Non classé – Page 17 – mag elle aime

Le premier venu. Jacques Doillon

Le premier venu, Jacques Doillon Costa, garçon vif et inquiet, débarque du train à Abbeville ; Camille, déterminée et énigmatique ne le lâche pas. Bientôt Cyril, jeune flic souriant et tranquille complètera le trio.

Pourquoi Camille s’obstine-t-elle à coller Costa, ce voyou de petit calibre qui lui a visiblement fait du mal pendant la nuit ? Un viol ou quelque chose qui y ressemble, en tout cas qui mérite des excuses. Elles viennent. Mais cela ne suffit pas. Camille veut aimer ce "premier venu"‘. Et pour l’aimer, il faut qu’il soit "beau" ; sinon elle n’est qu’une pauvre fille. Rendre beau ce gars un peu minable : la jeune femme ne manque pas d’ambition. Mais il faut dire qu’il y a matière à rédemption : Costa a abandonné depuis belle lurette sa femme et leur petite fille. Le rétablissement du lien sera donc le cheval de bataille de Camille.

Variations et multiples reflets des sentiments, mouvement incessant de l’adolescence, lumière fine des paysages maritimes du Nord, ce film porte la grâce infinie de la caméra de Jacques Doillon.
Ses dialogues, dignes d’un travail de haute-couture, ont dans la bouche des personnages, y compris ceux des milieux populaires et à l’accent du Nord bien marqué, un naturel confondant.
Ils sont incarnés à la perfection, avec Gérald Thomassin, que le réalisateur retrouve plus de quinze ans après Le petit criminel ; Clémentine Beaugrand, révélation ultra-convaincante ; mais aussi Guillaume Saurrel (le flic amoureux), Gwendoline Godquin (Gwendoline), Jany Garachana (le père)…

Et, cerise sur le gâteau, plus le film avance, plus il adopte le ton de la comédie. L’on se surprend à rire – d’abord discrètement en se demandant si l’on ne commet pas une faute de goût – puis de plus en plus franchement. Qu’il est beau, léger et élégant, ce cinéma-là.

Le premier venu. Jacques Doillon
Avec Gérald Thomassin, Clémentine Beaugrand, Guillaume Saurrel, Gwendoline Godquin, Jany Garachana, François Damiens…
Durée 2 h

A bord du Darjeeling Limited. Wes Anderson

A bord du Darjeeling Limited, Wes Anderson Le Darjeeling Limited est le vieux train bleu turquoise qui emmène trois frangins pour un périple initiatique à travers l’Inde.

L’idée vient de Francis, l’aîné, joué par Owen Wilson, belle gueule cabossée après un accident de voiture : il veut ressouder les liens de la fratrie, un peu distendus depuis le décès de leur père et surtout retrouver la mère devenue nonne dans un orphelinat himalayen.

Les cadets n’ont qu’à suivre : Jack (Jason Schwartzman, également co-scénariste avec un autre bon copain, Roman Coppola), cabossé lui aussi, mais de l’intérieur, après sa rupture avec sa fiancée magnifique et un rien vénéneuse (Natalie Portman, donc tout à fait magnifique) et Peter (Adrien Brody, le beau Pianiste de Roman Polanski, grand brun efflanqué aux yeux verts en amande) qui ne se dépêtre pas du deuil du papa (signe extérieur : les lunettes à la vue dudit paternel toujours sur le front).
Ces trois là, plus leurs névroses, plus le passé familial, plus leurs encombrants bagages orange, plus leurs pilules plus leurs cigarettes, et même un serpent : cela fait beaucoup dans un seul compartiment…

Tant mieux, car c’est chouette comme tout ; loufoque et potache juste ce qu’il faut. Le comique pince-sans-rire de nos apprentis-spirituels est irrésistible et les douleurs qu’il révèle autant qu’il les cache très attachantes.
Tout le monde ne montera pas à bord du Darjeeling Limited, certains se méfieront du côté "luxe" du road-movie. Les autres se laisseront embarquer avec ravissement face à tant de sympathie et de bonne volonté envers et contre tout, et se laisseront peut-être émouvoir par cette histoire de trois grands gamins qui au bout de l’Inde finissent par devenir grands.

A bord du Darjeeling Limited. Wes Anderson
Avec Owen Wilson, Adrien Brody, Jason Schwartzman, Natalie Portman…
Durée 1 h 47

Dans la vie. Philippe Faucon

Dans la vie, Philippe Faucon Cela aurait pu être l’histoire de deux familles, l’une juive, l’autre arabe, hostiles l’une à l’autre ou simplement indifférentes. Parce qu‘"ils n’ont pas la même religion, parce qu’ils ne mangent pas comme nous, parce qu’eux et nous n’avons rien en commun" comme le dit au début du film Halima, la mère musulmane de l’infirmière employée chez Esther, une dame juive devenue handicapée.

Le fils d’Esther, neuropsychiatre, est dépassé. Sa mère qui a encore toute sa tête ne supporte pas d’être clouée dans un fauteuil, ne supporte plus ces dames des compagnie qui se succèdent. Elle préfèrerait mourir, elle aimerait la paix.

La jeune infirmière propose l’aide de sa mère Halima, qui d’abord repousse l’idée, puis l’accepte, puis la fait accepter par son mari, puis l’impose au reste de la famille. Puis, enfin, lève haut le front face au voisinage, à la communauté musulmane, dont il se trouve toujours un membre pour lui demander si elle n’a pas honte de travailler pour une juive, de gagner chez elle l’argent de son pèlerinage à la Mecque.

Alors l’histoire devient celle de deux femmes, deux femmes nées sous le même soleil d’Algérie, qui ont ensuite continué leur vie et élevé leurs enfants à Toulon, chacune dans leurs traditions et leur religion.
Toutes deux découvrent cette autre, que l’on croyait trop Autre pour la fréquenter ; toutes deux échangent des souvenirs, deviennent complices, finalement se mettent à s’aimer.

Dans la vie est un film un peu lent, calme comme l’est le débit des protagonistes. Sur fond de tensions communautaires, Philippe Faucon ne propose pas une vision angélique mais donne voix à deux mères que l’expérience a assagies, qui en viennent à considérer davantage ce qui les unit que ce qui les divise.
Le réalisateur a l’ambition discrète. Il n’assène pas, mais en peu de phrases et quelques scènes, il offre un regard qui sonne juste, équilibré et touchant.

Dans la vie. Philippe Faucon
Avec Sabrina Ben Abdallah, Ariane Jacquot, Zohra Mouffok…
Durée 1 h 13

Les 20èmes Rencontres cinémas d'Amérique Latine de Toulouse

Les 20èmes rencontres cinémas d'Amérique Latine de Toulouse Depuis vingt ans désormais, les Rencontres invitent le public à la découverte de la création cinématographique contemporaine, mais aussi à revisiter le patrimoine de l’Amérique Latine à travers les grands réalisateurs qui ont marqué le siècle dernier.

Ouverture de la manifestation ce soir à la Cinémathèque de Toulouse avec la projection en avant-première de Maré, nossa historia de amor de Lúcia Murat (Brésil, 2007).
A signaler, parmi la large programmation qui s’étendra jusqu’au jusqu’au 6 avril :
– dimanche 30 mars, Limite (Brésil, 1931), film muet de Mário Peixoto, plongée dans les fantasmes et angoisses de trois jeunes gens à la dérive au milieu de l’océan. Sa restauration n’aurait pas été possible sans le travail d’archivistes obstinés et l’implication de Walter Salles (le réalisateur de Carnets de voyage), permettant ainsi sa projection en mai dernier lors du 60ème Festival de Cannes.
– jeudi 3 avril, A pedra do reino de Luis Fernando de Carvalho (Brésil, 2007), film fleuve de 3 h 48 qui raconte les mémoires familiales du vieux clown Quaderna. Petit événement technologique aussi puisqu’il s’agira de la 1ère projection en HD numérique de la ville rose…

Le 5 avril, sept prix seront décernés, dont le Grand Prix Coup de Coeur ; sélection de sept longs-métrages dans laquelle le public toulousain choisira également "son" film avec le Prix du Public Intramuros.

Et comme chaque année depuis 7 ans à Toulouse, mais aussi au Festival International de Donostia-San Sébastian, Cinéma en construction réunira des professionnels pour désigner le projet cinématographique en cours qui recevra une aide pour sa finalisation.
Lors du dernier Festival de Cannes, six films issus de Cinéma en construction étaient ainsi présents dans différentes sections, dont El bano del Papa de Enrique Fernández et César Charlone, en ce moment à l’affiche, El Asaltante de Pablo Fendrik (présenté en avant-première mercredi 2 avril), ou encore Párpados azules de Ernesto Contreras.

Programme complet, sélections et ensemble des manifestations :
20èmes Rencontres cinémas d’Amérique Latine de Toulouse

Et sur les 19èmes Rencontres :
billet du 15 mars 2007
Voir aussi le palmarès

L'Heure d'été. Olivier Assayas

L'Heure d'été, Olivier Assayas Ils sont presque riches, jeunes et beaux ; heureux de se retrouver dans la propriété familiale pour fêter les 75 ans de leur mère Hélène.
Avant de repartir très vite pour Pékin, New-York ou Paris.

Le regard d’Hélène – interprétée de façon impressionnante par Edith Scob -, énergique et rêveur, ne s’anime réellement que lorsqu’il s’agit d’évoquer l’oeuvre de son oncle, peintre et collectionneur dont elle a à coeur de perpétuer la mémoire.

Son seul souci désormais : préparer Frédéric, son fils aîné – le seul resté en France, joué par Charles Berling – au règlement de sa succession, avec le désir d’éviter qu’après elle "les choses ne pèsent trop lourd".

Fin du premier tableau. Hélène s’éteint. Ouverture du deuxième : la succession. D’abord, le caveau, la pierre tombale. Puis les souvenirs et les secrets, qui n’ont pas tous "disparus avec elle", contrairement à ce qu’elle avait prédit à son fils.
Et enfin : les choses, les "résidus", ainsi qu’elle les avait nommés au cours de la même conversation, superbe monologue en réalité, qui contenait presque tout le film.

Lucidité de la mère qui a prévu ce que son fils aîné ne voulait voir. Les chemins pris par sa soeur et son frère – Chine, Etats-Unis – le mettront face à la réalité. Ces résidus ne seront pas gardés par la fratrie, pour être ensuite transmis à ses propres enfants : ils seront vendus ou remis à Orsay.

Olivier Assayas traite avec une grâce et une finesse infinies ces sujets qui ne supportent que la délicatesse. Pas de thèse mais une approche subtile des questions de la transmission (dont il apparaît que l’aspect matériel n’est qu’une forme), de la mémoire, de son poids et de sa nécessité. Rien n’est tranché ni souligné et tous les personnages, les trois enfants mais aussi les petits-enfants et la servante de la défunte sont convaincants dans les différentes façons dont chacun aborde la mort, l’après d’un proche.

Grâce à la manière de filmer d’Olivier Assayas, fluide et toujours un peu froide, L’Heure d’été ne suscite jamais le débordement d’émotion mais s’adresse au spectateur dans un murmure qui suffit à le toucher.

L’Heure d’été. Olivier Assayas
Avec Juliette Binoche, Charles Berling, Jérémie Renier, Edith Scob,
Dominique Reymond, Valérie Bonneton, Isabelle Sadoyan…
Durée 1 h 40

Paris. Cédric Klapisch

Cédric Klapisch, Paris Tout ça pour ça ! Tant de promo, tant d’attente devant les cinémas, tant de salles combles… et finalement ça : un film à vrai dire indigent.

Pourquoi écrire un scénario alors que l’on peut se contenter de l’ébaucher et d’enchaîner des bouts de scènes ; pourquoi créer des personnages alors qu’il suffit de les esquisser et de recruter de bons comédiens ; pourquoi chercher un point de vue alors qu’il n’y a qu’à filmer ce que l’on a sous les yeux ?

A partir de là, pour combler ce néant, Cédric Klapisch se croit autorisé à tout : enlaidir Juliette Binoche (sans doute pour qu’elle fasse plus "assistante sociale") ; multiplier les cartes postales (la collection semble complète) ; répéter la même scène (celle de Karine Viard en boulangère peut être amusante la première fois, mais ensuite on a compris) ; en étirer une autre à l’envie (la soirée dansante paraît interminable).

Le cinéaste ne recule ni devant le grotesque (les bourgeoises qui s’encanaillent à Rungis) ; ni le bébête (ce pauvre Camerounais dont Klapisch ne sait absolument pas quoi faire) ; le cliché total (le prof de fac joué par Luchini qui tombe amoureux de l’une de ses étudiantes) ; etc, etc.

On peut éventuellement penser à Lelouch dans ses mauvaises passes ; c’est dans tous les cas vain et paresseux et ne mérite pas d’être vu.
Beaucoup de bons films par ailleurs en ce moment ; alors hop, on peut faire l’impasse sur Paris et courir direct au suivant !

Paris
Un film français de Cédric Klapisch
Avec Juliette Binoche, Romain Duris, Fabrice Luchini, Albert Dupontel, François Cluzet, Karin Viard, Gilles Lellouche, Mélanie Laurent, Zinedine Soualem, Julie Ferrier, Maurice Bénichou
Durée 2 h 10

La famille Savage. Tamara Jenkins

La famille Savage de Tamara Jenkins Les grands enfants doivent-ils s’occuper de leur vieux père, alors que celui-ci les a abandonnés très tôt sans jamais leur donner le moindre amour ?
Wendy et Jon, la quarantaine, ne se posent pas cette question. Ils courent au chevet de leur emmerdeur de père devenu dément et cherchent illico l’endroit où il finira ses jours. Wendy aimerait une résidence de retraite belle et verdoyante, Jon, pragmatique, opte pour la proximité. Car ils vont le visiter, leur paternel, tous les jours ; et aussi essayer d’égayer cette chambre qui fait culpabiliser Wendy. Bref, ils s’en occupent.

Le sujet ne fait pas rêver ; il dérange même, fondamentalement désagréable. Il n’empêche que le résultat est très réussi. Jamais le film ne tombe dans le sinistre, encore moins dans le pathos.
Les trois personnages, qui sont davantage des individus égarés que partie de ce doux idéal qu’est une famille unie, sont extrêmement bien dessinés. La gravité de leurs états d’âme passe par des regards, des phrases banales, des rudoiements.
Laura Linney et Philip Seymour Hoffman interprètent à la perfection cette soeur et ce frère qui font ce qu’ils peuvent vis-à-vis de ce père comme ils font ce qu’ils peuvent de leur vie. Lui, prof de "théâtre contestataire" à la fac essaie de finir son livre sur Brecht. Elle, vit de petits boulots en attendant de voir l’une de ses pièces montée. Et côté affectif, le bât blesse ; ni l’un ni l’autre n’a fondé de famille.
Mais à l’occasion de l’accompagnement du père vers sa fin, puis dans le deuil de cette lourde figure, leur relation, d’une très belle demi-teinte, va évoluer, tout comme leur vie respective.
Mâtiné d’un humour très new-yorkais, donc irrésistible, La famille Savage touche avec délicatesse et surtout sonne très juste.

La famille Savage
Un film américain de Tamara Jenkins
Avec Laura Linney, Philip Seymour Hoffman, Philip Bosco
Durée 1 h 53
La famille Savage a fait l’objet de trois nominations aux Oscars : Laura Linney pour la meilleure actrice, Philip Seymour Hoffman pour le meilleur second rôle et Tamara Jenkins pour le meilleur scénario original.

La Semaine du documentaire chilien à Paris

Patricio Guzman, Le cas Pinochet La Semaine du documentaire chilien s’est ouverte mardi 19 février avec Actores secundarios, un flash-back plein de vie et passionnant sur les révoltes lycéennes pendant la dictature (de Pachi Bustos et Jorge Leiva).
Elle se poursuit jusqu’au 26 février, au cinéma Le Latina, rue du Temple dans le 4ème arrondissement à Paris.

La sélection de cette deuxième édition a été confiée au réalisateur Patricio Guzmán, réunissant douze films sous le thème Documentaire, dictature, démocratie.

Ce soir à 19 h, temps fort de la manifestation avec la projection du Cas Pinochet, sur l’arrestation du dictateur chilien, en présence de son réalisateur Patricio Guzmán. Le Cas Pinochet sera également projeté demain vendredi 22 à 14 h.

Né en 1941 à Santiago du Chili, Patricio Guzmán est l’auteur de nombreux documentaires sur l’histoire du Chili, régulièrement récompensés.
Après le coup d’Etat, en 1973, il a quitté son pays pour Cuba puis l’Espagne, avant de s’installer à Paris. La Bataille du Chili (1973), trilogie de cinq heures sur la fin du gouvernement de Salvador Allende a remporté six grands prix en Europe et en Amérique latine. Salvador Allende (2004), a été sélectionné au festival de Cannes 2004 et a reçu le Prix Goya du meilleur documentaire.

La fille de Patricio Guzmán, Camila Guzmán Urzúa, de son côté, a réalisé le très beau Rideau de sucre (El telón de azúcar, 2007), documentaire très personnel sur Cuba, où elle a passé son enfance avec sa mère.

La Semaine du documentaire chilien à Paris se clôturera mardi prochain avec Cofralandes, rapsodia chilena de Raúl Ruiz (2002), puis Perspecplejia (contraction de trois mots signifiant personne, perspective et paraplégie en espagnol), documentaire sur les handicapés, dans lequel son réalisateur David Albala, lui-même paraplégique, découvre une façon d’accepter et de vaincre ses limites, le tout filmé avec, paraît-il sincérité, spontanéité et … une bonne dose d’humour.

Le documentaire chilien à Paris
Du 19 février au 26 février 2008
Le Latina
20 rue du Temple – Paris 4ème
M° Hôtel de Ville, Rambuteau
Entrée 8 €, TR 6,50 €, abonnement pour 5 entrées (valable toute l’année) 28 €

Capitaine Achab. Philippe Ramos

Capitaine Achab, Philippe Ramos Ce très beau film tient à la fois du roman et de l’exposition de tableaux.
D’une oeuvre romanesque, il a la puissance d’imagination, de la peinture il restitue le travail de composition, le jeu des lumières et la finesse des couleurs.
C’est l’enfance du héros de Moby Dick que le cinéaste a choisi d’inventer. Le roman de Melville ne sert que de point d’ancrage, autour duquel Philippe Ramos vient situer sa propre histoire.

Au rythme de cinq chapitres, d’une façon littéraire et délicate, cinq voix aux tonalités différentes évoquent Achab. Trois – son père, sa tante Rose puis le prêtre Mulligan – tracent le parcours et le portrait du petit Achab : caractère trempé, regard sombre et profond, visage obstiné, intériorité riche et volontaire. Deux autres racontent l’après Moby Dick, lorsque Achab, alors "le plus féroce et le plus sanguinaire" des capitaines de baleiniers, est devenu un mythe après avoir rencontré la grande baleine blanche.

Tout se tient dans cette superbe fresque : la figure du père, dur au coeur blessé, l’indépendance et le goût de la liberté de l’enfant "sauvage", le passion pour l’océan où l’on s’enfonce comme dans la forêt, la fidélité à ses amours et à ses rêves.

Philippe Ramos déroule lentement mais sûrement son oeuvre singulière et soignée, que l’on sent très assumée dans ses choix. Ses comédiens, essentiellement venus du théâtre (mais pas seulement, car l’on voit au passage un Philippe Katerine tout aussi parfait que ses partenaires), sont tous d’une présence et d’une justesse incroyables.
Les voix off confèrent à l’inspiration romanesque la force du conte et soulignent chez le cinéaste un art de l’ellipse parfaitement maîtrisé ; le décor, parfois très bucolique, enchante et rafraîchit…
L’on n’ira pas voir Capitaine Achab pour l’action, pour un face-à-face avec Moby Dick ; mais pour se laisser porter par son souffle, admirer ses scènes picturales, et s’émerveiller de la poésie qui l’habite de bout en bout.

Capitaine Achab de Philippe Ramos
Avec Denis Lavant, Jacques Bonnaffé, Bernard Blancan, Jean-François Stévenin, Virgil Leclaire, Philippe Katerine, Dominique Blanc, Carlo Brandt…
Durée 1 h 40
Distribution Sophie Dulac Distribution

Prix de la mise en scène et Prix Fipresci (presse internationale) au Festival de Locarno 2007

No country for old men. Joel et Ethan Coen

No country for old men, frères Coen De Non, ce pays n’est pas pour le vieil homme, effroyable roman de Cormac McCarthy revenu pour l’occasion à son titre original No country for old men, les frères Coen ont fait un film magistral.
Tirant de l’histoire sa substantifique moelle, leur film est aussi sec que les déserts du Texas où elle se déroule.

Trafic de drogue qui tourne mal, gros sous qui tombent dans les mains du premier chasseur d’antilopes qui passe par là – lequel, soudain, se verrait bien retraité à trente ans avec sa belle, … le règlement de comptes ne fait que commencer.

Mais les lignes se brouillent avec un grand cinglé, non pas de la gâchette comme le tout venant du narcotrafiquant, mais de la bonbonne à oxygène, qui tue net, en silence et sans bavure.
Sauf que si l’on peut tuer sans balle, perforer un crâne fait toujours couler du sang. Même dans le monde sans âme du glaçant Anton Chigurh. Alors dans ce pays qui n’est vraiment plus pour le vieil homme, l’on voit le sang couler en un flot calme et inéluctable, à l’image de la flaque d’hémoglobine que Chigurh évite en soulevant délicatement ses bottes après avoir réglé son compte à Carson Wells.

L’on assiste à ce carnage que rien ne semble pouvoir arrêter, endossant l’impuissance de Bell, le chérif de l’ancien temps.
Tommy Lee Jones l’interprète à merveille, sobre et émouvant, débarrassé de la couche de "gras existentiel" un peu collante dont l’avait tartiné Cormac McCarthy. L’épure des frères Coen est admirable, qui se contentent de souligner avec subtilité la perplexité et la douleur du vieux chérif face à l’absurdité d’une telle violence.

Quant au personnage d’Anton Chigurh, sous la coiffure, disons, juvénile, dont Javier Bardem se trouve affublé, il est encore plus effrayant que dans le roman. Les gestes lents mais implacables d’une machine à tuer, la conversation et l’esprit d’un humain, qui le rendraient presque raffiné, et, pire encore, un air parfois enfantin, il obéit à une logique qui nous échappe, qui est autre, qui n’est pas de ce vieux monde.
Même le jeu de mot de Sugar pour Chigurh, même l’humour noir des frères Coen ont du mal à nous faire déserrer la mâchoire…

No country for old men. Joel et Ethan Coen
Avec Tommy Lee Jones, Javier Bardem, Josh Brolin, Kelly MacDonald
Durée 2 h 03