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Fresque de l'histoire politique italienne des années 1910 aux années 1930, Vincere montre l'ascension de Benito Mussolini, jeune homme socialiste et pacifiste de la région de Trente, bien vite devenu belliciste et fasciste. Galvanisant les foules, son charisme mais aussi sa volonté et son opportunisme le mèneront au faîte du pouvoir. Dans l'ombre de cette victoire éclatante, drame pour l'Italie et pour l'Europe, se déroule durant ces mêmes décennies une autre tragédie : celle d'Ida Dalser, jeune femme aussi belle qu'intelligente, folle amoureuse du futur maître de Rome et qui pour lui sacrifia tout, sa fortune, sa vie, son fils.

Si au départ Mussolini est lui aussi des plus passionnés (avec une attraction charnelle très forte), dès le déclenchement de la guerre de 1914, alors qu'Ida est enceinte, il la raye de sa vie et ne veut plus en entendre parler. En 1915, le petit Benito Albino naît, mais Mussolini avait déjà une fille et c'est avec la mère de celle-ci qu'il mènera sa vie conjugale et aura d'autres enfants.
Ida est encore très jeune quand le Duce l'abandonne, mais jamais elle ne détournera les yeux vers un autre homme ; elle aime aveuglément son héros et estime avoir seule sa place auprès de lui. Elle se battra, écrira à toutes les autorités du pays, agira de façon inconsidérée ; elle n'essuiera que brimades, humiliations, jusqu'à l'enfermement psychiatriques, d'elle-même d'abord puis de son fils. Tous deux y mourront, dans la souffrance et l'oubli.

Autant l'histoire est affreuse, autant Marco Bellocchio la filme de façon brillantissime. Comme si rien n'était trop beau, ni de trop, il a toutes les audaces. Il y a de l'opéra, du théâtre, et une musique incroyable (signée Carlo Crivelli) ; des trouvailles à chaque plan, une modulation du rythme, un souffle qui tient jusqu'au bout. Bellocchio convoque la peinture (terrifiante inauguration par le Duce de l'exposition Futuriste en 1917) et surtout le cinéma, au service de la grande Histoire (avec les images d'archives du triomphe du fascisme), mais aussi de l'histoire d'Ida (scène poignante où elle découvre le Kid de Charlie Chaplin au début des années 1920).
Du destin sordide d'Ida Dalser, il fait une tragédie magnifique, la montrant en héroïne sans cesse inspirée et refusant toujours la pitié. Remarquablement dirigée et douée, Giovanna Mezzogiorno tient son rôle au cordeau de bout en bout. Le cinéaste met en scène l'ascension du dictateur en faisant jouer Filippo Tim d'abord, puis par la seule puissance d'images d'archives savamment montées, et enfin (sacrée idée), par le truchement du fils Benito Albino imitant son père (joué par le même Filippo Tim). En parallèle, il dénonce avec non moins d'efficacité et d'inventions l'horreur des institutions psychiatriques de l'époque et la doucereuse complicité de l'Eglise. Mais il sait aussi créer des moments d'une poésie folle, comme cette scène inoubliable où, accrochée aux hautes grilles de l'hôpital, Ida regarde la neige tomber comme sont tombées ses lettres jetées au ciel avec toute la foi et la rage de son amour.

Vincere
Un drame de Marco Bellocchio
Avec Giovanna Mezzogiorno, Filippo Timi, Fausto Russo Alesi
Durée 1 h 58

La réalisation est superbe ; elle mérite peut-être à elle seule la Palme d'Or descernée à Michael Haneke au 62ème Festival de Cannes.
Tourné à l'origine en couleurs afin d'imprimer à la pellicule toutes les sensibilités de la lumière, le film a été ensuite longuement travaillé pour obtenir une photo au noir et blanc très délicat, qui restitue la splendeur tristes des paysages ruraux du nord de l'Allemagne.
Les comédiens ont été soigneusement choisis - surtout les enfants - en fonction notamment de leurs traits, pour qu'ils soient crédibles dans le temps du film - 1913. Ces jeunes visages qui pourraient bien avoir un siècle contribuent à l'incarnation époustouflante des personnages, dirigés avec une grande maîtrise par le réalisateur autrichien. La mise en scène, le montage, fluides et rapides, ne se voient pas à force de science de l'art, tout comme la durée du film, bâti sur un scénario solide et délicieusement égarant. Il démarre très vite, avec une succession d'étranges événements survenant dans cette communauté paysanne de Prusse construite autour du pasteur, de l'instituteur, du médecin, de l'aristocrate propriétaire du domaine et de son régisseur. Le médecin est victime d'un "accident" de cheval provoqué par un câble, le fils du baron est brutalisé, un nourrisson exposé au froid glacial... La criminalité se déploie, insidieusement, imprévisible, jamais résolue, à peine regardée en face, de plus en plus cruelle. Alors même que sous la haute autorité morale des institutions et des pères en général, du pasteur en particulier, une éducation stricte est donnée aux enfants, celui-ci allant jusqu'à attacher aux bras de sa progéniture un ruban blanc censé lui rappeler l'impératif de pureté et d'innocence. Innocence, tout est dit ou presque puisque Haneke distille au contraire la thèse de la culpabilité des enfants... Culpabilité qui renverrait à celle, vingt ans après, de la génération qui a mis les Nazis au pouvoir. Cette éducation protestante rigoriste et la violence qu'elle contient auraient engendré des adultes capables du pire.
Est-si simple ? On touche là à la faiblesse du film : son fond. Car au delà des limites de la thèse historique contestable, le film est en tout état de cause totalement monolithique. Si l'on est intimement convaincu des ravages d'un dressage brutal et sclérosant infligé aux enfants, le propos perd de sa force lorsqu'il utilise toujours les mêmes arguments et illustrations. Ne disant qu'une chose, le film tourne sur lui-même et finit par tourner un peu à vide.
Malgré ce manque de nuances, Le ruban blanc reste un magnifique objet cinématographique et réserve même quelques passages émouvants, comme celui où un petit orphelin interroge sa grande sœur et finit par comprendre de la bouche de son aînée si tendre et aimante, mais franche face à ses questions, ce qu'est la mort. Certainement le plus beau moment du film, sur un immense fond noir.

Le ruban blanc (Das Weiße Band - Eine deutsche Kindergeschichte)
Un drame de Michael Haneke
Avec Christian Friedel, Ernst Jacobi, Leonie Benesch...
Durée : 2 h 24 min

C'est une œuvre sombre, dans laquelle Christophe Honoré, après trois films « parisiens » très séduisants, fait un détour par la Bretagne pour aborder avec une force inouïe les difficultés d'existence d'une jeune femme d'aujourd'hui.

Léna, interprétée par une Chiara Mastroianni enfin placée au centre de la pellicule, mère de deux jeunes enfants et séparée de leur père, vient passer quelques jours de vacances dans la maison familiale. L'y attendent mère, père, frère et sœur, bref toute sa tribu qui l'adore, mais qui en même temps lui en demande beaucoup, la juge, lui fait la morale et l'étouffe. Cerise sur le gâteau, sa chère mère, pensant savoir mieux que sa fille ce qui est bon pour elle et ses enfants, n'a pas trouvé meilleure idée que d'inviter en même temps l'ex-compagnon de Léna.

Léna se heurte à l'incompréhension de tous, à leurs excellentes intentions, mais qui sont, au fond, non dénuées d'une certaine perversité. Au départ elle résiste, renvoie chacun dans ses cordes, avant de vaciller peu à peu.
Surgit alors un conte breton du XIXème siècle, scène de noces dont l'héroïne épuise ses cavaliers jusqu'à trépas, les uns après les autres. A la fin de cette séquence littéraire audacieuse, très noire malgré costumes et musiques, l'on quitte définitivement la Bretagne pour basculer dans la seconde partie du film. Elle se déroule entièrement à Paris, dans la grisaille ou la nuit. Léna y est confrontée à d'autres obstacles, le quotidien avec ses enfants, une patronne très dure vis-à-vis de la mère célibataire qu'elle est, un amoureux trop jeune, un ex-compagnon trop « vieux ». La famille continue de graviter autour d'elle ; la sœur si puissante s'effondre ; la reine-mère avoue des renoncements passés...
A travers le personnage de Léna, le regard de Christophe Honoré sans concession sur notre société dite moderne met à cru les difficultés des femmes devant l'impérieuse nécessité d'être - entre autres - de « bonnes mères ». Si Léna donne l'impression d'en être une, proche et à l'écoute de ses enfants, on la voit rongée petit à petit par le doute sous les coups de boutoir extérieurs.
Etre mère, fille, sœur, compagne, et bonne employée : comment être tout cela à la fois, comment répondre à toutes les attentes, et, au milieu de ce maelström, où et comment placer sa liberté ? Cruelle question que Christophe Honoré pose magistralement, via une Chiara Mastroianni surprenante à chaque plan, magnifique, bouleversante.

Non ma fille tu n'iras pas danser
Un film de Christophe Honoré
Avec Chiara Mastroianni, Marina Foïs, Marie-Christine Barrault, Jean-Marc Barr,
Fred Ulysse, Julien Honoré
Durée : 1 h 45 mn

S'il est un petit bonheur qui réconcilie avec la Capitale à la rentrée, c'est bien la possibilité d'aller au cinéma voir les films qu'on a loupés au moment de leur sortie.

On peut ainsi découvrir encore Etreintes brisées (quel titre, et qui illustre tellement bien le film !), le dernier film de Pedro Almodóvar présenté à Cannes cette année et, étrangement, revenu bredouille.

Le cinéaste espagnol livre ici une œuvre très personnelle, concentrée, malgré la profusion d'histoires qu'elle contient, sur ses thèmes fétiches, sur le cinéma et sur son cinéma.
C'est avant tout un film d'amour, et même plutôt d'amours : amours-amoureuses, amour-amitié, amour-filial, amour-possession aussi.

Ernesto, un homme d'affaires richissime s'éprend de Lena, sa secrétaire, qui accepte d'en devenir la maîtresse afin d'offrir une fin de vie digne à son père gravement malade. Devenue sa compagne officielle, désireuse de devenir actrice, elle rencontre le cinéaste Mateo Blanco ; ils tournent un film ensemble et tombent éperdument amoureux. Aux prises avec la jalousie et la surveillance d'Ernesto - via son fils -, Lena et Mateo s'enfuient loin de Madrid, jusqu'à ce qu'un accident de voiture tue Lena et laisse Mateo aveugle. Quinze ans après, à la mort d'Ernesto, son fils vient réveiller ce passé en déclarant vouloir faire un film avec Mateo devenu scénariste.

En réalité, Etreintes brisées ne peut se résumer, tant au delà de ces grandes lignes se déploient une multitudes de "branches", toutes abouties. Almodóvar y développe ses obsessions : les secrets longtemps enfouis sous le silence ; la sexualité ; l'homosexualité ; les liens mère/fille et père/fils ; la force des femmes ; la maladie, les accidents, la mort.
Il dépeint de façon toujours aussi poignante les relations humaines dans ce qu'elles ont d'entier et de douloureux, mais encore la difficulté de ceux qui veulent vivre leur désir jusqu'au bout.
Si les personnages admirables sont comme à l'accoutumée les femmes (magnifiquement incarnées par "ses" comédiennes, Penélope Cruz, d'une présence folle, mais aussi Blanca Portillo que l'on avait vue dans le sublime Volver), il créé ici une relation père/fils positive et très touchante. Ce n'est pas le seul moment bouleversant, loin de là ; bien souvent, sans qu'il s'y attende, une intense émotion vient saisir le spectateur, parfois furtivement - comme devant un simple regard par exemple.

Il y a aussi bien sûr, et elle embrasse tout le film, une forme de déclaration d'amour au cinéma, où Almodóvar convoque par citations directes ou indirectes ses maîtres, mais également son propre cinéma (avec la savoureuse scène du gaspacho aux somnifères de Femmes au bord de la crise de nerfs). Davantage qu'un hommage formel, ces références apparaissent comme l'expression d'une gratitude de la part d'un cinéaste devenu "grand" à son tour.
A la fin, la réplique de l'ancien réalisateur devenu scénariste "Il faut toujours finir un film... même en aveugle" tient à la fois de la signature, de l'inquiétude et de la foi du créateur. A l'image de ce dernier film, elle rend Pedro Almodóvar plus proche, plus humain, comme si une confiance, voire une complicité, s'étaient instaurées avec son public. Celles-ci sont peut-être bien plus importantes que n'importe quel "prix".

Etreintes brisées
(Los Abrazos rotos)
Un drame de Pedro Almodóvar
Avec Penélope Cruz, Blanca Portillo, Lluis Homar...
Durée : 2 h 9 mn

Adapté du très beau roman de Pascal Quignard, Villa Amalia est l'histoire d'une jeune femme qui, après avoir aperçu derrière les grilles et les feuillages d'un jardin l'homme de sa vie embrasser une autre femme, décide "d'éteindre sa vie".
Mourir ? Non, tout au contraire, il s'agit plutôt d'une renaissance. Un effacement, une disparition, pour partir et faire autre chose. Ou, plus simplement, pour "être".
Dans une scène de la première partie du film, celle où Ann organise minutieusement, presque scientifiquement son "extinction", elle demande à son compagnon de quitter le domicile conjugal sur le champ. Celui-ci lui dit que ce n'est pas possible, qu'il ne peut pas partir comme ça du jour au lendemain. Ann lui répond : "Si, tu dois t'en aller ; l'appartement est à moi. Et d'ailleurs, ma vie aussi m'appartient".
Il y a chez Ann le désir impérieux, irrésistible de se dessaisir de tout ce qu'elle a construit, de le raser, pour ne poursuivre qu'avec elle-même. Juste avec son corps, pourrait-on dire. De ses vêtements, elle se dépouille progressivement au fil du voyage qui la mènera vers la Villa Amalia, une petite bâtisse perchée sur une île du sud de l'Italie. Ses cheveux, elle les écourte sans hésitation. Quant à l'intérieur de sa tête, nul ne sait ce qui s'y passe. L'une des réussites de Benoît Jacquot est d'ailleurs d'avoir respecté l'absence de psychologie du roman de Quignard. Comme l'auteur de Tous les matins du monde, il se contente de suivre et montrer son personnage au plus près.
Isabelle Huppert semble ici au delà de toutes les déclinaisons du jeu d'acteur. Elle interprète ce rôle avec une telle simplicité, un tel naturel, qu'elle est Ann, cette femme qui longtemps fut pianiste reconnue, parisienne chic et femme d'un autre, pour devenir étrangère dans un coin perdu et sauvage, un corps qui nage jusqu'à l'épuisement sur une mer nouvelle, une âme qui s'attache à une jeune italienne rencontrée là.
Dans le rôle de l'ami de passage qui l'aide matériellement à passer, justement, dans cet autre monde, celui où elle n'est plus connue de personne, et d'elle ignoré, Jean-Hugues Anglade est magnifique de sensibilité, de discrétion et de sincérité.
Tout en sobriété, en profondeur et en finesse, comme l'est cette Villa Amalia qui, à l'écran comme sur la page, à travers l'histoire d'Ann, semble être celle d'un rêve ancien et enfoui, et peut-être l'un des mieux partagés.

Villa Amalia
Un film de Benoît Jacquot
Avec Isabelle Huppert, Jean-Hugues Anglade, Xavier Beauvois
Durée 1 h 31

Walt Kowalski, vieil homme à l'ancienne, droit comme un i (incarné par Clint Eastwood soi-même), planté de longue date dans ses principes, enterre son épouse.
La descendance se tient à distance de ce caractère inflexible, tout en guettant l'héritage, qui le divan, qui la maison, qui la Ford Gran Torino - déesse faite automobile, que Walt entretient savamment, polit jalousement.

Veuf, Walt Kowalski se retrouve désormais seul, au fil de journées sans surprise. Ses travaux de bricolage terminés, il s'assied devant sa porte, sa chienne Daisy et sa glacière à ses côtés, et là, il boit des bières, fume et fulmine.
Et lorsqu'il voit débarquer dans la maison voisine une famille asiatique de plus, ses souffrances d'ancien combattant de la guerre de Corée, son amertume et son racisme s'exacerbent contre ces 'faces de citrons" exécrées.

Pourtant, c'est pour d'autres motifs que Walt ressortira sa vieille arme.
Car au dessus de ses petites haines ordinaires, il y a la haine de la violence faite aux enfants et aux femmes, y compris le mal qu'il a lui-même commis et qu'il ne se pardonne pas.

Gran Torino commence tranquillement, avec ses personnages bien posés, son scénario que l'on sent sûr de ses arrières.
Mais, petit à petit, Clint Eastwood se met à nous "promener", à nous surprendre en dessinant des personnages de plus en plus attachants.
Sa mise en scène, indémodable, son épure, qui est la marque de son style, ne font pas pour autant de son film un cinéma prévisible - la fin nous le rappelera si besoin est. Quant à l'humour et l'auto-dérision, ils viennent rappeler que cet immense cinéaste sait ne pas se prendre au sérieux et insufflent à ce drame un souffle de tendresse irrésistible.

Clint Eastwood ramasse dans ce film les thématiques qui lui sont chères avec une incroyable efficacité. Il évoque à nouveau la rédemption, bien sûr ; mais il s'obstine surtout, et visiblement sans aucune fatigue, à dénoncer les injustices, toujours les mêmes, comme si le cœur de l'Impitoyable ne prenait pas une ride.
Film après film, et en suscitant toujours autant d'émotion, il ne cesse d'explorer aussi le thème de la transmission, pour atteindre dans Gran Torino un sommet final qui touche au génie.

Gran Torino. Clint Eastwood
Avec Clint Eastwood, Bee Vang, Ahney Her
Durée 1 h 55