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Voir l'Italie et mourir, au musée d'Orsay

Voir l'Italie et mourir au musée d'Orsay, la place saint marc au clair de lune La mode a été lancée dès la fin du XVIème siècle par les Anglais fortunés, elle eut rapidement un grand succès auprès des Européens et ne cessa de se développer au cours des siècles suivants.

Il s’agissait, pour les membres de la bonne société, de parfaire leur éducation en accomplissant le Grand Tour, lequel passait inévitablement par l’Italie, où l’on allait, comme on le fait encore aujourd’hui, se cultiver et se pâmer devant les ruines antiques et les œuvres de la Renaissance.
La vogue connut un souffle nouveau au XIXème siècle, à la suite des fouilles des sites de Pompéi et Herculanum, mais aussi avec l’invention de la photographie.

A travers une large sélection de peintures, dessins, sculptures et surtout photos, l’exposition du musée d’Orsay éclaire un pan – celui du XIXème siècle – de l’histoire de cette inlassable attrait des Européens pour l’Italie. Le parcours est conçu comme un petit voyage en soi – déambulation entre diverses salles aux volumes différents et peu séparées les unes des autres. L’espace central est surplombé d’un faux plafond reproduisant en maxi-format des fresques italiennes. De petites statues typiques des personnages de la tradition – musiciens en particulier – œuvres de Carpeaux notamment, placés au milieu des salles viennent figurer le centre d’imaginaires petites places, alors que les murs prennent de douces teintes vertes et taupes.
Le charme est complet, d’autant que sur les murs s’étale une succession de splendeurs architecturales. Du Duomo Santa Maria di Fiore à la Basilique Saint-Marc, de Santa Maria de la Salute à la basilique Saint-Pierre, du Grand Canal au Colisée en passant par la cathédrale de Prato, sont ici réunies des vues de voyages dont campaniles, coupoles et arcs antiques ont été les étapes.

Voir l'Italie et mourir, Musée d'Orsay, Corot Pour autant, l’exposition réserve bien des surprises. L’une de ses révélations est la singulière beauté de certains tirages sur papier albuminé, procédé qui offre un rendu de la lumière du sud tel que l’on croit la "sentir", mais aussi des contrastes d’une remarquable précision. L’architecture et les perspectives en sont encore magnifiées. L’on y découvre aussi des photos et des peintures d’une grande poésie, comme ces vues de Venise au clair de lune, tout à fait extraordinaires.
Beaucoup moins romantiques, mais très inattendus, sont les clichés des moulages effectués dans les empreintes des cadavres retrouvés avec la découverte des sites de Pompéi et Herculanum. Face à ces corps immobilisés en plein mouvement, on saisit toute l’horreur de ces hommes et ces femmes pris vifs dans la lave du Vésuve, autre motif de fascination pour les Européens voyageurs du XIXème siècle qui eux, découvraient alors cette tragédie de l’histoire.

Voir l’Italie et mourir. Photographie et peinture dans l’Italie du XIXème siècle
Jusqu’au 19 juillet 2009
Musée d’Orsay
1, rue de la Légion d’Honneur – Paris 7ème
TLJ sf le lundi, de 9 h 30 à 18 h, le jeudi jusqu’à 21 h 45
Entrée avec le billet du Musée (9,50 €, TR 7 €)

Images : Friedrich Nerly, Venise, la place Saint Marc au clair de lune, vers 1842, huile sur toile, 58,5 x 46,5 cm, Hanovre, Niedersächsisches Landesmuseum (inv. PNM 971) © Niedersächsisches Landesmuseum, Hannover
et Camille Corot, La Vasque de l’Académie de France à Rome, 1826-1827, huile sur toile, 25 x 38 cm, Beauvais, musée départemental de l’Oise © RMN / Hervé Lewandowski

L'Italie des architectes : du relevé à l'invention. Musée d'Orsay

L'Italie des architectes au Musée d'Orsay Pour compléter l’exposition Voir l’Italie et mourir, un accrochage de quelques soixante-dix dessins met en évidence l’importance de l’architecture italienne dans la formation des architectes français.

Depuis 1663, aux lauréats du Grand Prix de Rome, revenait le privilège de passer plusieurs années à l’Académie de France à Rome. Mais avec le développement des moyens de communication et de l’intérêt pour l’archéologie, les architectes furent au XIXème siècle de plus en plus nombreux à accomplir leur "Grand Tour" pour découvrir de visu les bâtiments qu’ils avaient étudié dans les livres.

Les deux salles réunissent ainsi des dessins des plus grands architectes français de l’époque, Charles Garnier, Eugène Viollet-le-Duc ou Hector Lefuel, mais également de très belles aquarelles – traduisant l’influence de la peinture chez les architectes français, souvent venus en Italie, il est vrai, accompagnés d’amis peintres.

Une belle place est faite à Louis Boitte qui, outre l’Italie, eu également la possibilité de visiter la Grèce. Le futur architecte du château de Fontainebleau passa cinq ans à la Villa Médicis et a laissé un fonds de quelques huit cents documents de toutes natures, études, relevés archéologiques, croquis, photographies, dont on voit ici d’instructifs échantillons, y compris des dessins de sa participation au concours ouvert en 1883 par l’Etat italien pour le monument dédié à la mémoire de Victor-Emmanuel II.

L’Italie des architectes : du relevé à l’invention
Dessins d’architecture de la collection du musée d’Orsay
Jusqu’au 19 juillet 2009
Musée d’Orsay
1, rue de la Légion d’Honneur – Paris 7ème
TLJ sf le lundi, de 9 h 30 à 18 h, le jeudi jusqu’à 21 h 45
Entrée avec le billet du Musée (9,50 €, TR 7 €)

Image : Eugène Viollet-le-Duc (Paris 1814 – Lausanne 1879), Fragment d’architecture pompéienne pour " Histoire d’un dessinateur ", crayon et aquarelle, H. 0.17 x L. 0.108m, musée d’Orsay, Paris, (c) musée d’Orsay / Patrice Schmidt

Italiennes modèles : Hébert et les paysans du Latium

Italiennes modèles au musée d'Orsay Cette présentation d’œuvres du peintre Ernest Hébert (1817-1908) est l’une des manifestations dédiées à l’Italie à voir en ce moment au musée d’Orsay autour de l’exposition Voir l’Italie et mourir.
Elle nous mène dans les pas du voyage entrepris en 1853 par Hébert en compagnie de deux de ses amis peintres paysagistes, Édouard Imer et Eugène Castelnau. Partis de Marseille avec Naples en ligne de mire, c’est dans les monts Simbruini qu’ils s’attardent. Les croquis et peinture qu’ils en tirent soulignent la fascination que les autochtones ont dû exercer sur les jeunes Français.
Certes, les nombreuses études de villageois en costume traditionnel traduisent l’emballement des peintres pour un certain pittoresque. Mais le charme opère toujours face aux grands et magnifiques tableaux montrant ces jeunes et belles paysannes, sereines près de leurs sources et de leurs rochers. Elles font effectivement de parfaits modèles : ovale du visage, dessin de la bouche charnue, chevelure brune et épaisse surplombant un corps aux courbes charnelles et harmonieuses. Si ces portraits ne sont pas sans évoquer un regard empreint des canons de l’Antique, Hébert a pourtant saisi des femmes pleines de vie, dont les grands yeux noirs immobiles et les traits impassibles semblent voiler bien des pensées, un certain orgueil, un insondable mystère, et peut-être même une grande mélancolie.

Italiennes modèles : Hébert et les paysans du Latium
Musée d’Orsay
Jusqu’au 19 juillet 2009
1, rue de la Légion d’Honneur – Paris 7ème
TLJ sf le lundi, de 9 h 30 à 18 h, le jeudi jusqu’à 21 h 45
Entrée avec le billet du Musée (9,50 €, TR 7 €)

Image : Hébert Ernest Antoine Auguste (1817-1908), Les Filles d’Alvito, 1855, 220 x 152 cm, huile sur toile, Paris, musée national Ernest Hébert © RMN – Franck Raux

D'autres vies que la mienne. Emmanuel Carrère

Emmanuel Carrère, D'autres vies que la mienne, Pol Ce récit autobiographique a au début le goût un peu amer du bonheur gâché : Emmanuel Carrère passe avec sa compagne et leurs enfants respectifs des vacances dans un hôtel luxueux au Sri Lanka.
Mais son couple est gagné par la lassitude et Emmanuel Carrère se sent impuissant face à ce nouveau naufrage amoureux annoncé. L’histoire se répète, celle d’une incapacité à aimer vraiment, et soi-même, et une femme.
Et puis, très vite, surgit le tsunami de décembre 2004. Il emporte Juliette, la petite fille d’un couple de français connu sur place, mais il épargne Emmanuel Carrère et les siens.
Pourtant, ce raz-de-marée va porter l’auteur – et avant tout l’homme – sur d’autres rivages, là où s’allongent d’autres vies, elles frappées de plein fouet par les tragédies de l’existence. La disparition de cet enfant sera suivie, au retour en France, de la maladie de sa jeune belle-soeur, elle aussi prénommée Juliette. Il y a donc à nouveau la mort, là, toujours prête à venir faucher, même les vies les plus tendres. Et il y a les survivants, ceux qui ont aimé, qui se trouvent brutalement endeuillés et qui malgré tout, pour eux-mêmes et parfois plus encore pour ceux qui restent, continuent à vivre, à avancer, dans la douleur mais calmement, dignement, respectueux de l’amour et de la vie.
Le tsunami d’Emmanuel Carrère, ce sont ces vies-là, qui ne sont pas siennes, mais vers lesquelles il est projeté, au sens littéral, et qui le décentrent de lui-même.
Alors soudain, sa voix à lui se fait basse ; c’est à celle des autres qu’il prête sa plume. Il regarde et écoute les parents privés à jamais de leur fillette, parle longuement avec Etienne, un collègue juge ami de Juliette, fait parler Patrice, son mari et père de leurs trois jeunes enfants.
Ces vies-là, il les raconte précisément, sobrement, presque comme un enquêteur, avec l’envie, voire le besoin de connaître profondément ces hommes et ces femmes, pour comprendre comment elles conduisent leur vie, malgré tout, mais aussi pour s’en faire le témoin et le passeur.
Emmanuel Carrère, après avoir brossé, dans Un roman russe, un auto-portrait sans appel, s’avère un remarquable portraitiste des autres. Mais, à travers les personnes qu’il décrit, il fait aussi preuve d’une redoutable efficacité dans la description sociale. Toute la sensibilité et la finesse d’écriture qu’on lui connaît se déploie ici sur le terrain de la justice et des inégalités politiques et économiques avec un souffle nouveau et bouleversant.
En s’ouvrant aux autres, il s’est ouvert au monde et, en apprenant à aimer l’altérité comme elle est, a fini par se rencontrer lui-même. Il lui aura fallu, lui le gâté malheureux qui se croyait exceptionnel, connaître des gens moins chéris des cieux mais amoureux de la vie pour, sur ces plages étrangères, apprendre à faire confiance, à aimer, à se faire aimer, trouver des réponses à sa quête de soi et savoir où ses pieds sont posés et, enfin, les y sentir plutôt bien installés.

D’autres vies que la mienne
Emmanuel Carrère
Editions P.O.L
Mars 2009, 320 pages (19,5 €)

La rétrospective Kandinsky au Centre Pompidou

Rétrospective Kandinsky à Pompidou C’est une exposition comme on aimerait en voir tous les jours, dans de vastes espaces blancs qui laissent les toiles respirer et le visiteur déambuler à sa guise.

Y sont réunies les œuvres de Vassili Kandinsky (1866-1944) appartenant aux trois grandes collections mondiales, celle de la Städtische Galerie in Lenbachhaus de Munich, celle du Solomon R. Guggenheim Museum de New York et enfin celle de Beaubourg, qui les accueille aujourd’hui.
D’autres institutions et fonds privés ont également prêté leurs trésors pour compléter cette rétrospective historique, qui, après avoir été présentée à Munich cet hiver, s’attardera à Paris jusqu’au 10 août, avant de faire sa rentrée au Guggenheim de New-York en septembre.

En plus des spectaculaires tableaux, le parcours chronologique est ponctué de salles aménagées en cabinets de dessins, où l’on trouve aussi des extraits de publications, permettant de mieux appréhender les échanges, les associations et les contributions de l’un des plus grands maîtres – et pionniers – de la peinture non figurative. Les textes de présentation sont sobres et courts ; juste ce qu’il faut pour éclairer les œuvres et surtout les laisser parler au visiteur, qui, spécialiste comme profane, "entendra" beaucoup d’images et d’émotions malgré l’abstraction.
Au demeurant, l’exposition montre clairement que Kandinsky n’a évacué le sujet du tableau qu’assez progressivement. Et encore, même une fois passé du côté du non-figuratif, il lui arrivait souvent de glisser des formes identifiables dans ses toiles. Comme si, simplement, le sujet n’était pas un sujet pour lui.
Tout semble dire qu’il n’était question que de composition, de formes et de couleurs. La composition, les formes et les couleurs. On pourrait s’arrêter là ; les mots ont quelque chose de déplacé face à l’art de Kandinsky. Pour le moins, ils n’ont pas à s’imposer aux autres.

Car l’on a envie de laisser au visiteur tout le plaisir de découvrir ces œuvres, de passer tranquillement d’un tableau à un autre, de s’arrêter parfois longuement, en reculant ou en se rapprochant de la toile, tant l’effet visuel peut s’en trouver modifié. Et d’y voir ce qu’il y voit, d’apprécier telle association de couleurs, telle "ambiance", d’être sensible à tel ensemble ou encore à tel élément. Les oeuvres de Kandinsky sont bavardes, accueillantes, elles n’en finissent pas de se découvrir, de prolonger la conversation.

On peut aussi lire bien des textes sur la vie, le cheminement et les réflexions artistiques de Kandinsky, eux aussi tout à fait passionnants.
Mais son oeuvre semble s’adresser à une part de chacun qui échappe à la science et au verbe. Il forme un tout très cohérent, où l’approche cosmique n’a d’égal que le soin du détail et du petit, où le goût des formes géométriques n’empêche pas les évocations tendres et sensuelles, où les couleurs aussi contrastées soient-elles jouent toujours l’harmonie.

Kandinsky envisageait la peinture comme une musique pour l’oeil, avec ses Composition, Improvisation et autre Fugue de couleurs. Il y a de cela ; et en même temps, prévaut la délicieuse illusion qu’aucun rythme n’est imposé. Chaque tableau est une surprise et de chaque tableau jaillissent mille surprises. Composition, formes, couleurs. Le reste n’est que littérature, ou l’affaire de chaque spectateur.

Centre Pompidou
Jusqu’au 10 août 2009
Ouvert TLJ sauf le mardi et le 1er mai
De 11 h à 21 h, le jeudi jusqu’à 23 h
Entrée 12 € (TR 9 €)

Image : Einige Kreise, 1926. Guggenheim Museum, New York – © Solomon R. Guggenheim Museum, New York. Collection, by gift © ADAGP, Paris 2009

Eros d'argile et Thanatos fusionnels

Mitsukoshi-Etoile, Miwa Kyusetsu Découverte totale et enchanteresse à l’espace Mitsukoshi-Etoile à Paris, où sont exposées jusqu’au 9 mai 2009 des oeuvres du céramiste Miwa Kyusetsu.

Les "Argiles sculptées", comme il les appelle lui-même, créées par ce descendant (XIIème du nom) des Miwa, dynastie de grands potiers japonais bouleversent tout ce que nous connaissons de la céramique.

Bien loin de la poterie traditionnelle en effet se situent ses bols à thé et ses seaux à eau pleins de poésie, nommés Instant de vie ou encore Première floraison, où les lignes douces s’associent aux angles brisés, où la couleur est oubliée pour laisser la place à des dégradés subtils et à la terre brute.

La "révolution" Miwa Kyusetsu a commencé à la fin des années 1960, lorsqu’il a présenté sa série L’Elégante Vie de Hanako (dite Talon Aiguille), escarpin au talon incliné, très fin, qui exalte la cambrure de ce symbole de féminité, ici délicatement bridé et fleuri. En glacis blanc, parfois teinté de bois de rose, voire entièrement dorés, ils évoquent la fragilité et l’abandon et annoncent d’autres séries de sculptures, plus érotiques encore, jambes de femmes repliées et offertes, poitrines généreuses et épaules de soie. On ne saurait être plus explicite.

Certaines oeuvres sont plus mystérieuses et non moins fascinantes, notamment l’ensemble de petits personnages isolés, bouddhas immaculés sur le chemin de l’éveil. Les jeux de matière – raffinement et sensualité du glacis, simplicité abrupte de l’argile – et de lignes géométriques opposées créent l’espace et la lumière et semblent vouloir rappeler les contrastes et contrariétés du monde.

Mais les créations les plus spectaculaires de Miwa Kyusetsu sont ses monumentales Tombes de l’Antiquité, où l’artiste a mis en scène son tombeau à venir ainsi que celui de son épouse, en noir et or entièrement. Objets du quotidien ou symboliques, bouts de squelettes, masques… tout y est mais n’effraie pas, comme si ce céramiste de 69 ans, après avoir sublimé Eros, était parvenu à regarder Thanatos en face dans une majestueuse célébration.

Eros d’argile et Thanatos fusionnels
Espace des Arts Mitsukoshi-Etoile
3 rue de Tilsitt – 75008 Paris
Jusqu’au 9 mai 2009
TJL sauf les dimanches et jours fériés
De 10 h à 18 h
Entrée : 6 euros (TR : 4 euros)

A voir à Toulouse : des chefs-d'oeuvre du Gothique normand

Chefs d'oeuvres du Gothique en Normandie Quand la pierre normande choisit pour écrin la brique toulousaine : c’est dans l’ancien réfectoire du début du XIVème siècle de l’ensemble conventuel des Jacobins à Toulouse, magnifique lieu d’exposition tout de rouge vêtu, que l’on peut voir jusqu’au 20 avril une sélection de chefs-d’œuvres gothiques… normands.

Cette rencontre entre deux Gothiques régionaux conduit le visiteur de l’église abritant les reliques de Saint-Thomas d’Aquin, toute de briques construite, remarquable par sa finesse, sa pureté et son élancement, à un ensemble de sculptures et de pièces d’orfèvrerie produites en Normandie entre le XIIIème et le XVème siècles.

Le parcours chronologique s’ouvre avec la Marie-Madeleine de la Collégiale d’Ecouis (Eure), dont l’ondoyante chevelure descendant jusqu’aux pieds constitue le seul vêtement : sa blancheur, sa simplicité et son naturel en font l’un des joyaux de l’exposition.

Châsse de Saint-Taurin, exposition aux Jacobins à Toulouse Dans la salle suivante, placés en hauteur, les neuf apôtres du Collège apostolique de Saint Pierre de Jumièges (Seine-Maritime), mis en valeur par un jeu de lumières, veillent sur les châsses des reliques de Saint-Taurin et Saint-Romain : datées du XIIIème siècle, en argent et cuivre dorés, elles permettent de se faire une idée de l’architecture richement ornée des églises et des cathédrales du gothique normand.

Suivent un grand nombre de vierges à l’enfant, certaines pleines de tendresse, d’autres plus hiératiques, parfois d’un (trop ?) grand raffinement, marque de la présence d’un mécénat issu de l’entourage royal dans le Vexin Normand au XIVème siècle, qui a tendance à introduire un art de cour parfois teinté de maniérisme.

De belles pièces de vitraux soulignent l’importance de la peinture sur verre lors de la construction ou de la reconstruction des cathédrales à partir du XIIIème siècle, comme les deux panneaux de Dives-sur-mer (Calvados) qui mettent en scène de délicats anges-musiciens.

Exposition aux Jacobins, gothique Normandie Dans la dernière salle sont réunis une multitude de saints de pierre, universels ou locaux, connus ou inconnus. Leur grand succès renvoie aux grandes peurs de l’époque, celles des guerres et des épidémies, sans compter celle de la damnation éternelle.
Le culte des saints protecteurs est aussi à mettre en parallèle avec la diffusion de la "La Légende dorée » de Jacques de Voragine au XIIIème siècle.

Voici donc notamment Sainte Appoline subissant le martyre de l’arrachement de dents, Saint-Clair, invoqué lors des affections oculaires (ici, ses yeux sont représentés dans un tableau reliquaire présenté par le saint), Sainte-Barbe contre sa tour, ou encore Saint-Roch, figuré en pèlerin avec un chien : selon la légende, lorsqu’il fut lui-même atteint par la peste, il se retira dans une forêt pour éviter la contagion et fut nourri grâce à un chien qui lui apportait tous les jours du pain dérobé à la table de son maître…

Chefs-d’oeuvre du Gothique en Normandie
Sculpture et orfèvrerie du XIIIe au XVe siècle
Jusqu’au 20 avril 2009
Ensemble conventuel des Jacobins de Toulouse
Entrée de l’exposition par l’église des Jacobins, rue Lakanal
Ouvert tous les jours y compris les jours fériés de 10 h à 19 h
Entrée 5 € (TR 2,50 €)
Tél. : 05 61 22 21 92

Images : Sainte Marie Madeleine, 1311-1315, Statue, pierre avec traces de polychromie, Écouis (Eure) ; Châsse de saint Taurin – Argent et cuivre doré repoussé et fondu, émaux champlevés – 1240-1255 – Évreux (Eure) ; Huit anges musiciens, deux panneaux de vitrail, vers 1320-1330, Dives-sur-mer (Calvados)

Valadon / Utrillo : au tournant du siècle à Montmartre

Exposition Maurice Utrillo et Suzanne Valadon à la Pinacotheque de Paris A travers une centaine de tableaux de Maurice Utrillo et de sa mère Suzanne Valadon, la Pinacothèque de Paris propose jusqu’au 15 septembre 2009 une exposition des plus narratives.

Voici en effet une histoire que les grands romanciers du XIXème siècle auraient pu inventer : Suzanne Valadon, née Marie-Clémentine Valade en 1865, fille naturelle d’une blanchisseuse, brièvement acrobate, devient modèle à l’âge de quinze ans, après avoir italianisé son prénom en Maria pour obtenir plus de succès. Elle pose pour Renoir, Degas, Puvis de Chavannes, devient la maîtresse de Toulouse-Lautrec. Elle n’a pas vingt ans lorsqu’elle donne naissance à un fils, Maurice, lui aussi de père inconnu. Mais le sort de modèle ne la comble pas et, très vite, encouragée par Degas, et en autodidacte, elle se met au dessin.

L’exposition montre que la belle brune (un autoportrait à l’encre de chine souligne sa bouche charnue, ses grands yeux et ses cheveux épais) a eu raison de suivre cette voie : dès 1894, sa Fillette nue allongée sur un canapé montre l’efficacité de son coup de crayon, pour tracer magnifiquement ce corps de fillette anguleux et abandonné, mais aussi pour saisir l’ennui et la mélancolie d’un moment d’attente ou de lassitude.

Le fils Maurice, quant à lui, ne tarde guère à attraper les pinceaux : suivant la mode impressionniste, il va à Montmagny dans le Val d’Oise où, en compagnie de son ami Utter, il peint champs et vergers. La végétation dense est fondue en de superbes camaïeux de verts constellés d’orangés automnaux, et, déjà, la peinture est épaisse, tout en matière.

Mais, en 1909, un événement bouleverse la vie et l’oeuvre de la mère et par contre-coup celles du fils : une passion amoureuse naît entre Suzanne et Utter, qui est aussi jeune que Maurice. Tandis que Suzanne Valadon abandonne le dessin traditionnel pour la peinture, Maurice Utrillo, profondément bouleversé par cette relation, se détourne définitivement de la nature pour ne peindre désormais que la ville. Il s’installe dans le quartier populaire de Montmartre et là, boit sans soif ni mesure. Errements éthyliques, éclats sur la voie publique, tentatives de suicide seront suivies d’emprisonnements et d’internements psychiatriques et établiront à jamais une triste notoriété.

Exposition à la Pinacothèque, Valadon Utrillo Pourtant, avant qu’il ne rencontre le succès, en 1914, et se mette alors à peindre "en série" pour acheter sa boisson quotidienne, Utrillo a réalisé de magnifiques paysages urbains (c’est sa période dite "blanche") : ciels blafards, rues grises et désertes, églises de banlieue comme abandonnées, Maurice Utrillo se fait le topographe d’une ville sans couleur ni espoir. Sa peinture, avec ses petites touches en reliefs est d’une superbe matérialité (il n’hésite d’ailleurs pas à utiliser du plâtre pour en garnir ses toiles), mais aussi d’une grande poésie, qui se déploie en particulier dans ses vues urbaines enneigées.

Lorsque la qualité de sa production décline au profit de la quantité, c’est sa mère Suzanne Valadon qui se met à peindre, tous azimuts et en éclatantes couleurs. Ses nus et des natures mortes témoignent d’une extraordinaire vitalité, à l’opposé des perspectives éteintes de son fils.
Du coup, en refermant ce passionnant feuilleton parisien du début du XXème siècle, tout en admirant l’audace de cette femme du peuple devenue artiste par la seule force de sa volonté à une époque où une telle destinée, pour une femme de son rang, n’allait pas de soi, l’on ne peut s’empêcher de penser qu’il ne devait pas être facile d’être fils d’une telle personnalité…

Suzanne Valadon – Maurice Utrillo
Au tournant du siècle à Montmartre. De l’impressionnisme à l’École de Paris Pinacothèque de Paris
28, place de la Madeleine – Paris 8ème
Jusqu’au 15 septembre 2009
TLJ de 10 h 30 à 18 h
Les vendredi 1er mai et mardi 14 juillet 2009, de 14 h à 18 h
Nocturnes jusqu’à 21 h tous les premiers mercredis du mois
Entrée 9 € (TR 7 €)

Image : Maurice Utrillo, Le café de la Tourelle à Montmartre, vers 1911, Huile sur carton, 50×73 cm, Courtesy Jean-Thierry Besins, Monaco © Jean Fabris, 2009 © Adagp, Paris 2009

A Paris, les films primés aux Rencontres de Toulouse

Vil Romance, José Campusano Les 21° Rencontres des Cinémas d’Amérique latine de Toulouse se sont achevées hier.
Dès demain mardi 31, au Nouveau Latina, les Parisiens pourront découvrir en avant-première trois des films primés.

La soirée commence à 20 h, avec le prix Signis du Court-métrage Café Paraiso de Alonso Ruiz Palacios (Mexique, 10 min, 2008). Il sera suivi du Grand Prix Coup de Cœur Impulso de Mateo Herrera (Equateur, 1 h 24, 2009), puis à 22 h, du Prix Découverte de la Critique Française et Rail d’Oc Vil Romance.

Ce dernier film, réalisé par l’Argentin José Campusano, n’a pas laissé les festivaliers indifférents. Il met en scène une histoire d’amour tragique entre le jeune Roberto et Raúl, un homme de trente ans son ainé. Malgré la dureté de Raúl, Roberto s’attache à lui, se sent à l’abri sous son aile. Mais ce lien s’avère de plus en plus dangereux, Roberto révélant sa duplicité et sa violence au fil de cette vie de couple singulière. En même temps, le spectateur découvre la famille et les amis de Roberto, et entrevoit ce qui peut le pousser à s’obstiner dans cette relation d’amour douloureuse.
Vil Romance est un film profondément dérangeant, sur la violence, sur les masques qu’elle prend (le portrait de Raúl est captivant), sur les chaînes qu’elle instaure et le pouvoir – ou non – de les briser. Filmé à la manière d’un documentaire dans un quartier peu amène de Buenos Aires, magnifiquement interprété de toutes parts, ce prix Découverte marque durablement les esprits.

Vil Romance de José Campusano (Argentine, 1 h 43, 2008)
A voir demain mardi 31 mars à 22 h
Précédé, à 20 h, de Café Paraiso et de Impulso
Au Nouveau Latina
20, rue du Temple – Paris 4ème
Tél. 01 42 78 47 86

Tourbillons à Toulouse

Tourbillons, Lais Bodanzky Aux Rencontres des Cinémas d’Amérique latine de Toulouse, entre deux films argentins qui explorent les thématiques récurrentes depuis une dizaine d’années du cinéma argentin (l’homosexualité, la religion, la violence), l’heureuse surprise vient cette année d’un film brésilien, présenté hors compétition dans la section "Panorama".

Tourbillons, dont le titre original « Chega de Saudade » évoque plus directement l’unité de lieu du film – un dancing de São Paulo – aborde pourtant un sujet glissant. Risques de condescendance, d’accumulation des clichés, sans compter celui de tourner en rond. Laís Bodanzky les évite tous avec une solide maîtrise pour nous offrir un film très emballant.

Tourbillons se déroule pratiquement de bout en bout dans un bal d’habitués d’âge mûr que l’on va suivre de son ouverture en début de soirée jusqu’à sa fermeture à minuit. Pendant ces quelques heures denses, la caméra souple et inspirée du Brésilien suit ces hommes et ces femmes, couples légitimes ou de circonstances, amis et amies, célibataires, divorcés, veufs faux et vrais.
Les années ont argenté les tempes et plissé les peaux, mais laissé intact le goût du tango, de la rumba et du cha-cha-cha, l’admiration pour la précision d’un pas, la grâce d’un chaloupé et l’harmonie d’un duo. Les sandales dorées ont toujours le talon haut et fier, les yeux et les bouches leur rimmel pailleté, les hommes leur bagout et leur torse engageant.

Tourbillons à Toulouse Laís Bodanzky ne filme pourtant pas une micro-société vieillissante qui refuserait son âge ou se donnerait l’illusion de revivre sa jeunesse éternellement. Tourbillons ne donne d’ailleurs rien "en spectacle" : il est avec ses personnages, au plus près d’eux, à hauteur d’eux. Il les aime, nous les fait aimer et nous empêche de les juger. Ces hommes et ces femmes acceptent leur âge et le considèrent avec beaucoup de lucidité, ce qui ouvre la porte à l’humour, un humour parfois doux-amer, parfois même cruel.
Et si tous sont des fous de danse, c’est la vie qu’ils viennent chercher avant tout à la Chega de Saudade. A un moment donné, deux femmes se crêpent le chignon au sujet d’un homme qui est le mari de l’une et l’amant de l’autre. La première dit à la seconde : "Tu ne sais pas ce que c’est que l’amour !". Et l’amante de répondre : "Moi, ce qui m’intéresse, c’est de me sentir vivante !".

De vie, le dancing n’en manque pas. Il est le lieu où se se retrouvent les peurs et les doutes, l’âge, la mort, la jalousie, l’abandon ; mais aussi ce qui peut en sauver, au moins pour un temps, l’amour, l’amitié, la fidélité, la confiance, la dignité.
Laís Bodanzky caresse les drames, surprend les instants de mélancolie, de sensualité et de colère sans détour mais avec délicatesse, et nous donne le plaisir de voir exister des personnages magnifiques, de leur laisser nous apprendre des choses sur eux-mêmes, sur nous-mêmes et sur la vie, quelque chose de gai et d’un peu douloureux, mais qui vaut le coup d’être dansé, en gardant sa souplesse, son rythme et sa superbe.

Tourbillons / Chega de Saudade
De Laís Bodanzky
Brésil – 2007 – 1h35
Scénario : Luis Bolognesi
Interprétation : Tonia Carrero, Leonardo Villar, Cassia Kiss, Betty Faria, …
Distribution : Arte cinéma

Le site du film

Le palmarès des 21° Rencontres des Cinémas d’Amérique latine de Toulouse qui s’achèvent aujourd’hui