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Rabevel ou le mal des ardents. Lucien Fabre

Alors que le prix Goncourt 2016 a été décerné cette semaine à Leïla Slimani pour « Chanson douce » (Gallimard), Andreossi a poursuivi pour nous la relecture des anciens Goncourt, avec le prix 1923.

A lire son billet, peut-être vaut-il mieux tenter cette effrayante « Chanson douce »?!…

Mag

Bernard Rabevel, orphelin, est élevé dans la famille modeste de ses oncles. Dans la jeune IIIème République des années 1870 l’instituteur est enthousiaste : «Quelques-uns d’entre vous sont nés dans des pays étrangers mais ils sont en France et seront Français, citoyens du premier des pays libres (…) Vous pouvez devenir ce qu’il vous plaira de devenir. Enfants du peuple, vous pourrez commander un régiment, conduire un cuirassé, devenir banquiers, notaires, armateurs, députés, ministres. La République aime pareillement tous ses fils, juifs ou chrétiens, nobles ou roturiers, pauvres ou riches ».

Le lauréat du prix Goncourt 1923 imagine la fulgurante ascension sociale de Rabevel, dans un parcours où les valeurs de la République sont en fait bien bousculées : c’est grâce à un cynisme radical, aux mensonges, manipulations et trahisons les plus viles qu’il parvient en quelques semaines à obtenir richesse et pouvoir. Au point qu’à la fin du roman un industriel floué peut s’écrier avec le lecteur : « Cochon (…) bougre de cochon ! Il a fait ça à vingt ans ! Qu’est-ce qu’il saura faire à cinquante, le salaud ! ».

Hélas, même si Lucien Fabre a donné une suite à ce roman (en deux autres volumes) nous ne sommes guère incités à poursuivre la lecture des aventures de Rabevel. Peut-être le personnage est-il trop caricaturé : manques affectifs, violence enfantine, revanche sociale ne suffisent pas à dresser un portrait convaincant. On ne sent pas assez « de l’intérieur » ce qui se passe en lui, malgré quelques tentatives de psychologie descriptive : « Il se découvrait une duplicité profonde, insoupçonnable ; à chacune des traverses où s’engageait sa pensée il reconnaissait deux figures opposées propices à la jouissance et au remords (…) Il sentait comme ces horribles penchants lui étaient intimes et naturels ».

De même l’ambiance sociale et politique est stéréotypée : les prolétaires naïfs, les avocats sans honneur, les industriels prêts à tout pour gagner de l’argent constituent un monde sans surprise dans lequel Rabevel peut déployer ses talents. L’éducation républicaine est balayée à l’occasion de l’achat du syndicaliste pour assurer le silence des ouvriers bernés : «il pensa à son grand-père, à ses oncles, au maître Lazare ; voilà ce qu’étaient les représentants de ces braves gens naïfs, honnêtes et si parfaitement droits à tous égards. Bah ! pensa-t-il, c’est la vie ; cet individu va au marché pour se vendre ; si je ne l’achète pas, un autre l’achètera ; il n’y a rien à faire là contre ».

Le style est assez banal, et la matière fait davantage penser à un roman écrit à l’époque où se passe l’action (dernière partie du XIXe siècle) qu’à une œuvre de l’entre -deux guerres.

Andreossi

Rabevel ou le mal des ardents, Lucien Fabre

La flamme au poing, Henry Malherbe

la-flamme-au-poing Les jurés des prix Goncourt de 1914 à 1918 ont tous couronné des œuvres évoquant la première guerre mondiale. Ces romans font part des horreurs de la guerre, mais l’esprit qui les anime a été fort différent. En cela, cette Flamme au poing de 1917 fait contraste avec Le feu de Barbusse primé l’année précédente : en 17 il fallait resserrer les rangs face à l’ennemi, il fallait ne plus douter de la juste cause.

La flamme qui donne son titre au livre est la flamme patriotique. Rien de tel pour l’entretenir que de caricaturer vigoureusement l’adversaire au prix des outrances les plus méprisables : « Sur ces pentes, qui semblent nettes et solitaires, nous découvrons partout l’ennemi, ses automobiles trapues et essoufflées, ses cavaliers lourds, ses travailleurs hypocrites, souillants et dévastateurs. Le Teuton est en désaccord perpétuel avec ce précieux paysage qui le rejette, le dévoile et le renie, qui le désigne comme un malade montre l’abcès qui le ronge ». Les prisonniers allemands ont droit à un portrait tout aussi sympathique : « Leurs visages, aux paupières bridées, aux mâchoires lourdes, leurs mines chafouines, leurs corps anguleux et roides donnent l’impression d’une humanité inachevée, mal équarrie, poussée d’une bourrade hâtive jusqu’à notre siècle ».

Par bonheur, nos défenseurs sont d’une autre trempe : « C’est aujourd’hui qu’il est beau de combattre et d’oser. Après plusieurs mois de guerre, seules les grandes âmes ne sont pas rassasiées. Ceux dont la furie dure et qui allient la ruse actuelle à l’audace ancienne sont les premiers des hommes. La réalité poignante, qui brûle depuis si longtemps leurs regards, n’a pas découragé leur ambition glorieuse. On reste confondu devant cette abnégation qui se fait subtile, devant cet héroïsme tenace qui n’entame pas la conscience glacée par tant de visions de férocité et de mort… D’une race comme la nôtre, nous pouvons tout espérer ».

Le romancier a vécu la guerre, y a été blessé, et rapporte des faits que ses collègues ont connus eux aussi : l’exécution des « poltrons », les récriminations contre les puissants « qui commandent cette société de désordre et de haine ». Mais là où Barbusse faisait des poilus des victimes d’une forme d’organisation sociale, Malherbe les érige en héros de valeurs abstraites, dans un style au lyrisme convenu : « Ces soldats habillés d’un bleu clair, zébré de boue blonde, sont le ciel et le sol de France en action. La terre mouvante et l’azur léger de la patrie ont fait surgir à leur image ces défenseurs invincibles qui sont faits d’un morceau de notre glèbe et d’un morceau de notre firmament ».

Cette année-là le choix des jurés a particulièrement bien collé à l’actualité de la nation.

Andreossi

La flamme au poing, Henry Malherbe

Force ennemie, John-Antoine Nau

force_ennemie Verrait-on aujourd’hui le jury du prix Goncourt élire un roman publié à compte d’auteur, alors que les éditeurs rivalisent d’ardeur pour mettre en avant leurs favoris ? En 1903, à l’occasion du premier prix Goncourt, c’est pourtant ce qui est arrivé à John Antoine Nau. Et pour le moins à propos d’un livre fort original à divers points de vue.

L’histoire que nous conte le narrateur est plutôt rocambolesque : il se trouve injustement interné en asile où il rencontre l’éventail pittoresque des malades mentaux de tous ordres, « soignés » en particulier par un médecin qui n’est pas le plus sain en matière comportementale. Il devient amoureux (fou ?) d’une belle démente au point de la violer dans son sommeil. Il s’aperçoit qu’il est en fait possédé par un être venu de l’espace (la force ennemie !), plus précisément de la planète Tkoukra, sur laquelle les conditions de vie étaient bien plus tristes que sur la Terre. Il réussit à s’enfuir de l’asile, trouve refuge chez son frère à Paris, pour arriver finalement aux Antilles toujours à la poursuite de son amour, et toujours aux mains du Tkoukrien.

Le roman se lit encore pour son humour, qui a largement pour base le langage parlé des personnages, que ce soient les expressions excentriques des internés ou les manières de tourner les phrases et les mots des protagonistes les moins cultivés : « C’est pas qu’elle s’exaspère plus que les autres (…) ; maintenant, il est vrai de dire qu’elle, les rares fois que ça la prend, ça fait grémir. C’est aigu comme une lame de paugnard et ça vous fait dans le dos comme si que ce serait une scie qui vous passerait sur les noyaux de la colonne… »

Les italiques sont de l’auteur, qui souligne par la typographie ce qui peut manquer à l’écriture pour accentuer certains effets. Il a aussi la ressource des points d’exclamation, d’interrogation, de suspension, des parenthèses, des guillemets, des tirets bien plus nombreux dans ce livre qu’à l’ordinaire.

La recherche de l’expression juste peut aussi se révéler au détour de descriptions : « Toutes les nuances du rose parent ces gigantesques bouquets fluctuants ; certains de ces roses, d’un rose de lèvres de brune, sont si incroyablement « émotionnants » et « voluptueux » -si je puis parler ainsi- que j’ai l’impression qu’ils me font une âme neuve. Souvent une fleur se dresse seule, aussi grande qu’un arbre –et d’une forme si divine, d’une senteur si « enlaçante » -c’est le seul mot qui rende (un peu ridiculement) ce que je ressens – que l’air jouant autour d’elle tuerait de trop grand bonheur un être humain normal ».

Certes, c’est d’abord la curiosité qui fait lire le premier prix Goncourt, mais au bout du compte, au-delà du caractère surprenant de l’écriture, de l’humour constant, peut naître une réflexion sur le psychisme : quelle est la force ennemie qui réside en chacun de nous ?

Andreossi

Force ennemie, John-Antoine Nau.

Les ombres errantes. Pascal Quignard

les-ombres-errantes Revoici un billet maglm, avec le 21ème épisode des Goncourt. Cette semaine : Pascal Quignard ! Merci à Andreossi pour ce très beau billet !

Mag

PS : et si vous aussi affectionnez cet auteur singulier et passionnant, n’hésitez pas à lire les billets sur deux autres des écrits de Pascal Quignard : Inter et Triomphe du temps.

Le prix Goncourt 2002 n’est pas un roman. « Les ombres errantes » est un livre composé d’un ensemble de réflexions (quelquefois développées par de petits contes), dispersées en cinquante- cinq chapitres. Le volume est le premier de la série nommée « Dernier royaume ». Pourquoi ces titres ? L’auteur s’en explique : « A Paris Richelieu fit venir son luthiste et lui demanda d’interpréter la chaconne intitulée Le dernier Royaume. Puis il joua les Ombres qui errent, pièce dont François Couperin reprit le thème principal sous le nom Ombres errantes dans son dernier livre pour clavecin ».

La phrase citée est exemplaire des œuvres (lorsqu’elles ne sont pas des romans) de cet auteur : érudition, histoires du passé, et… incertitude sur la véracité historique de ce qui nous est conté. Mais nous ne devons pas oublier que nous sommes dans la littérature et non dans l’histoire, aussi ce jeu avec le passé constitue l’intérêt même de ses livres, et lorsque nous sont racontées de « belles histoires », la question de l’authenticité ne se pose plus.

Nous lisons donc des variations sur ce thème des ombres, manifestations discrètes du monde qui intéresse Pascal Quignard, pour lequel l’obstacle majeur à la visibilité des événements premiers sont les images. Il s’appuie, pour suggérer la présence de ses ombres qui errent, sur le corpus dans lequel il a l’habitude de puiser : « Le passé, les tombes, la mémoire, les histoires, les langues anciennes, les livres qui furent rédigés autrefois, les traditions religieuses, politiques, artistiques, individuelles, qui furent délaissées, arrachés à l’entrain légendaire qui les avait mis les uns après les autres au jour, sont à jamais disjoints du réel ».

Ce travail pour faire approcher un univers dont les apparitions sont fugaces, qui est resté à l’écart du projet moderne, aussi éloigné que possible des thèses du progrès, l’écriture peut le réaliser : « Eprouver en pensant ce qui cherche à se dire avant même de connaître, c’est sans doute cela, le mouvement d’écrire ». L’explicite, la conscience, la clarté de l’image, autant de moyens qui ne permettent pas d’accéder au sens.

On a le sentiment que domine finalement le regret de la naissance, autant individuelle que celle de l’humanité, dans la nostalgie d’un jadis antérieur à la présence humaine : « Une espèce d’empire social et violent, technique, de grande amplitude, de longue durée, bavard, plein de déchets et de ruines, né de l’imitation des animaux pourchassés et de l’observation puis de la mise à contribution des phénomènes de la nature, s’est substituée peu à peu au règne biologique, erratique, de petite amplitude, immédiat, presque autonettoyant des espèces végétales et animales sur la terre ».

Si le paradis perdu est celui de la nature, et si un écrivain se consacre à révéler quelques traces de la vie humaine dont le souvenir est tout de même à conserver, faisons profit de rêveries avec lui.

Andreossi

Les ombres errantes, Pascal Quignard (Gallimard)

Je m’en vais. Jean Echenoz

Le feuilleton des prix Goncourt : c’est reparti ! Andreossi nous en livre cette semaine le 20ème épisode. Vous laisserez-vous tenter, ne serait-ce que pour échapper à la déferlante de la rentrée littéraire ? … Bonne lecture et à bientôt !

Mag

Nous étions au vingtième siècle, en 1999, et le prix Goncourt était décerné à Jean Echenoz pour son roman « Je m’en vais ». Le livre parlait de francs, de minitel et de téléphone cellulaire. On s’étonnait encore de certaines évolutions du vocabulaire : « Vous allez sur Toulouse ? lui demanda Baumgartner (…) Puis elle articule d’une voix monocorde et récitative, un peu mécanique et vaguement inquiétante, qu’elle ne va pas sur Toulouse mais à Toulouse, qu’il est regrettable et curieux que l’on confonde ces prépositions de plus en plus souvent (…) ».

L’intrigue est celle d’un polar : Ferrer est galeriste dans une ville dont une station de métro porte le nom de Corentin-Celton. Son adjoint lui indique comment récupérer un trésor inuit coincé sur une épave de l’arctique. Avec une facilité quelque peu déconcertante, le trésor est ramené en France et planqué. Hélas, dès le lendemain Ferrer et volé, par un toxico commandité par le galeriste adjoint. Ce dernier se fait passer pour mort (rien de plus aisé) et parcourt le sud-ouest de la France sous un autre nom. On ne dira pas comment Ferrer parvient à récupérer son butin, on ne nous croirait pas tant le hasard intervient miraculeusement.

On peut considérer l’ouvrage comme une parodie du roman policier, et l’auteur oriente nettement vers cette hypothèse, en particulier par la démonstration du talent manifesté par toutes les femmes du roman à tomber dans les bras du galeriste. Mais s’il n’est que parodie, peut-il soutenir véritablement l’intérêt ? La question ne peut se trancher que par la qualité d’écriture. Par bonheur Echenoz a souvent le sens de la formule : « Dès lors, si sa vie ponctuée de Marlboro ressemblait jusqu’alors à l’ascension d’une corde à nœuds, désormais privé de cigarettes il s’agit de grimper, indéfiniment, à la même corde lisse ».

Toutefois on se lasse de la caricature des artistes et de l’art contemporains, exercice qui paraît trop facile et qui du coup laisse une impression de déjà vu et déjà entendu. Au-delà du plaisir à découvrir de temps en temps une bonne phrase, le lecteur reste sur sa faim et attend qu’il se passe vraiment quelque chose qui déchire l’écran du polar parodique : mais non, impossible de déceler quelque trace de vie derrière le mécanisme ronronnant d’une écriture qui veut se suffire à elle-même. Cette littérature parviendra-t-elle à se hisser hors de son époque ?

Andreossi

Je m’en vais, Jean Echenoz

C’est la rentrée ? Tant mieux, il va y avoir plein d’expos !

avedon_bnf — Catherine Deneuve par Richard Avedon en 1968

Ce qu’on aime avec la rentrée, c’est le plein de nouveautés qu’elle nous réserve.

Côté expositions, à Paris, une fois de plus, nous allons être vernis. Voici une petite sélection, comme d’habitude totalement subjective, de ce que maglm a repéré pour vous. Pour beaucoup d’entre elles, il faudra patienter un peu avant de pouvoir les découvrir.

Mais pour commencer, voici celles qui sont visibles dès maintenant

– Les émaux de Limoges à décor profane, Autour des collections du cardinal Guala Bicchieri, au Musée de Cluny, jusqu’au 26 septembre 2016

– Le Grand orchestre des Animaux à la Fondation Cartier pour l’Art contemporain, jusqu’au 8 janvier 2017

– Pour d’autres conseils sur des expos à voir en ce moment à Paris, lire aussi le billet maglm sur les expositions de l’été

Pour cocher dans l’agenda, voici celles qui ouvriront leurs portes cet automne

En photographie tout d’abord, La France d’Avedon, Vieux Monde, New Look à la Bibliothèque Nationale de France, du 18 octobre 2016 au 26 février 2017

Pour les amateurs de sculpture, deux propositions fort différentes :

L’Enfer selon Rodin au Musée Rodin, du 18 octobre 2016 au 22 janvier 2017

Bouchardon, (1698-1762), Une idée du beau au Musée du Louvre, du 14 septembre au 5 décembre 2016

Enfin, de bonnes surprises aussi côté peinture :

René Magritte, Les vacances de Hegel, 1958

René Magritte, La trahison des images, au Centre Pompidou du 21 septembre 2016 au 23 janvier 2017

Rembrant intime, au Musée Jacquemart-André, du 16 septembre 2016 au 23 janvier 2017

Un Suédois à Paris au 18° siècle, La collection Tessin, au Musée du Louvre, du 20 Octobre 2016 au 16 Janvier 2017

Geste baroque, Collections de Salzbourg, au Musée du Louvre, du 20 Octobre 2016 au 16 Janvier 2017

Fantin-Latour à fleur de peau, au Musée du Luxembourg, du 14 septembre 2016 au 12 février 2017

La peinture américaine des années 1930 au Musée de l’Orangerie, du 12 octobre au 30 janvier 2017

Mexique, 1900-1950, Diego Rivera, Frida Kahlo, JC Orozco et les avant-gardes, au Gand Palais, du 5 octobre 2016 au 23 janvier 2017

Jean Auguste Dominique Ingres (1780-1867), Madame Moitessier, Londres, The National Gallery

Et pour célébrer ses 30 ans cet automne, le Musée d’Orsay proposera Spectaculaire Second Empire, 1852-1870, une exposition sur le Second Empire des spectacles et de la fête, avec de la peinture bien sûr, mais aussi des sculptures, photographies, dessins d’architecture, objets d’art, et bijoux.

A découvrir au Musée d’Orsay à partir du 27 septembre 2016 et jusqu’au 16 janvier 2017

Une liste à compléter bien sûr ! Belle rentrée à tous.

Les expositions de l’été à Paris

Albert Marquet, Le Pyla (1935), huile sur toile, 50 x 61 cm, Musée des Beaux-Arts, Bordeaux © Musée des Beaux-Arts - Mairie de Bordeaux. Cliché L. Gauthier © Adagp, Paris 2016 — Albert Marquet, Le Pyla (1935), huile sur toile, 50 x 61 cm, Musée des Beaux-Arts, Bordeaux © Musée des Beaux-Arts – Mairie de Bordeaux. Cliché L. Gauthier © Adagp, Paris 2016

Parisien en ce mois d’août ?

Tant mieux, il vous reste quelques jours voire quelques semaines pour découvrir les expositions que vous n’avez pas encore eu le temps de voir, avant qu’elles ne cèdent la place aux expositions de l’automne.

A vous la fraîcheur des musées !

Liste non exhaustive, juste inspirée :

Jean Lurçat, au seul bruit du soleil, au Mobilier national à la Galerie des Gobelins jusqu’au 18 septembre

Les Hugo, une famille d’artistes à la Maison de Victor Hugo jusqu’au 18 septembre

Balzac et les artistes à la Maison de Balzac jusqu’au 2 octobre

Zao Wou-Ki, Une donation exceptionnelle au Musée Cernuschi, musée des arts d’Asie, jusqu’au 23 octobre

Anatomie d’une collection au Palais Galliera, musée de la mode de la Ville de Paris, jusqu’au 23 octobre

Côté peinture :

Paula Modersohn-Becker au Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris jusqu’au 21 août (lire ou relire le billet maglm très emballé)

Albert Marquet au Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris jusqu’au 21 août

Miquel Barcelo, Sol y sombra à la BNF Site François Mitterrand jusqu’au 28 août

Charles Gleyre (1806-1874). Le romantique repenti au Musée d’Orsay jusqu’au 11 septembre

Delacroix en modèle au Musée Eugène Delacroix, jusqu’au 15 Septembre

Et côté photo :

Josef Sudek, Le monde à ma fenêtre au Jeu de Paume jusqu’au 25 septembre 2016

Et n’oubliez pas :

Le nouveau Musée Rodin : un havre de paix au cœur de Paris ! (ici aussi, lire le billet enthousiaste de maglm !)

Bel été parisien à tous et à bientôt !

Les égarés. Frédérick Tristan

Et voici, pour passer un bel été, le 19ème épisode du feuilleton des prix Goncourt revisités par Andreossi. Une bonne idée de lecture, ça tombe bien pour profiter des vacances, pour les faire arriver plus vite… ou pour s’en remettre ! Bonne lecture à tous !

Mag

En cette année 1983 le jury du prix Goncourt a eu la main très heureuse : Les égarés est un roman aux lectures multiples, dont l’intérêt tient à la fois au style posé du narrateur qui retrace les événements qu’il a vécus pour les comprendre, et paradoxalement aux nombreux codes du roman feuilleton du XIXe siècle, tels que l’enfant abandonné au tourniquet, le mystère de la naissance, la mère frappée de folie à la suite d’un choc émotionnel, l’enlèvement d’enfant, les sociétés secrètes, et ces rencontres de hasard suffisamment invraisemblables pour nous convaincre.

Un écrivain anglais, plutôt conservateur rencontre Jonathan Varlet, jeune séducteur que rien n’arrête dans sa recherche d’identité. Ils parviennent à un accord sur lequel ils ne reviendront jamais : l’écrivain écrit dans la discrétion et Varlet prend sa place dans le monde, avec la célébrité, les honneurs et même le Nobel de littérature. Cette disposition permet le renvoi constant des échos de la vie de l’un dans la vie de l’autre. La trajectoire aventureuse de l’un trouve résonance dans l’œuvre de l’autre.

La recherche de Varlet sur ses origines se mêle à la situation politique de l’époque du récit : les années 1933 à 1937 qui voient la montée du nazisme en Allemagne, et le début de la guerre civile en Espagne. L’Europe paraît comme égarée, et la plupart de ses dirigeants comme incapables de voir vers quelles catastrophes ils approchent. L’écrivain cherche à comprendre ce monde dans lequel il vit : « Il me semblait être tombé dans un monde éclaté où des myriades de fragments couraient en tous sens, comme si une armée de fourmis s’était saisie des pièces d’un puzzle et s’était mise à grouiller de telle façon que nul, jamais plus, ne parviendrait à recomposer l’image primitive définitivement dispersée ».

Varlet paie cher sa lutte pour réveiller les consciences sur les persécutions que vivent les Juifs, et tente de trouver aux côtés des Républicains espagnols de quoi racheter les fautes de ce monde aveugle, tandis que Cyril l’écrivain, par le biais de récits qui plongent avec toute son érudition dans l’histoire, poursuit sa réflexion sur la littérature : « Le livre est ce jardin où l’on apprend à bien comprendre et à bien aimer. C’est un extérieur qui vous révèle notre intérieur. Lire ce n’est jamais sortir de soi. C’est y pénétrer ».

Le charme de la lecture de ce roman doit beaucoup au style conventionnel des œuvres de littérature plutôt populaire, dans lesquelles, au-delà des escaliers dérobés qui conduisent à une chambre secrète, de la découverte de lettres révélatrices enfouies dans un vieux carton, c’est toute une façon de raconter qui séduit : « Les événements dont je vais vous entretenir, mon cher Cyril, me furent révélés par fragments et je ne compris pas toujours quelle était leur signification. Il me fallut souvent attendre que l’on dévoilât à mes yeux un autre jour de mon passé pour que s’éclaire tel épisode dont je n’avais saisi que l’apparence ».

Andreossi

Frédérick Tristan, Les égarés, 1983.

Demain. Cyril Dion et Mélanie Laurent

demain_affiche Le film est sorti fin 2015, son DVD est en vente depuis le mois dernier, mais il est encore joué dans quelques salles en France, notamment à Paris.

C’est un beau et stimulant documentaire. Le public ne s’y est d’ailleurs pas trompé : en mai, le cap du million de spectateurs a été dépassé. Demain a aussi reçu le César du documentaire 2016. Pourquoi ce succès ? Pourquoi faut-il le voir ?

Parce qu’il est pédagogique. Sur la base d’un rapport scientifique de 2011 sur l’avenir (alarmant) de la planète, les réalisateurs interrogent les causes, mettent en évidence les mécanismes délétères et montrent des solutions.
Parce qu’il aborde la question de l’environnement en multipliant les entrées, organisées en cinq chapitres : l’alimentation ; l’énergie ; l’économie ; la démocratie ; l’éducation. Une pluralité d’approches qui enrichit la réflexion.
Parce qu’il nous épargne les leçons de morale. Il explique, montre, et donc dénonce. Mais il ne s’étourdit pas de discours et ne culpabilise pas le spectateur. Au contraire, il le responsabilise en lui ouvrant les yeux et en lui montrant que d’autres voies sont possibles.
C’est précisément ce qui rend Demain si séduisant : Cyril Dion et Mélanie Laurent sont allés chercher, aux quatre coins de la planète, des initiatives, des actions concrètes qui s’inscrivent dans une démarche de développement durable. On n’est pas au niveau des Etats, des institutions. Il s’agit de petits groupes de personnes qui, à Détroit, Lille, Copenhague, San Francisco ou encore en Inde ou en Islande, tentent des moyens de produire, de travailler et de transmettre respectueux de l’environnement et de l’humain. Et ça marche. Au niveau local, des citoyens peuvent faire quelque chose pour eux-même, leur prochain, les générations à venir. Manger, vivre, respirer… sans courir inlassablement vers le toujours plus.

Demain

Un film documentaire français de Cyril Dion et Mélanie Laurent

Durée 2 h

Sorti en salles le 2 décembre 2015

Paula Modersohn-Becker absolument

paula_modersohn_becker_jeune_fille_fleurs_jaunes — « Jeune fille tenant des fleurs jaunes dans un verre », 1902 – détrempe sur carton

Au tournant du XX° siècle, Paris est une ruche artistique en pleine effervescence, une source d’inspiration extraordinaire pour tout créateur qui veut sortir des modèles existants, dépasser les académismes et inventer sa propre voie.

Paula Becker (1876-1907) connaît cette libération en découvrant Paris au moment de l’Exposition universelle de 1900. Elle vient d’Allemagne, où elle a reçu une éducation artistique dans un milieu cultivé mais modeste, a fait la connaissance de son futur époux Otto Modersohn, peintre paysagiste, dans une colonie d’artistes installée à Worpswede, dans le nord du pays, sorte d’école de Barbizon allemande.

C’est bien la peinture d’avant-garde qui l’attire à Paris lors de ce premier séjour et des trois qui suivront en 1903, 1905 et 1906-1907. Il y a ici la peinture de Cézanne, du Douanier Rousseau, des Nabis, de Gauguin…

« Portrait de jeune fille, les doigts écartés devant la poitrine », vers 1905 – détrempe sur toile

Mais à la visite de la superbe exposition du Musée d’art moderne de la Ville de Paris, c’est un style tout à fait propre que l’on découvre. Car découverte il y a, Paula Modersohn-Becker étant largement inconnue du public français faute d’avoir été exposée jusqu’ici. Félicitons donc le MAM pour cette première rétrospective en France de cette figure majeure de la peinture moderne, mais aussi la romancière Marie Darrieussecq, complice de l’exposition et auteur d’une biographie de l’artiste (intitulée Être ici est une splendeur (1) une citation du poète Rainer Maria Rilke, ami de Paula) qui a contribué à mettre en lumière l’œuvre de cette femme peintre largement reconnue dans son pays et considérée comme le précurseur de l’expressionnisme allemand.

Morte à 31 ans quelques jours après avoir donné naissance à son unique enfant, Paula Modersohn-Becker a produit en 10 ans plus de 500 peintures. L’œuvre qu’elle laisse est étonnante de force, de singularité et de modernité. Elle fait partie de celles que le regard semble n’épuiser jamais et qui s’impriment durablement dans la rétine.

Chez PMB (c’est ainsi qu’elle signait ses tableaux), qu’il s’agisse de portraits, d’auto-portraits, de paysages ou de natures mortes, tout est simplifié. Pas d’histoire, pas de contexte, pas de décor, et une économie extrême du détail.

Ce sont des portraits et auto-portraits en gros plans où la force de l’expression et particulièrement du regard emporte tout, plongeant le spectateur dans le mystère de la pensée et des sentiments du personnage – qu’il s’agisse d’enfants de tous âges, de jeunes filles, de vieilles femmes, d’elle-même.

« Lune au-dessus d’un paysage », vers 1900 – détrempe sur carton

Ce sont des paysages simplifiés à l’extrême, où apparaît à nouveau l’importance de la couleur, comme dans ses portraits, mais aussi de la ligne. Et des natures mortes – tout aussi fascinantes – où l’on retrouve cette recherche de représentation « brute » du sujet, à travers des formes simplifiées, l’intensité des couleurs, un pinceau aux touches visibles. Et toujours une grande modernité de composition.

L’audace de Paula Modersohn-Becker est évidente aussi, au-delà de sa « manière » à proprement parler, dans le choix de certain de ses sujets : une femme enceinte nue (elle-même, alors qu’elle ne l’est pas, d’ailleurs), une femme nue endormie avec son bébé… ! Révolutionnaire.

En 124 peintures et dessins (très intéressants également, l’artiste ayant toujours accordé une grande importance au dessin), émaillés de photographies et de documents, cette première rétrospective française est le gros coup de cœur de la saison parisienne. A découvrir absolument avant le 21 août.

(1) éditions POL 2016

Paula Modersohn-Becker : l’Intensité d’un regard

Musée d’Art moderne de la Ville de Paris

11, av. du Président Wilson – 75116 Paris

TLJ de 10 heures à 18 heures sauf lundis, jsq 22 heures le jeudi

Entrée 10 euros (TR 7 euros)