du Luxembourg

La danse, Chagall En une centaine de peintures, dessins et gravures,l’exposition du Musée du Luxembourg donne une idée de l’intensité de l’œuvre de Marc Chagall (1887-1985).
Intense est également, au sens physique, l’exposition. Le manque d’espace entre les œuvres et le manque de recul pour les admirer sont évidents, dans un espace inadapté à l’accueil d’un public fourni.
Malgré ces réserves, la qualité et la variété des œuvres montrées raviront les amateurs de Chagall et conquerront aisément les autres. D’autant que l’exposition est l’occasion de voir, outre des œuvres conservées dans les musées parisiens, un grand nombre d’autres venues de musées européens et américains ou encore prêtées par des particuliers.

Le parcours est chronologique, au service de son propos : montrer les contrastes du travail de Chagall au fil des événements qu’il a traversés tout au long du XXème siècle, qu’il s’agisse de son histoire personnelle ou des soubresauts de l’histoire contemporaine.

Même si sa première exposition a lieu en 1914 à Berlin, sa trajectoire d’artiste commence en 1910 à Paris, où il est venu étudier et où il rencontre les artistes de La Ruche : Soutine, Léger, Delaunay, Archipenko, Zadkine…
A partir de 1914, son retour en Russie, et notamment dans son village de Vitebsk est marqué par un resserrement des liens avec ses racines juives, par son mariage avec Bella Rosenfeld, par la révolution de 1917 et bien sûr par la Première guerre mondiale.
Ces deux premières périodes, parisienne puis russe, montrent une césure forte. Alors que les premiers tableaux affichent des sujets gais et des couleurs d’un éclat presque insolent, ceux des années russes sont beaucoup plus graves, voire sombres. Des figures du judaïsme apparaissent (rabbin, juif errant), mais également des soldats blessés et des populations en fuite.

En 1923, Chagall revient à Paris, où il se consacre à différents travaux, notamment d’illustration à la demande du marchand d’art Ambroise Vollard : Les âmes mortes de Gogol, les Fables de La Fontaine. La commande d’illustration de la Bible sera pour lui l’occasion de se rendre en Palestine. Une partie de l’œuvre éblouissante qu’il en tirera est exposée ici. Elle témoigne de la grande simplicité et de l’immense humanisme avec lequel l’artiste a abordé les grands épisodes bibliques.

Pendant la Deuxième guerre mondiale, il trouve refuge aux Etats-Unis. Les massacres commis en Europe, qui ne sont pas sans lui rappeler les pogroms subis par les Juifs dans la Russie tsariste de son enfance, lui inspirent des tableaux montrant des scènes tragiques d’exodes et de villages en flammes. Chagall mêle des éléments juifs tels le châle de prière ou le chandelier à sept branches à des représentations de la crucifixion, symbole de la souffrance humaine.
En 1944, il est en outre frappé par le deuil de son épouse Bella. Les années suivantes, il ne cessera de la représenter dans des scènes pleines d’amour et de tendresse.

Songe d'une nuit d'été, Chagall Après la Guerre, comme nombre de peintres, il s’installe sur la Côte d’Azur. La lumière du Midi insuffle à sa peinture des couleurs de plus en plus éclatantes, dont les immenses toiles du musée du Message biblique – à aller voir à Nice – seront évidemment les œuvres les plus emblématiques.

L’œuvre de Chagall s’accommode assez mal des descriptions. C’est une peinture à la fois du détail (il mêle tant de motifs sur une même toile), d’une large inspiration narrative (qu’il s’agisse de son histoire personnelle ou de la Grande histoire, y compris biblique) mais aussi d’imagination (la puissance onirique est souvent très forte). C’est une peinture figurative – mais affranchie de toutes les lois de la représentation – et très allégorique.
Elle a une place particulière dans l’histoire de la peinture du XXème siècle, à l’écart de toutes les écoles, mais aussi, à voir l’enthousiasme (partagé) des visiteurs, dans l’intimité de ceux qui l’admirent, touchés par son souffle poétique, spirituel et humaniste.

Chagall, Entre guerre et paix
Musée du Luxembourg
19 rue de Vaugirard – 75006 Paris
TLJ de 10h à 19h30 et le dimanche de 9h à 20h
Nocturne le lundi et le vendredi jusqu’à 22h
Ouverture exceptionnelle jusqu’à 22h les samedis du 23 mars au 20 avril
Fermeture le mercredi 1er mai
Entrée 11 euros, TR 7,5 euros
Jusqu’au 21 juillet 2013

Images :
Marc Chagall, La Danse, huile sur toile, 1950-1952, Paris, Centre Pompidou, Musée national d’Art moderne / Centre de création industrielle, dation en 1988 © ADAGP, Paris 2013 / CHAGALL ® © RMN-Grand Palais / Gérard Blot
Marc Chagall, Songe d’une nuit d’été , 1939, Musée de Grenoble © ADAGP, Paris 2013 / CHAGALL ®

De l'Allemagne, 1800-1939. De Friedrich à Beckmann

Carl Gustav Carus, Haute Montagne De l’Allemagne : le titre, emprunté à celui d’un ouvrage de Mme de Staël annonce clairement l’intention de l’exposition. Il s’agit, à travers la présentation d’œuvres picturales significatives du XIXème et du début du XXème siècles, d‘étudier les spécificités de l’art germanique. Le visiteur est là autant pour comprendre et apprendre que pour regarder et éventuellement admirer.

Une démarche intellectuelle, dont le visiteur profane se demande les parts respectives qu’elle emprunte à la vision française de l’art allemand et à la perception de l’art propre au peuple germanique.
Toujours est-il que cette approche, au demeurant fort intéressante et instructive, laisse assez peu de place aux notions d’esthétique, de style, de représentation et de technique, bref aux questions directement liées à la peinture.

En trois parties successives, les commissaires se sont attachés à mettre en lumière les trois grandes thématiques qui ont travaillé l’art allemand au fil de cette longue période qui va des derniers rayons du XVIIIème siècle au sombre entre-deux-guerre du XXème siècle : les rapports à l’histoire, à la nature, à l’humain. Si globalement l’on part du fameux tableau exécuté en 1786-1787 par Tischbein, Goethe dans la campagne romaine, prêt du Städel Museum de Francfort, pour finir avec ceux de Beckmann à la fin des années 1930, le parcours n’est pas purement chronologique, car les deux premières thématiques ont transcendé les recherches artistiques allemandes tout au long du XIXème siècle.

Ce qui frappe le plus à la visite de l’exposition est la recherche d’une identité nationale qui semble avoir obsédé les peuples germaniques longtemps politiquement morcelés (le statut d’Etat-Nation ne date que de 1871), et ce particulièrement à travers l’art.

Cette quête passe en premier lieu par l’interrogation continuelle de l’histoire afin d’y retrouver le creuset de la culture germanique : Grèce classique, catholicisme romain, peinture italienne, Moyen-Age vu comme l’époque de l’unité religieuse d’avant la Réforme et symbolisée par la cathédrale gothique, maîtres anciens allemands. Ce retour aux origines réelles ou supposées se retrouve – outre le tableau d’ouverture déjà cité, assez programmatique – dans des tableaux religieux, mythologiques, des scènes présentant de glorieux chevaliers, ou encore des ruines antiques.

Mais la recherche de l’unité nationale passe aussi par une approche très particulière de la nature et une grande réflexion autour de la peinture de paysage. Pour certains, la peinture doit refléter la connaissance scientifique de la nature. Pour d’autres, les artistes doivent représenter le paysage allemand dans sa spécificité, ce qui passe par la représentation d’une nature portant les traces du passé commun : forêt abritant les héros mythiques, fleuve, tombes druidiques… Pour tous, l’importance accordée au paysage est en soi une marque de l’identité germanique.

Après les tableaux tantôt "scientifiques", tantôt sublimes (dispute aux sommets enneigés de Friedrich, Koch et Carus), tantôt romantiques des paysagistes allemands, la dernière partie de l’exposition, intitulée Ecce homo (allusion à l’ouvrage de Nietzsche mais aussi aux nombreuses représentations de la Passion du Christ entreprises à partir de la première Guerre mondiale) ramène à de tristes réalités. Le nationalisme allemand a débouché sur la Grande guerre (au départ souhaitée par certains artistes à titre de souveraine Apocalypse), ses atrocités et ses conséquences durables. Puis à la faveur de la dépression économique ajoutant à l’humiliation de la défaite, le nazisme est venu se nourrir de ce penchant nationaliste pour aboutir aux conséquences que l’on sait.
Les œuvres issues de ces périodes font froid dans le dos. Partout, le sacrifice voire le martyre, partout des gueules cassées, des corps estropiés, des âmes perdues. Le noir et blanc domine ; les couleurs ne sont plus qu’au service de la violence.

Dans la première salle, l’on avait admiré la douceur du carton d’Overbeck Italia et Germania, la solide tranquillité d’un Apollon parmi les bergers de Schick, la grâce italienne d’une Vierge à l’enfant de Carolsfeld. Dans la dernière, c’est L’enfer des oiseaux de Beckmann, l‘Ecce homo de Corinth, la terrible série de gravures sur le thème de la guerre d’Otto Dix. Et, encadrant le tout, dans la rotonde qui à la fois introduit et clôt l’exposition, une monumentale gravure sur bois d’Anselm Kiefer.
Tout cela est le plus souvent aussi magnifique qu’impressionnant, mais empreint d’un sérieux tel que cette gravité-même risque d’apparaître comme la caractéristique essentielle de l’art allemand.

De l’Allemagne, 1800-1939. De Friedrich à Beckmann
Musée du Louvre
TLJ sf le mardi de 9 h à 18 h, nocturnes les mercredi et vendredi jusqu’à 21h45
Entrée exposition, 12 €, billet jumelé collections permanentes et exposition, 15 €
Jusqu’au 24 Juin 2013

Eileen Gray au Centre Pompidou à Paris

Paravent laque, Gray

L’on pourrait peut-être sous-titrer l’exposition "De l’Art Déco au Modernisme", ou encore "Des arts décoratifs à l’architecture", mais ces formules ne suffiraient pas à traduire le souffle extraordinaire qui se dégage de l’œuvre d’Eileen Gray (1878-1976), dont la rétrospective du Centre Pompidou permet de se faire une idée d’ensemble.

Comme beaucoup de jeunes filles de son milieu et de son époque, Eileen Gray suit d’abord des études d’art à Londres. Un chemin classique qu’elle va très vite délaisser : passant devant une boutique qui présente des laques, elle se fait embaucher aussitôt et commence à s’initier à cette technique très exigeante. Mais pour cette Irlandaise aux mœurs libres, Londres est bien trop stricte, victorienne : Eileen Gray fait un voyage à Paris avec sa mère et, à l’instar de nombreux artistes de toutes nationalités au début du siècle, elle est immédiatement et totalement conquise par la capitale. Elle s’y installe définitivement dès 1906.

Eileen Gray fait alors la connaissance du laqueur japonnais Seizo Sugawara, collabore avec lui et parfait sa technique. En 1913, elle expose plusieurs laques au Salon de la Société des artistes décorateurs, dont le magnifique panneau Le magicien de la nuit présenté en ouverture de l’exposition du Centre Pompidou. Le couturier Jacques Doucet est séduit et lui passe des commandes de meubles et de lampes ; la presse s’en fait l’écho ; sa carrière est lancée.

Puis, avec une amie anglaise, Evelyn Wyld, elle découvre le tapis traditionnel dans les montagnes de l’Atlas, en apprend toutes les techniques et, de retour à Paris, parallèlement aux laques, entreprend la création et la fabrication de tapis.
En 1922, elle ouvre sa propre galerie, Jean Désert, rue du Faubourg-Saint-Honoré. Dans la veine initiée par le mouvement Art Déco, elle conçoit de véritables ensembles, créant des décorations d’intérieur de bout en bout, comme la Chambre à coucher boudoir de Mme Monte-Carlo exposée en 1923.

Avec son ami Jean Badovici, bien que dépourvue de formation, elle se lance enfin dans l’architecture, construisant avec lui la Villa E1027 près de Menton. Ce sera ensuite la villa Tempe a Pailla puis Lou Pérou, une petite maison dans le vignoble de Saint-Tropez. A chaque fois, elle conçoit des maisons extrêmement modernes, mais toujours en prise avec leur environnement. L’organisation des pièces suit le rythme solaire, les espaces sont conviviaux tout en préservant l’intimité, les circulations sont libres et le mobilier fonctionnel et léger.

Légèreté, c’est le mot qui revient le plus souvent à l’esprit au fil de la visite de l’exposition. Mais aussi liberté, créativité, mouvement. Si elle finit par délaisser la laque au profit du bois, du tube d’aluminium, du cuir, du liège, son inventivité est toujours aussi riche. Les meubles sont souvent petits, plein d’astuces, de tiroirs, de possibilités de déploiement. Les lignes sont à la fois géométriques et déliées ; l’ensemble dégage une merveilleuse sensation d’équilibre et de perfection des proportions, alors même que la symétrie est systématiquement bafouée.

Si le dessin moderniste et le fonctionnalisme de ses meubles peuvent les rapprocher de ceux de Charlotte Perriand et de Le Corbusier, ils s’en distinguent toutefois fortement aussi : au contraire du mobilier très ancré dans le sol, très stable de ces derniers, celui d’Eileen Gray a l’air de flotter, de ne chercher son équilibre que dans la finesse et l’étonnement. On est dans la grande élégance, celle qui ne donne à voir que la miraculeuse simplicité d’un ensemble de lignes en réalité complexe. On est dans l’unique – Eileen Gray n’a pas fait éditer de séries -, et souvent plus proche de la sculpture que du meuble ; on est, dans le fond, dans une esthétique qui emprunte beaucoup à la poésie.

Villa Eileen Gray

Eileen Gray
Centre Pompidou
Place Georges Pompidou – 75004 Paris
TJL sauf le mardi, de 11h à 21h, le jeu. jsq 23 h
Entrée 13 €, TR de 9 € à 11€
Jusqu’au 20 mai 2013

Images :
Eileen Gray, paravent en briques, 1919-1922, bois laqué noir, collection particulière, courtesy Galerie Vallois, Paris © photo : Vallois-Paris-Arnaud Carpentier
Villa E 1027, Eileen Gray et Jean Badovici, vue du salon, photographie rehaussée au pochoir, 1929 Eileen Gray, Jean Badovici « E 1027. Maison au bord de mer », L’Architecture vivante, n° spécial, Paris, Éd. Albert Morancé, automne-hiver 1929

L'ange du bizarre. Le romantisme noir de Goya à Max Ernst

L'Ange du bizarre, Musée d'Orsay A travers deux cents peintures, gravures et sculptures datées de la fin du XVIIIème au début du XXème siècles, mais aussi des films, L’ange du bizarre propose une large vision du « Romantisme noir ». Ce courant artistique européen est né en Grande-Bretagne au moment où, au siècle-même des Lumières, la toute puissance de la raison était déjà battue en brèche. Il s’est déployé au XIXème siècle, a été réactivé par les Symbolistes et enfin réinterprété par les Surréalistes dans l’Entre-deux-guerres.

Malgré la variété des artistes et des époques représentés, une grande unité se dégage des œuvres. Leur programme commun : mettre en exergue tout ce qui caché, enfoui, cadenassé, à savoir les vices, les peurs, la part sombre comme la part irrationnelle de l’Homme.

Les sujets de ce romantisme-là sont ainsi les anti-héros (Satan en premier chef), les atrocités tirées de la littérature, de la religion et de la mythologie, les lieux obscurs voire souterrains, la nuit, le rêve, la magie, la mort.

Il y a d’abord les citations shakespeariennes, comme Les trois sorcières de Füssli, tirées de MacBeth, mais aussi son propre et énigmatique Cauchemar, celles de Goethe (Méphistophélès dans les airs, une gravure de Delacroix pour Faust), sans oublier bien sûr Dante et sa Divine comédie, qui inspire Delacroix (La Barque de Dante) mais aussi, plus tard, le sage William Bouguereau. Quant à Géricault, avec son Radeau de la Méduse, il « ose ramener l’Enfer dantesque à la surface terrestre », comme le dit joliment un commentaire de l’exposition. Goya est bien entendu de la fête qui, perdant toute foi en l’Homme comme au reste, dit sans détour tout de l’ambiguïté de l’Homme (Les cannibales), son aveuglement (Les sorcières), son ignorance (la série des Caprices), sa cruauté (Les Désastres de la guerre).

Les paysagistes montrent une nature nouvelle où, la nuit venue, sous un clair de lune, tout semble possible. L’Homme recule, ne laissant que des ruines, qu’encore des montagnes étouffantes ou de profonds gouffres menacent. Avec les Symbolistes, loin des figures angéliques et victimes des premiers Romantiques noirs, la femme elle-même devient menaçante, se faisant vampire avec Munch, nature fatale avec Moreau, incarnant les figures mythologiques de la Méduse ou du Sphinx.
Même chez Bonnard les cauchemars viennent nous étouffer (Femme assoupie sur un lit), tandis que chez Ensor la mort rôde implacablement.

La liberté créatrice du Romantisme noir sera totalement réinvestie par les Surréalistes, photographes comme Brassaï ou Hans Bellmer, peintres comme Dali, Magritte, Masson ou Ernst, qui, à travers des paysages issus des rêves et des cauchemars, finissent de lâcher la bride à l’imaginaire, affranchis de toute référence explicite pour mieux représenter le spectre de l’irrationnel et de l’indicible.

Le Romantisme noir, Musée d'Orsay A l’instar des précédentes, cette nouvelle grande exposition du Musée d’Orsay est superbe, enrichissante, passionnante.
Sa scénographie est impeccable : sur des fonds gris et brun sourd, les œuvres sont précisément éclairées, créant une ambiance clair-obscur homogène qui fait corps avec le thème de l’exposition. Les cartels des tableaux sont – enfin ! – rendus lisibles par des lettrages nets. Last but no least, le didactisme du parcours laisse la place à la poésie, au détour de courtes citations, dont la dernière, signée Victor Hugo, est aussi la plus poignante : « L’homme qui ne médite pas vit dans l’aveuglement. L’homme qui médite vit dans l’obscurité. Nous n’avons que le choix du noir ».

L’ange du bizarre. Le romantisme noir de Goya à Max Ernst
Musée d’Orsay
1, rue de la Légion d’Honneur, 75007 Paris
De 9h30 à 18h les mar., mer., ven., sam. et dim. et jsq à 21h45 le jeu.
Fermeture tous les lundis et le 1er mai
Entrée 9 euros (TR 6,5 euros)
Jusqu’au 9 juin 2013

Images :
Carlos Schwabe (1866-1926), La Mort et le fossoyeur, Aquarelle, gouache, mine de plomb, 76 x 56 cm Paris, musée d’Orsay, RF 40162 © RMN (Musée d’Orsay) / Jean-Gilles Berizzi
Paul Ranson (1861-1909), La Sorcière au chat noir, 1893, Huile sur toile, 90 x 72 cm Paris, musée d’Orsay, RF 2012 6 © Musée d’Orsay, dist. RMN / Patrice Schmidt

La Valise mexicaine. Capa, Taro, Chim

La valise mexicaine, Gerda Taro Après avoir été présentée en 2010 à New-York et en 2011 en Arles, La Valise mexicaine est enfin dévoilée à Paris, au Musée d’art et d’histoire du Judaïsme, dans une scénographie sensiblement différente des précédentes compte tenu des spécificités du lieu très éclaté.

Le résultat, fort convaincant, est, dans l’intimité des petites salles propice au recueillement qu’appelle cette rencontre particulière avec l’Histoire.

Emouvante, historique, l’exposition l’est à double titre : non seulement par l’aventure dramatique qu’elle raconte – celle de la guerre civile espagnole au dénouement et aux conséquences que l’on sait – mais également par celle de la fameuse "valise". Près de 70 ans se sont en effet écoulés entre le moment où, en 1939, face à la menace nazie, Robert Capa fuit la France pour rejoindre New-York via un visa Chilien, laissant dans son studio parisien 4.500 négatifs pris pendant la guerre d’Espagne par lui-même, sa compagne Gerda Taro et David Seymour dit Chim, et leur redécouverte en 2007.
Entre ces deux dates, si les longues recherches menées notamment par Cornell Capa, le frère de Robert et fondateur de l’International Center of Photography à New-York ont permis de retrouver la valise, elles n’ont pas pour autant élucidé tous les mystères de son cheminement. En 1975, Csiki Weisz, photographe d’origine hongroise tout comme Capa écrivait : "En 1939, alors que les Allemands s’approchaient de Paris, j’ai mis tous les négatifs de Bob dans un sac et j’ai rejoint Bordeaux à vélo pour essayer d’embarquer pour le Mexique. J’ai rencontré un Chilien dans la rue et je lui ai demandé de les déposer à son consulat pour qu’ils restent en sûreté. Il a accepté". Le contenu, retrouvé chez l’héritière du général Aguilar Conzalez, ambassadeur mexicain à Vichy sous l’Occupation sera restitué à Cornell Capa en 2007.

La valise mexicaine, Robert Capa L’exposition matérialise et incarne cette Histoire à double fond. L’on découvre d’emblée qu’au lieu d’une "valise", les négatifs étaient en réalité rangés dans trois boîtes, l’une verte, l’autre rouge – soigneusement compartimentées et succinctement annotées – tandis que la dernière contenait des bandes de pellicules coupées sous enveloppe kraft.
Il a fallu classer, reconstituer l’ordre des prises de vue, les attribuer. Les photos publiées à l’époque ont constitué une aide dans cette colossale entreprise.

Présentées chronologiquement, les planches contacts sont accompagnées de 70 tirages et de nombreux extraits de presse, le tout éclairé d’explications contextuelles et de cartes permettant de suivre pas à pas le déplacement du front. Les moments d’espoir, de rage comme de découragement s’étalent sous nos yeux, de l’enthousiasme des Républicains en 1936 auprès desquels les photographes se sont engagés, jusqu’à la défaite finale de début 1939 et l’exode de près de 500 000 réfugiés dans le sud de la France. Certains moments sont particulièrement forts, comme celui de la bataille de Brunette en juillet 37, l’une des plus sanglantes, au cours de laquelle Gerda Taro elle-même a trouvé la mort, ou encore celle du Sègre en 38, dont Capa, rejoint par d’autres journalistes, notamment Hemingway, a livré son récit le plus approfondi de la guerre d’Espagne.

A travers les extraits de presse de l’époque, c’est aussi l’évolution de la place de la guerre civile espagnole dans les médias, tout autant que celle du photo-journalisme que l’on suit : la couverture devient de plus en plus large, internationale. Les reportages sont de plus en plus longs et les photographies de plus en plus abondantes.
Après la disparition tragique de Taro, ce sera au tour de Capa de trouver la mort, en Indochine en 54, puis de Chim, à Suez en 56. Tous trois ont non seulement laissé un travail documentaire exceptionnel, mais encore imprimé au photo-reportage de guerre une empreinte profonde et durable, dont cette exposition témoigne admirablement dans un juste dosage de pédagogie, d’hommage et d’émotion.

La Valise mexicaine – Capa, Taro, Chim
Les négatifs retrouvés de la guerre civile espagnole
Musée d’art et d’histoire du Judaïsme
Hôtel de Saint-Aignan – 71, rue du Temple – 75003 Paris
Lun., mar., jeu., ven. de 11 h à 18 h, mer. jsq 21 h et dim. de 10 h à 18 h
Fermé les samedis et le mercredi 1er mai 2013
Plein tarif : 7 €, tarif réduit : 4,50 €
Jusqu’au 30 juin 2013
Exposition réalisée par l’International Center of Photography de New York.

Photos :
Gerda Taro, Spectateurs de la procession funéraire du Général Lukacs, Valence, 16 juin 1937 © International Center of Photography
Robert Capa, Exilés républicains emmenés vers un camp d’internement, Le Barcarès, 1939 © International Center of Photography / Magnum Photos

Bouvard et Pécuchet au Théâtre Lucernaire

Bouvard et Pécuchet au Lucernaire Publié à titre posthume en 1881, Bouvard et Pécuchet est le dernier roman de Gustave Flaubert (1821-1880).
Il raconte l’histoire de deux gratte-papiers qui se rencontrent par une chaude journée d’été. L’un arrivant de la Bastille, l’autre du Jardin des Plantes, ils s’assoient au même moment sur le même banc devant l’eau couleur d’encre du canal Saint-Martin. Là, ils partagent leur dégoût des affaires comme du divertissement, des femmes en particulier ("frivoles et acariâtres") et du genre humain en général. D’accord sur tout, ils conviennent qu’ils seraient bien mieux à la campagne. C’en est fait : "éprouvant le charme des tendresses à leurs débuts", ils deviennent non seulement amis mais encore inséparables.
A la faveur d’un héritage reçu par Bouvard, les deux compères s’installent dans une ferme normande et mettent leurs rêves à exécution, se lançant successivement dans l’élevage, l’agriculture, l’horticulture, l’arboriculture. Ils étudient également la médecine, la chimie, l’astronomie, puis encore la littérature et la philosophie.
Hélas, entre inspiration des plus improvisées et consultation aveugle des encyclopédistes, ils ne mènent à bien aucune de leurs expériences. D’échec en échec, ils finissent par éprouver l’ennui profond de la campagne et, tous rêves fracassés, se résolvent à revenir à leur travail de copistes à Paris…

Cruelle comédie sur la vanité humaine, Bouvard et Pécuchet est ici adapté avec toute la précision, la truculence et la force satirique flaubertiennes.
Excellents, Philippe Blancher et Roch-Antoine Albaladéjo ponctuent le jeu direct d’extraits du récit bien ciselés. Le rythme est trépidant et la mise en scène inventive. Deux tabourets tournants, deux portants et deux pupitres métalliques suffisent à recréer tous les décors : les rues de Paris, les restaurants, les escaliers d’immeubles, puis la maison de campagne et sa pendule qui égrène les heures, le parc et ses peupliers au balancement incessant… Tous ces univers-là, ces ambiances, ce quotidien fait d’enthousiasmes autant que de déceptions, les deux comédiens les restituent avec beaucoup de malice, faisant de cette terrible farce une interprétation savoureuse .

Bouvard et Pécuchet
D’après Flaubert
Adaptation et mise en scène : Vincent Colin
Avec Roch-Antoine Albaladéjo et Philippe Blancher
Et la voix de Edith Scob
Théâtre Lucernaire
53 rue Notre-Dame-des-Champs, Paris 6ème
Du mardi au samedi à 20h, dimanche à 15 h
Durée : 1h environ
Le spectacle est prolongé jusqu’au 26 mai 2013