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La vie rêvée de Walter Mitty. Ben Stiller

Walter Mitty est chef du département photo du magazine Life. En réalité, il n’a sous ses ordres qu’un homologue dévoué, avec qui il passe ses journées terré dans l’obscurité du labo photo…

Seize ans de « boutique » et autant de discrétion : Walter Mitty est un homme effacé, pour ne pas dire timoré, qui a pour habitude de se réfugier dans des rêves éveillés dont il est le héros d’exploits les plus audacieux.

Bien qu’excellent dans son métier, son avenir professionnel est plus que menacé : le célèbre magazine américain est à la veille de passer au tout numérique et la photographie argentique n’a plus de raison d’être. D’autant que son comportement quelque peu lunaire n’a rien pour attirer la mansuétude du « chargé de transition » de la boîte, qui s’apprête à licencier à tour de bras.

Dans ce triste tableau, deux éléments vont se télescoper pour jouer le rôle de dynamiteur : la disparition du négatif destiné à la couverture du dernier numéro papier de Life – qui plus est envoyé par le photo-reporter adulé Sean O’Connell – et l’apparition d’une charmante collègue du service comptabilité dans le paysage des cœurs à prendre.

Il n’est donc, de tout évidence, plus du tout l’heure de rêvasser, mais de retrouver cet aventurier de O’Connell : pour sauver la dernière « couv », Walter sort enfin de sa coquille et part au Groenland, en Islande, en Afghanistan, où il vit toute la palette des situations de l’extrême, dans les airs avec un pilote saoul au dernier degré, dans les eaux glacées avec les requins, et même sur les lacets d’une route montagneuse, en skate sur le bitume…

Le dernier film de Ben Stiller a un charme fou. D’abord parce que c’est une comédie réellement drôle, ce qui est aussi rare qu’apprécié ; ensuite parce que c’est très bien joué (Ben Stiller, très bien servi par lui-même) ; enfin parce que les aspects les plus faibles sont
contrebalancés par d’autres très réussis. Le côté un peu simpliste du scénario est complètement effacé par le côté poignant de cette histoire issue d’une nouvelle américaine de James Thurber : notamment le cynisme de « l’adaptation économique » et le néant
dans lequel tombent les compétences et le savoir-faire d’hommes et de femmes dont les métiers disparaissent. S’y ajoute l’attitude décalée et toujours poétique du héros, que ce soit quand il rêve sa vie ou quand il se met à vivre sa vie rêvée.

Et par la grâce de cet esprit fantaisiste (les aventures sont totalement abracadabrantesques) et plein de naïveté, on accepte sans broncher que les plans sur les grands et beaux espaces naturels soient filmés de façon si publicitaire.

C’est que le film déborde de tendresse et d’humanité, jusque dans la scène où Walter rencontre enfin Sean O’Connell, joué par Sean Penn soi-même : il ne se passe pas ce à quoi on s’attend, mais quelque chose d’assez enfantin, pris entre un prosaïsme décevant et un lyrisme échevelé. Et ce quelque chose-là, presque maladroit, est terriblement joli.

La vie rêvée de Walter Mitty
Une comédie dramatique de Ben Stiller
Avec Ben Stiller, Kristen Wiig, Shirley MacLaine, Adam Scott, Sean Penn…
Durée 1 h 54
Sorti en salles le 1er janvier 2014

Photo : Ben Stiller, Sean Penn © Twentieth Century Fox

Prélude à l'agonie au théâtre du Rond-Point

Prélude à l'agonie au Théâtre du Rond Point

Après la désespérante soirée du Tigre en décembre, on poursuit dans le grotesque avec Prélude à l’agonie de la Compagnie du Zerep (Sophie Perez et Xavier Boussiron) donnée au théâtre du Rond-Point jusqu’au 25 janvier.

La comparaison n’a pas à être poussée plus avant car ici nous sommes dans un autre genre, beaucoup plus trash.

Cela débute plutôt bien : sur une mince bande de scène à l’avant du plateau, une courte pièce de Courteline raconte la triste histoire d’un enfant du Connecticut à qui ses parents font croire qu’il possède un royaume, jusqu’à ce qu’il découvre le pauvre lopin de terre marécageux avec lequel on l’a trompé pendant des années. La pièce est interprétée par des nains. C’est une petite merveille, cruelle et jouée de façon délicieusement décalée.

Ce prologue annonce le thème de la soirée (le far west), le regard qui y est porté (la critique) et la méthode utilisée (l’humour noir).
Enfin, en théorie. Car en pratique, une fois le cœur du spectacle enclenché, les moyens mis en œuvre se résument à la provocation : non seulement à travers un mauvais goût revendiqué, mais surtout à travers l’obstination à montrer de bout en bout toutes sortes de violences, avec une prédilection pour l’humiliation, le gore et l’obscénité. Hommes et femmes laids, enlaidis et à poil se roulant dans la poussière pour des séquences orgiaques ; jeu de la banane, prétexte à s’en enduire, s’en farcir et en vomir ; le tout ponctué
de coups de pistolet tirés dans l’hilarité. On danse avec un cheval mort et on fait surgir d’une pauvre et monstrueuse créature une giclée de sang bien frais, quand une autre aux cuisses larges et aux seins tombants s’exhibe comme une bête de foire.

On a compris la démonstration. Le monde fascinant du far west est cruel. Oui oui.

Il est à croire que pour dénoncer, le théâtre contemporain n’a plus foi au texte, préférant s’engouffrer systématiquement dans des outrances de représentations dont les moyens, de Rodrigo Garcia à Angelica Liddell, sont toujours les mêmes, des provocations plus ou moins régressives à la violence sous toutes ses formes brandie comme un étendard. Répétés à l’envie de spectacle en spectacle, après avoir frappé les esprits, ces excès ne font désormais résonner que leur vanité.

Prélude à l’agonie

Théâtre du Rond-Point
2 bis, av. Franklin-D.-Roosevelt (VIIIe)
Tél.: 01 44 95 98 21

A 21 h, dim. à 15 h
Places: de 11 à 36 €
Durée: 1 h 40

Jusqu’au 25 janvier

Bonne annee 2014 !

voeux2014_sicile Chères lectrices et chers lecteurs,

en comptant bien, voici sept ans que maglm a pris racine dans le paysage du web.

Abonnés ou non, vous êtes de plus en plus nombreux à lire ce blog culturel un peu à part, que j’espère être votre préféré.

Cette fidélité est pour moi la meilleure des raisons de continuer !

On va donc essayer de garder le rythme et la formule cette année encore : des billets « coups de cœur » au fil des sorties et des visites – avec parfois d’inévitables coups de griffe hélas -, le plus souvent à Paris mais aussi quelques embardées loin de la capitale, notamment grâce aux billets qu’Andreossi nous fait de temps à autre l’amitié d’expédier depuis le grand Sud…

Bref, expos en tous genres, ciné, théâtre, livres… on continue sur la carte de la variété et des surprises, en espérant conserver intact votre plaisir à lire maglm, et en espérant aussi vous connaître un peu plus à travers vos commentaires toujours appréciés, et que j’espère plus nombreux !

Je vous souhaite de tout cœur, à toutes et à tous, une bonne santé et, où que vous soyez, une nouvelle année remplie de paix, de douceur et de beauté.

Amitiés, Mag

Photo : beauté sicilienne, mars 2012

Le loup de Wall Street. Martin scorsese

Le loup de Wall Street, Scorsese C’est à la grande délinquance en col blanc que Scorsese s’en prend cette fois, en s’emparant du personnage de Jordan Belfort, trader indécemment enrichi au cours des années 80 et 90 en arnaquant l’actionnariat, puis tombé autant du fait de ses propres excès que de celui des enquêteurs du FBI.

La fresque que déroule Martin Scorsese n’a pas la riche trame narrative de ses très grands films comme Casino, car ici l’histoire est des plus ténues : grandeur et décadence d’un truand adulé. On peut reconnaître aussi que le réalisateur n’avait peut-être pas besoin de 3h pour réussir sa brillante démonstration : allégé d’une bonne demi-heure, elle n’aurait certainement rien perdu de son efficacité.

Malgré ces réserves, Le loup de Wall Street est un film magnifique. Magnifique d’abord par sa noirceur, totale dans cette opulence
ensoleillée : sans juger en apparence, en montrant la monstruosité sans pudibonderie, Scorsese dresse un tableau éloquent du cynisme d’un monde où l’argent tient lieu d’unique loi, où ce qu’on appelle réussite et richesse font tomber dans l’addiction de toutes sortes de poudres et du sexe, dans des états d’où toute humanité semble s’être retirée.
Magnifique ensuite par ses acteurs (dont Matthew McConaughey, qui fait une ahurissante prestation au début du film), et évidemment tout particulièrement son acteur principal, Leonardo DiCaprio qui, de film en film, n’en finit plus de susciter étonnement et admiration. Ici il donne à lire sur le visage de Jordan Belfort toute la palette des émotions, de la fatuité la plus insupportable au désarroi le plus profond – celui d’une personne comme « retirée
d’elle-même ».
Magnifique enfin pas sa réalisation : Le loup de Wall Street a le brio d’un Scorsese encore au sommet de son art, à tel point qu’à certains moments, ceux où l’on trouve le contenu des scènes quelque peu répétitif, on se contente d’admirer les plans, et de cela « seulement », on se régale…

Le loup de Wall Street
De Martin Scorsese
Avec Leonardo DiCaprio, Jonah Hill, Margot Robbie, Matthew McConaughey
Durée 2 h 59
Sorti en salles le 25 décembre 2013

El Tigre au Théâtre du Rond-Point

El Tigre au Théâtre du Rond-Point De ce que l’on comprend, quelque part sur le delta du Tigre dans un marais argentin où sévissent les caïmans, une poignée de folles honorent la fée cinéma, dans l’adoration de Lana
Turner, star des temps reculés, qui eut sept mariages et une fille, et se se trouve aujourd’hui, selon les scènes, entre vie et trépas.

Peut-être ceci n’est pas tout à fait exact ; plus sûrement ceci est incomplet…

Comment savoir ? La langue tient de l’absurde, du surréalisme et du fantastique, en un mot du loufoque, ce qui autrement pourrait avoir son charme mais ici n’en a aucun. Il y a donc pléthore de jeux de mots, on entend « D comme dé de couture » (avant il y a eut « H comme… » mais on a oublié quoi), « saucisse de Toulouse » (le comparatif nous a également échappé), ou encore « les poils pubiens sont des antennes » (si elles le disent).

Comme c’est un genre de comédie musicale, une mini-fosse a été aménagée au pied de la scène, où officie un quatuor à cordes.

On en prend grande pitié, au vu et à l’ouïe de ce qu’il subit chaque soir. La musique est inspirée du tango argentin – le créateur du spectacle n’est autre que le metteur en scène d’origine argentine Alfredo Arias, habitué des lieux depuis plusieurs saisons. Elle accompagne des morceaux chantés par deux comédiens (jouant des travestis, avec le folklore hispano-argentin en jupons habituel) et quatre comédiennes (dont Arielle Dombasle qui minaude comme la poupée qu’elle n’est plus depuis longtemps) non dénués de talent mais dirigés comme au café-théâtre. La mise en scène est du même acabit, et le décor réduit à sa plus simple expression.

Certaines personnes rient, on les entend bien, d’autres partent, on les comprend mieux, tout en s’obstinant jusqu’au bout et en silence, en se demandant ce qu’on est venu faire là.

El Tigre
Théâtre du Rond-Point
Salle Renaud-Barrault
2 bis, av. Franklin D. Roosvelt – Paris 8°

Livret et mise en scène : Alfredo Arias
Composition musicale : Bruno Coulais
Avec Denis D’Arcangelo, Carlos Casella, Arielle Dombasle, Alejandra Radano,
Andrea Ramirez, Alexie Ribes
Violons : Christophe Guiot et Elisabeth Pallas, alto : Françoise
Gneri, violoncelle : Jean-Philippe Audin

Durée 1 h 30
Jusqu’au 12 janvier 2014

Photo © Alejandra Lopez

Les Pléiades, Les trente ans des Fonds Régionaux d’Art Contemporain

Pleiades, trente ans des Frac Où se cachent les œuvres d’art contemporain quand elles ne sont pas dans les appartements privés, les galeries et quelques musées ?

En France on en compte 26000, réalisées par 4200 artistes français et étrangers, qui appartiennent aux FRAC, les Fonds Régionaux d’Art Contemporain (1).

En réalité ces œuvres ne sont pas si cachées que cela puisque une sur trois environ est présentée au public grâce à une politique de mobilité qui permet de les apprécier dans les divers lieux où on peut les installer temporairement, des musées aux établissement scolaires, des hôpitaux aux associations de quartier.

Car les FRAC n’ont pas de lieu d’exposition à eux. Sauf pour leur trentième anniversaire cette année, lorsque le musée des Abattoirs propose ces « Pléiades » en donnant carte blanche à 23 FRAC afin qu’ils rendent compte chacun à leur manière de leur travail dans l’histoire de l’art contemporain. Ainsi sur un même lieu nous sont présentées 23 expositions, car les artistes sont devenus commissaires lorsqu’on leur a confié la mission
d’organiser cette présentation pour leur région.

Nous avons donc 23 visions d’artistes sur la production d’art contemporain depuis trente ans, à la fois regards sur leur travail et sur celui de leurs pairs. On ne s’étonnera pas d’être confronté à une diversité extrême dans les approches et dans les œuvres, et pour éviter l’errance peu fructueuse d’un objet à l’autre, en espérant une révélation soudaine au détour d’une installation, on préférera s’immiscer dans chacun des univers à l’aide du
livret distribué à l’entrée du musée. L’art contemporain se donne peu immédiatement et on doit profiter des vertus de la polysémie des œuvres : les « discours d’accompagnement » sont utiles, non parce qu’il faudrait croire à l’interprétation des commissaires, des critiques ou même des artistes eux-mêmes (qui sont loin d’être les meilleurs commentateurs de leurs productions), mais pour laisser traîner son imaginaire et sa pensée au sein de ces discours multiples.

Les trente ans des FRAC aux Abattoirs à Toulouse De l’œuvre n°1, Holey Glory,(navire sur roues) présentée par le FRAC Languedoc-Roussillon aux vidéos de Dora Garcia (webcam installée dans une salle d’exposition), qui nous vient du FRAC Lorraine, les occasions ne manquent pas de s’interroger sur la place de l’art dans nos vies. Nous ne nous arrêterons que sur un aspect qui saute aux yeux : le contemporain est largement le passé qui va advenir.
Evidemment une commémoration d’anniversaire provoque la réflexion dans ce sens : le collectif Claire Fontaine (FRAC Haute Normandie) a choisi l’inventaire des œuvres acquises en 1983, comme dans une exposition classique, mais avec un clin d’œil aux numéros d’ordre d’entrée des œuvres dans la collection. Par chance on trouve cette année-là, par exemple, Olivier Debré et Tal Coat.

La thématique du papier peint, reprise dans les expositions des FRAC des Pays de la Loire, de Basse Normandie, de la Réunion, nous incite à nous arrêter sur ces éléments de la vie quotidienne qui datent une époque, qui ont en quelque sorte arrêté le temps. Plusieurs artistes travaillent la question de l’archéologie (Fouilles d’Erik Dietman et Accumulator 2 de Félix Schramm proposés par le FRAC Alsace), autre manière d’introduire la réflexion sur
l’aujourd’hui qui deviendra passé ; mais lorsque Marc Bauer, du FRAC Auvergne, organise son exposition autour du crâne peint par Denis Laget, nous revoilà sur les « vanités » si classiques en peinture, objets symboliques du temps qui passe.

Le caractère éphémère des choses et des vies, c’est le rappel constant que les artistes ravivent. L’art a d’abord été contemporain, à toutes les époques bien sûr, mais a beaucoup signifié, alors, qu’il ne croyait pas beaucoup à son présent.

Les Pléiades
30 ans des Fonds Régionaux d’Art Contemporain

Musée Les Abattoirs
Toulouse
Jusqu’au 5 janvier 2014

(1) On peut retrouver les collections des FRAC accessibles pour la première
fois sur un portail unique : http://lescollectionsdesfrac.fr

Images :
Denis Laget, sans titre et Erik Dietman, Fouilles

Le printemps de la Renaissance au musée du Louvre

Le printemps de la Renaissance au Musée du Louvre Parmi toutes les expositions vues à Paris depuis la rentrée, plus belles les unes que les autres, celle du Louvre tient une place à part.
Tant par la qualité des œuvres présentées que par la clarté du propos qui se manifeste aussi bien à travers la mise en espace que les textes d’accompagnement, cette exposition joue dans une autre division. Nous sommes ici en effet dans le très haut de gamme, où tout converge pour donner au public les plus grands plaisirs, esthétiques comme intellectuels. Jusqu’à l’éclairage, qui permet de profiter des œuvres à plein – surtout quand il n’y a pas foule, comme en l’un de ces derniers mercredis en soirée. Si on se rappelle qu’il est plus facile d’éclairer des sculptures que des peintures – et pire encore, des dessins – beaucoup plus fragiles et sensibles à la lumière, encore faut-il savoir le faire. Et encore faut-il choisir les bons espacements entre les œuvres, les meilleures perspectives entre elles et présenter les sculptures de manière à ce que l’on puisse si besoin en faire le tour (c’est hélas loin d’être toujours le cas).

En collaboration avec le Musée National du Bargello et la Fondation du Palazzo Strozzi, le Musée du Louvre s’est saisi d’un moment fondamental de l’histoire de l’art – l’éclosion de la Renaissance à Florence au début du Quattrocento – et l’a traité de façon magistrale. Les deux commissaires Marc Bormand, conservateur en chef au département des sculptures du Louvre et Beatrice Paolozzi Strozzi, directrice du Musée du Bargello ont mis en place un parcours cohérent et varié à la fois, ont choisi les artistes les plus significatifs de leur temps et des œuvres parmi les plus belles de ces nouveaux maîtres. Enfin, ils ont rédigé des textes limpides et riches qui permettent de comprendre quelles ont été les innovations de la Renaissance et dans quel contexte elles ont pu naître et se développer. Le tout en 140 pièces, des sculptures essentiellement mais également des peintures, des dessins, des objets d’art décoratif et des maquettes.

Deux têtes de cheval, Antique et Renaissance La Renaissance, c’est un bouleversement artistique qui voit l’individu mis au centre des préoccupations dans le courant des idées humanistes, de la redécouverte des Antiquités grecque et romaine, aussi bien dans le domaine politique que formel (les deux n’étant pas dénués de liens), mais aussi dans le contexte de recherches et de découvertes plus techniques comme celle de la perspective linéaire.
Tous ces éléments s’émulsionnent à Florence qui bénéficie à l’aube du XV° siècle d’une conjoncture sociale, économique et culturelle florissante. La tradition fixe d’ailleurs le début de la Renaissance à Florence en 1401, date du concours pour le décor des secondes portes du baptistère San Giovanni placé devant le Duomo Santa Maria del Fiore, sur le thème du sacrifice d’Isaac.
Sont ici présentés les deux reliefs qui ont inauguré le nouveau style : celui de Brunelleschi et celui de Ghiberti, lauréat du concours. Tous deux ont puisé dans le répertoire antique : le Tireur d’épines pour le premier et Le torse de Centaure pour le deuxième.

De Brunelleschi, l’on découvre dans la même salle la maquette de la fameuse coupole du Duomo de Florence puis, plus loin, une délicieuse Vierge à l’Enfant en terre cuite décorée. Ces œuvres du même artiste sont significatives de l’évolution qui s’est faite au premier Quattrocento : au début du siècle, les commandes sont publiques (la cité est alors une République fondée sur l’idéal républicain romain), portant sur des sculptures monumentales à destination religieuse et civique. Les deux chefs d’œuvres que sont les immenses statues de Saint Louis de Toulouse en bonze doré (Donatello) et Saint Matthieu (Ghiberti) également en bronze, destinées à orner l’extérieur de l’église Orsanmichele en témoignent.
Puis la bourgeoisie marchande se met à passer de plus en plus de commandes, portant sur des œuvres plus petites et à usage privé. Les Vierges à l’Enfant se multiplient, en marbre mais aussi en terre cuite émaillée, technique mise au point par Luca della Robbia et dont on voit également de splendides exemplaires.

Les autres thèmes sont aussi bien étayés et illustrés, en particulier l’influence de la sculpture sur la peinture (superbes fresques déposées à l’appui) ; la réinvention des Spiritelli (petits anges ou petits génies) par un Donatello représentatif de ce mouvement de synthèse entre les sources antiques et la chrétienté réalisé par les artistes de la Renaissance ; la redécouverte de la statue équestre (ici aussi, parallèle est fait entre l’Antique et le Quattrocento, avec notamment une tête de cheval hellénistique placée en contre-point d’une monumentale tête de cheval de Donatello) ; celle des bustes à la Romaine (les Médicis qui forgeaient déjà leur future cour – et suprématie – en étaient friands)…
Citons pour finir une autres innovation tout aussi passionnante : la découverte de la perspective à travers la sculpture, que l’on peut admirer notamment sur les bas-reliefs de Donatello, Saint Georges et le dragon et Le banquet d’Hérode : pour figurer l’éloignement il réduit progressivement la profondeur de son incision. On appelle cette technique le stiacciato (le très bas-relief) et son résultat, d’une finesse extraordinaire, sur un marbre dont l’éclairage fait ressortir la délicatesse de la gravure et les veinures soyeuses, est tout simplement merveilleux.

Le printemps de la Renaissance
La sculpture et les arts à Florence, 1400-1460
Musée du Louvre
Paris – 1er
TLJ sauf le mardi, de 9 h à 18 h, nocturnes les mercredi et vendredi jusqu’à 21h45
Entrée 13 €
Jusqu’au 6 janvier 2014

Images :
Donatello, Spiritelli de la Cantoria de la cathédrale de Florence, Paris, Institut de France, Musée Jacquemart-André© 2013 Musée du Louvre / Philippe Fuzeau

La Renaissance et le Rêve au Musée du Luxembourg

La Renaissance et le Rêve au musée du Luxembourg A travers cette passionnante exposition à voir jusqu’au 26 janvier prochain, le Musée du Luxembourg à Paris se propose de répondre à la question : comment les artistes de la Renaissance ont-ils représenté le rêve ?

En près de 80 œuvres dûment éclairées, essentiellement des peintures et des gravures, y compris un splendide émail peint, le parcours permet de se faire une belle idée du sujet.

Tout commence par le sommeil, comme d’évidence, car l’on ne parle pas ici de rêve éveillé mais bien de songe nocturne : c’est Michel-Ange, avec une sculpture pour le tombeau des Médicis dans la basilique San Lorenzo à Florence qui en a dessiné le canon, sur lequel les peintres du XVI° siècle se sont alignés. Le sommeil est figuré par une femme nue au corps plantureux, lovée sur elle-même, aux yeux clos et à l’expression énigmatique. Les interprétations de Ghirlandaio et de Battista Dossi sont d’une extraordinaire richesse avec animaux, masques, autant de symboles à tenter de décrypter mais dont l’ambiguïté voire l’érotisme du message ne peut passer inaperçu.

A une époque où la religion est extrêmement présente malgré la redécouverte des philosophes de l’Antiquité, beaucoup d’œuvres représentent ce que l’on appelle les « rêves vrais », autrement dit des visions révélées par le divin, souvent en prenant leur source dans l’Ancien Testament. Ainsi l’on découvre plusieurs versions de l’échelle de Jacob, métaphore de l’élévation de l’âme vers Dieu, ou encore du rêve de Pharaon qui voit sept vaches maigres dévorer sept vaches grasses, annonçant la famine qui suivra la prospérité, mais également la vision de Sainte-Hélène, dont la superbe, claire et mélancolique signée Véronèse, venue de la National Gallery de Londres.

Véronèse, le rêve de Sainte-Hélène Dans un registre toujours religieux mais plus politique, impossible de passer à côté du Rêve de Philippe II du Greco, prêté par le Monastère royal de l’Escorial à Madrid et montré pour la première fois en France. Les couleurs d’une modernité incroyable, presque acidulées, l’habile et audacieuse composition et la puissance iconographique jusque dans les détails feraient presque tomber à genoux, à l’exemple de son commanditaire figuré au premier plan.

Pour finir, à défaut de pouvoir citer toutes les œuvres dignes d’intérêt, voici une série de peintures qui remportent un grand succès : les visions cauchemardesques de Jérôme Bosch. Venu d’Ottawa, La Tentation de Saint-Antoine, truffé de monstres aussi mystérieux que repoussants place le Saint au centre du tableau comme abandonné dans un monde gagné par les pires vices et condamné aux ténèbres. Quant à l’ensemble de quatre panneaux Visions de l’Au-delà du même Bosch, on y lit une volonté toute « pédagogique » : d’un côté l’Enfer peuplé d’effrayantes créatures, où une terrible chute mène sans ménagement, d’un autre un Paradis fait de douceur et de lumière et entre les deux l’ascension vers le divin, symbolisé par une blanche lumière.

C’est bien la Renaissance, certes, mais elle reste marquée par les temps tragiques du Moyen-Age et ses obscurantismes et annonce des affrontements religieux non moins violents. De tout cela, le travail de Bosch et de ses suiveurs témoigne et, on dirait, avec une certaine délectation. Délectation visiblement encore pleinement partagée par les visiteurs quelques cinq siècles plus tard…

La Renaissance et le Rêve
Bosch, Véronèse, Le Greco…
Musée du Luxembourg
Paris 6ème
TLJ de 10 h à 19 h 30, les lun. et ven. jsq 22 h
Jusqu’au 26 janvier 2014

Images :
Paris Bordone, Vénus endormie et Cupidon, Venise, collection G. Franchetti © 2013. Cameraphoto/Scala, Florence – Photo Scala, Florence – courtesy of the Ministero Beni e Att. Culturali
Véronèse, La Vision (le rêve) de sainte Hélène, vers 1570-1575, huile sur toile, Londres, The National Gallery © The National Gallery, Londres, Dist. RMN-Grand Palais / National Gallery Photographic Department

Les Garçons et Guillaume, à table !

Les garçons et Guillaume, à table ! C’est l’histoire d’un petit garçon toujours fourré dans les jupes de sa mère pendant que ses deux frères se battent et fument et cachette. Qui apprend à danser les sévillanes alors que les deux grands découvrent les sports de l’extrême avec leur père. Un petit garçon qui a deux idoles dans sa vie : sa mère et Sisi.
Bref, l’histoire d’un petit garçon bien élevé, gentil, et efféminé qui, en grandissant, développe sa délicatesse, son aversion pour le sport et un talent naturel pour attirer les quolibets de ses cruels congénères.

Si le paternel est consterné, la mère est dans le fond ravie.
Arrive le jour du premier gros chagrin (d’amour), quand Guillaume réalise avec effroi que son Jérémie préfère les filles. Suivra celui de l’exemption (militaire, un grand moment), puis de la psychanalyse (idem) et enfin celui de la découverte de la méprise fondamentale : Maman aurait voulu une fille… Et Guillaume n’est peut-être pas l’efféminé que tout le monde, y compris lui-même, a toujours cru.

Le succès qu’avait rencontré le spectacle de Guillaume Gallienne semble bien parti pour se transformer en carton au cinéma, avec plus de 700 000 spectateurs à l’issue de la première semaine d’exploitation.
L’excellent accueil critique et public est tout à fait justifié, tant la comédie est en tous points réussie : le plus souvent surprenante et fine, toujours très drôle (parfois potache), bien rythmée, hyper émouvante… sans oublier le meilleur de l’affaire : le jeu double du sociétaire de la Comédie Française Guillaume Gallienne, interprète à la fois de son propre rôle et de celui de sa mère. Sans compter que c’est lui qui tient (pour la première fois) la caméra !
On appréciera aussi le tableau social brossé à travers de celui de cette famille de la grande bourgeoisie, ainsi que les interprètes secondaires féminines, toutes plus savoureuses les unes que les autres : Nanou Garcia en "prof" d’espagnol in situ plus vraie que nature, Françoise Fabian en grand-mère jadis superbe qui se met à perdre ses mots, et Diane Kruger en plein exercice d’un métier dont on préfère ignorer le nom…

Les Garçons et Guillaume, à table !
De et avec Guillaume Gallienne
Durée 85 mn
Date de sortie en salles : 20 novembre 2013

Félix Vallotton, Le feu sous la glace

Felix Vallotton, Le feu sous la glace Né à Lausanne en 1865, Félix Edouard Vallotton s’installe à Paris en 1882, fait de la France son pays d’adoption et s’y éteint en 1925 à l’âge de 60 ans.

Peintre prolifique – il laisse à sa mort plus de 1 700 tableaux – c’est d’abord par la gravure qu’il devient célèbre et ce, dès les années 1890. C’est pendant cette période également qu’il se rapproche du groupe des Nabis et entame avec Vuillard une étroite relation d’amitié. Rapidement, il se consacre essentiellement à la peinture et, bien qu’exposé avec les Nabis chez Berheim-Jeune en 1901, il ne se revendique d’aucune école.
Il ne privilégie pas davantage tel ou tel genre, embrassant aussi bien le paysage, la nature morte, la scène de genre, le portrait que la peinture d’histoire.

De cette diversité et de cette liberté, la grande rétrospective organisée par le Grand-Palais témoigne avec panache, à travers 170 œuvres, dont 110 tableaux et 60 gravures couvrant toute la carrière de Félix Vallotton. Le parcours thématique se déroule dans une scénographie sobre marquée par un resserrement progressif. Sans doute est-ce le bon choix, car à quelques exceptions près – notamment la série de six planches sur la guerre en toute fin – plus on avance dans l’exposition plus l’on a de réserves sur l’intérêt des tableaux.

Les œuvres les plus passionnantes se trouvent dans la première partie du parcours, au premier niveau. Là sont exposés de magnifiques paysages empreints de mystère, qui nous placent entre deux lumières, à la fin du jour, ou dans une brume neigeuse, où les détails bien dessinés voisinent avec des zones floues, et dont les lignes de fuite bousculées et les couleurs réinterprétées en renforcent l’étrangeté. Il y a du symbolisme là-dedans, du japonisme aussi. L’ensemble demeure fort personnel, très beau et d’une émouvante poésie.

Valloton, Le feu sous la glace

Autre point fort de Félix Vallotton : la peinture de mœurs, dans des scènes d’intérieur qui sont pour lui l’occasion d’élaborer une peinture très critique de la comédie sociale bourgeoise. Ce sont tromperies et fâcheries chez des couples, légitimes ou non, dans des salons étouffants, des chambres dissimulées derrière une enfilade de portes, des salles de spectacle où l’on s’ennuie à périr.
Dans ces scènes, le décor, très présent, y compris en termes chromatiques, concourt efficacement à la puissance de la satire.
Mais c’est par son seul dessin que Vallotton se fait dénonciateur dans ses séries de gravures où, associé à de grands aplats noirs et blancs très découpés, son trait se fait scalpel. Malgré l’éloignement graphique, l’ironie mordante ne manque pas d’évoquer celle des Caprices de Goya, un rapprochement auquel incitera à nouveau, plus loin, ses gravures sur la Première Guerre Mondiale.

Entre ces séries de gravures, encore beaucoup de tableaux, mais dont certains laissent froid. Tel est le cas de la peinture mythologique de Vallotton, qui apparaît aussi simpliste qu’anachronique. Pire encore, les tableaux au vitriol contre les femmes présentées explicitement comme de violentes et sanguinaires prédatrices des hommes : l’outrance du propos le dénue de portée.

L’on découvre avec davantage d’intérêt ses nus féminins, fort nombreux. Beaucoup d’ambiguïté, voire d’érotisme dans des œuvres où le peintre semble vouloir chercher la caution de ses aînés, Ingres et Manet très visiblement. Mais on n’est pas Manet après Manet, et n’a pas la grâce de Dominique Ingres qui veut. Et surtout, où est la sensualité dans tout cela ? Seules ou à deux, souvent entourées d’animaux ou d’objets à la charge symbolique forte, les femmes que Vallotton a peintes apparaissent moins comme de belles séductrices que comme de dangereuses provocatrices que le peintre, tout en dévorant du regard leurs courbes attirantes, semble vouloir tenir à distance en ne montrant pas leur visage et en donnant à leur chair de tristes couleurs, allant parfois jusqu’au gris blafard. Décidément très étonnant notre Vaudois de Vallotton.

Félix Valloton
Le feu sous la glace
Grand Palais, entrée Clemenceau
Jusqu’au 20 janvier 2014