Installations et sculpture – Page 4

Monumenta 2010 – Christian Boltanski, Personnes

Monumenta 2010, Boltanski, personnes
Monumenta, le cycle d’installations temporaires dans la Nef du Grand Palais à Paris, patronné par le Ministère de la Culture et la Réunion des Musées nationaux fait dans le rare, et dans l’extra-ordinaire. Trois expositions seulement en quatre ans, et d’une durée de quelques semaines seulement, à chaque fois époustouflantes.

On avait adoré Chute d’étoiles d’Anselm Kiefer en 2007, on est encore pris de vertige en pensant aux grandes stèles de la Promenade de Richard Serra en 2008.
Avec Personnes de Christian Boltanski, visible depuis mercredi et jusqu’au 21 février, on vit à nouveau une expérience unique, peut-être la plus bouleversante jamais ressentie face à une installation d’art contemporain.

Selon le principe de déambulation adopté par les artistes lorsque les volumes monumentaux de la verrière du Grand-Palais leurs sont livrés, Boltanski laisse ses visiteurs circuler librement au milieu de son œuvre. Le dispositif est aussi simple qu’efficace. Passé le "mur" de boîtes rouillées numérotées à l’entrée (qui annonce bien "l’ambiance" de ce qui suit), l’installation se dévoile d’un coup, comme par surprise.
Et c’est alors une vision de choc.

Sur le sol s’étalent sans fin des vêtements répartis dans soixante-neuf carrés, chacun surplombé d’un néon et délimités par des "piquets" rouillés, sans doute des morceaux de chemins de fer. Chacun peut y voir ce qu’il veut, mais il a peu de chance de penser à quelque chose de gai. Ce samedi matin, dans la lumière blafarde et le froid de la grande nef, on pouvait tout simplement voir ce qu’on croit être un champ de bataille lorsque les feux se sont tus, une terre jonchée de cadavres à perte de vue. Puis en regardant les petits mats de fers et les petits carrés qui se succèdent, c’est à un cimetière que l’on pense.

La vue n’est pas la seule en jeu, puisqu’une musique très particulière nous accompagne depuis qu’on a passé le "mur" : des battements de coeur, très forts. Au delà d’une expérience sonore, la vibration physique se ressent dans le corps, rejoignant notre propre pulsation.

Dans ce chant des morts, à côté de ce champs de morts, à la fois sorte de monument aux morts anonymes – ou anti-monument, comme on voudra – une gigantesque pince, au dessus d’une pyramide de vêtements, attrape une poignée de ces vestiges, avant de les relâcher de sa hauteur : ils retombent dans un souffle, avant que d’autres, au hasard, ne soient à nouveau saisis. "Et c’est la mort, la mort toujours recommencée", les paroles de l’une des plus belles chansons de Brassens viennent en tête, d’on ne sait où…Mourir pour des idées peut-être.

Monumenta 2010 – Christian Boltanski
« Personnes »
Du 13 janvier au 21 février 2010
Nef du Grand Palais, avenue Winston Churchill, 75008 Paris
Tous les jours sauf le mardi
De 10h à 19h le lun. et le mer., de 10h à 22h du jeu. au dim.
Entrée : 4 €

How does it feel ? Ugo Rondinone au CENTQUATRE

Le Centquatre à l'automne 2009 Vu de loin, il est un peu difficile à appréhender, ce fameux CENTQUATRE. Centre d’artistes davantage que centre d’exposition, lieu de création multidisciplinaire dont les ateliers peuvent être visités à certains moments, et en même temps ouvert au public jusqu’à 21 h, voire jusqu’à 23 h… Finalement, quand se déplacer dans ce coin du XIXème arrondissement, et pour y voir quoi ? Un an après son ouverture, l’installation de l’artiste suisse aux multiples talents, Ugo Rondinone, dont le titre How does it feel plaît déjà beaucoup, provoque enfin l’occasion d’une visite.

Est-ce le calme de la mi-journée d’un beau samedi d’automne qui rend la surprise si agréable ? Le lieu séduit immédiatement, et son côté un peu inclassable n’y est certainement pas pour rien. L’architecture aux dimensions impressionnantes de la fin du XIXème siècle, qui abritait autrefois le service municipal des pompes funèbres a été conservée, avec ses lignes simples et aérées. Le bâtiment est largement ouvert sur le ciel, soit directement soit grâce à ses verrières, mais il est aussi un univers en soi. A peine fini ou en devenir, brute et élégante, l’enfilade d’espaces, ici jardin, là librairie, plus loin snack, donne envie de s’arrêter partout. Mais l’attrait de l’installation d’Ugo Rondinone l’emporte. Elle est presque au fond, on ne peut pas la louper, une petite maison carrée dont les murs blancs quadrillés de noir figurent des briques.

Tandis qu’une télévision déroule un documentaire sur le montage du projet expliqué par l’artiste, les visiteurs isolés font le tour de l’oeuvre et recommencent, car l’entrée est invisible ! Quant enfin on aperçoit la porte dissimulée dans la façade, on passe de l’espace monumental et semi-ouvert du CENTQUATRE à un lieu petit, carré et parfaitement clos. L’intérieur est aussi minimaliste que l’extérieur. Sol en béton, textile gris aux murs, néons au plafond. Une bande-son diffuse une conversation en anglais entre un homme et une femme. Puis le même dialogue est repris, rôles inversés. Banale et courte, la conversation nous rapproche de Beckett et nous renvoie à nous-même. Un seul regret : que l’on ne puisse s’asseoir, car la douceur et le caractère obsédant des bruissements de voix donne envie de s’installer un moment.

La halte se fera donc dans le passage du CENTQUATRE, les bancs des tables de bois au soleil y invitent. De là, un autre spectacle, lui vivant et improvisé, commence : des jeunes du quartier profitent de l’endroit pour s’entraîner à danser, dans leur coin et ensemble, en silence, ou la musique à l’oreillette. Passionnant à voir (il y a quelques surdoués), réjouissant aussi, car ils ont vraiment l’air de se faire plaisir.
Il faudra quand même finir par partir, après un antépénultième arrêt au jardin, urbain, branché, un programme en soi, suivi d’un dernier à la librairie (tout à fait conseillée). Le restaurant, lui, n’est pas encore prêt, mais on peut se restaurer soit au café-terrasse à l’autre bout, soit carrément sur les tables-bancs-parasols de tout à l’heure, en achetant une pizza à la guitoune.
C’est frais, et ça fait du bien.

How does it feel
Ugo Rondinone
Une manifestation du Festival d’Automne
CENTQUATRE
104 rue d’Aubervilliers / 5 rue Curial – Paris XIX°
Du mar. au dim. de 11 h à 21 h et jusqu’à 23 h les ven. et sam.
Jusqu’au 10 janvier 2010
Entrée libre

A découvrir également du même artiste :
Sunrise east dans le jardin des Tuileries
Jusqu’au 15 novembre 2009, de 7 h 30 à 19 h 30, entrée libre

DreamTime. Temps du rêve. Grotte du Mas d’Azil

Exposition au Mas d'Azil Après l’univers des grottes évoquées (voire reconstituées) par l’art au Musée des Abattoirs de Toulouse, nous voici dans cette cavité aux volumes imposants qui accueille les œuvres des mêmes artistes : la grotte du Mas d’Azil en Ariège.

Voûte bien vaste ouverte par la rivière ancienne, où passent même les automobiles, sans se douter qu’elles longent les « favelas d’Azil » de Pascale Marthine Tayou, faites de centaines de petites maisons de carton, accrochées à la pente.
Bien au-dessus de la rivière, comme tracé à la craie, un dessin qui rappelle à la fois les thèmes des aborigènes d’Australie et le relevé topographique d’un réseau souterrain est projeté sur le plafond de la voûte.
Dans la fraîcheur et l’opacité du monde sous terre, Delphine Gigoux Martin a pensé à l’éclairage : deux lustres de tessons de bouteilles ont attiré les papillons pendant que l’ombre de chauves souris tourne sans cesse. La salle du chaos est immense, et permet l’installation de plusieurs œuvres. Les plus frappantes sont celles de David Altmejd. Sept êtres fantastiques, plus ou moins ailés, ressortent terriblement blancs, juchés sur des hauteurs différentes, en attente du visiteur qui vient chercher l’aire de départ pour le rêve. Paul-Armand Gette ne déroge pas à sa réputation, sa photo de figue ouverte fait bien écho à un thème exploré par les spécialistes de l’art pariétal : la représentation symbolique des sexes. Jean-Luc Parant a profité d’une pente naturelle pour installer au sommet un « Parantosaure », pondant des milliers d’œufs qui dévalent la pente. Les bronzes de Miquel Barceló sont posés sur le sol du petit musée et renvoient aux objets archéologiques de la vitrine.

Exposition Dream Time au Mas d'Azil Charley Case et Thomas Israel ont assimilé un des caractères de la peinture paléolithique : son apparence mouvante, lorsque la figure, qui a profité des reliefs de la paroi, semble bouger à la lumière vacillante des torches. Ici, point de torches, mais une vidéo intègre astucieusement dans le creux de la roche l’image d’une femme qui donne la vie. Sur une surface plus plane, passe une femme nageant. Une belle réussite. On retrouve dans un coin de la « salle des chamans » le travail de Serge Pey avec ses bâtons de mots et ses dessins à la craie. Les trois squelettes d’ours des cavernes de Mark Dion surgissent grâce à leur peinture fluo et Virginie Yassef nous fait vivre l’orage tellurique juste avant de revenir à la lumière du jour.

L’amateur d’art contemporain se déplace ici dans un milieu inhabituel : la température, qui reste basse, l’impression d’humidité, les odeurs de roche, l’irrégularité du sol. Les œuvres, du coup, se respirent autrement. Parfois, cet amateur devra s’échapper quelque peu de l’emprise des sympathiques guides de la grotte, dont le rôle premier est de conter la préhistoire…

DreamTime. Temps du rêve
Grotte du Mas d’Azil
09290 Le Mas d’Azil – Tél : 05 61 69 97 71
Jusqu’au 11 novembre 2009
Visites guidées de la Grotte et de l’exposition DreamTime :
En juillet et août,TLJ de 10h à 18h
En septembre, du mar. au dim. de 10h à 12h et de 14h à 18h
Visites libres de la Grotte et de l’exposition DreamTime :
En juillet et août, TLJ de 10h à 13h et de 17h à 18h30
En septembre du mar. au dim. 10h à 12h et de 16h30 à 18h
Visites guidées spécifiques « Art contemporain – DreamTime » :
En juillet et août TLJ à 17h
Tarifs : Adultes : 6,10 € (TR 4,60 €), enfants de 6 à 15 ans : 3,10 €

Cette exposition est présentée parallèlement à celle du Musée des Abattoirs de Toulouse (lire le billet du 1er juillet 2009), où sont présentés les travaux préparatoires ainsi que des œuvres existantes des mêmes artistes ou des productions conçues en écho à la grotte du Mas-d’Azil. Une contremarque « DreamTime » donnant droit au tarif réduit pour l’entrée de la Grotte est remise aux visiteurs du Musée des Abattoirs et inversement.

Dream-Time. Temps du rêve aux Abattoirs à Toulouse

Exposition à Toulouse, les Abattoirs, Dreamtime On peut commencer la visite par entrer dans la grotte de Xavier Veilhan.
Si la structure extérieure paraît étrange, hérissée de liteaux de bois, l’intérieur est tout à fait une grotte : on s’arrête dans la très faible clarté avant de traverser en silence et lentement.

L’idée du musée des Abattoirs est très alléchante : une exposition en diptyque qui se présente en même temps (avec des œuvres différentes mais les mêmes artistes) dans la grotte du Mas d’Azil en Ariège et au musée d’art contemporain toulousain.

Avant de parcourir les quelques 80 kilomètres qui séparent les deux sites, poursuivons la visite devant les peintures et totems aborigènes. Car c’est sous la thématique du temps du rêve des Aborigènes d’Australie que nous découvrons comment les artistes d’aujourd’hui évoquent l’univers de la grotte.
Les peintures aborigènes, schématiques, aux cercles concentriques ou cheminements sinueux, aux couleurs souvent de terre, sont habiles à rappeler le monde onirique. Les préhistoriques d’Ariège rêvaient-ils les animaux qu’ils dessinaient sur les parois ? Sans doute, et Pascale Marthine Tayou reprend un thème fréquent de l’art pariétal paléolithique : ses animaux dessinés sur les murs sont parsemés de sexes masculins érigés, et son évocation de dessins de Picasso nous fait penser que lui-même s’est inspiré des images de la préhistoire. L’artiste a dressé des totems aux têtes de poupées en tissu fichées sur des pattes en pâte de verre, le tout hissé sur des troncs d’arbre verticaux.
David Altmejd a pris le contre-pied de l’obscurité naturelle des profondeurs. Tout est construit en miroirs : grands panneaux pour les parois, personnages de plusieurs mètres de haut constitués de fragments de miroirs, ou constructions géométriques complexes toujours terriblement réfléchissantes. Cet univers hyperlumineux peut renvoyer à ces grottes où la calcite miroitante se révèle à la lumière des lampes.

Une des plus intéressantes installations est celle de Charley Case : une modeste caravane toute noire est encadrée de murs sombres aux reproductions de dessins de la préhistoire. Des petites fenêtres présentent des vidéos pendant que le bruit caractéristique de gouttes d’eau qui tombent avec de l’écho nous entête. Au-dessus, la voie lactée. La caravane apparaît comme le lieu d’arrivée, au fond de la grotte, et devient le point de départ pour un autre univers. Une sorte de fenêtre fente nous permet de voir, sur le plancher de la caravane, la vidéo d’une femme sur qui l’eau passe.

D’autres artistes, et non des moindres ont laissé des traces ici : Miquel Barcelo par l’humour, Paul-Armand Gette par l’érotisme, Jean-Luc Parant par les boules, bien sûr. Mais on retiendra particulièrement le travail de Serge Pey, poète performeur, qui a dressé plusieurs groupes de ses bâtons où sont écrits ses textes quasi microscopiques. Sur les murs, des reproductions des bisons d’Altamira ou du sorcier des Trois Frères, mais surtout l’histoire écrite à la main de la « Venus Hottentote », devenue Saartje Baartman et exhibée devant les foules européennes au début du 19ème siècle, disséquée ensuite par Cuvier… Nous avons commencé par le temps du rêve aborigène et finissons par le rêve cauchemar occidental.

DreamTime – Temps du Rêve
Grottes, Art Contemporain & Transhistoire
Jusqu’au 30 août 2009
les Abattoirs, 76 allées Charles-de-Fitte – 31300 Toulouse
Tel. 05 62 48 58 00
M° Saint-Cyprien République, bus : n°1, arrêt les Abattoirs
Vélo Toulouse : 2 stations à quelques dizaines de mètres du musée
Parking Roguet, place Roguet, 2 places handicapés réservées rue Charles Malpel
Mercredi, jeudi et vendredi de 10 h à 18 h, samedi et dimanche de 11 h à 19 h
Du 8 juillet au 6 septembre 2009 du mercredi au dimanche de 11 h à 19 h
Gratuit le 1er dimanche de chaque mois
Entrée 7€ / 3,5€, demi-tarif sur présentation du ticket de l’exposition du Mas d’Azil
Gratuit le 1er dimanche de chaque mois.

Grotte du Mas-d’Azil (09)
Du 16 mai au 14 novembre 2009
Ouvert tljs 10h-12h / 14h-18h – Eté : 10h-18h

le site des Abattoirs

Cai Guo-Qiang : Je veux croire au Guggenheim à Bilbao

Le musée Guggenheim à Bilbao L’étonnement tient d’abord à l’architecture de Frank O. Gehry : certaines photos peuvent faire croire à un monstre de métal.

Les écailles miroitantes qui recouvrent la structure annulent l’effet métal, et la forme qui ne renvoie pourtant à aucune forme pré définie efface l’effet monstre.

Avant d’entrer, déambulez le long du Nervión qui coule aux pieds du musée, remontez vers le parvis où est assis le grand chien végétal, de façon à capter les métamorphoses des volumes proposés par Gehry.

A l’intérieur, Richard Serra nous plonge dans la Matière du Temps. Sept énormes sculptures faites de plaques d’acier invitent à déambuler autour, dedans, à se perdre dans des univers où les parois se mettent à pencher dangereusement, à déformer les sons, à figurer des villes fantomatiques grâce à l’activité des oxydes sur les surfaces. Dans une salle à côté, on découvre les maquettes de Serra : les formes sont étonnamment simples, et banales, et c’est bien la monumentalité des plaques d’acier qui nous renvoie à notre dimension petitement humaine.

Cai Guo-Qiang à Bilbao Les expositions temporaires nous proposent des œuvres de Cai Guo-Qiang, artiste chinois connu pour ses feux d’artifice déployés au cours de la cérémonie d’inauguration des derniers Jeux olympiques, et de Takashi Murakami, peintre Japonais représentant de la génération néo-pop. Seules certaines œuvres du premier nous ont arrêté.

Cai Guo-Quiang est un artiste du feu. Des vidéos, hélas souvent projetées sur des écrans trop exposés à la lumière qui rendent les images bien ternes, montrent sa passion pour les flammes qui courent, (sur la Muraille de Chine), les feux qui embrasent (le drapeau rouge à Varsovie), la fumée qui se déploie (un sombre arc en ciel). Il fait aussi dessiner le feu, en enflammant la poudre à canon disposée sur de grands panneaux de papier marouflé.
Ses installations peuvent être particulièrement spectaculaires. Sa thématique privilégiée ressurgit à travers ces 8 voitures blanches, comme jetées dans les airs, desquelles partent des bouquets de feu d’artifice en tubes fluorescents.

De plein fouet, Cai Guo-Qiang Ce sont celles qui témoignent d’un autre registre, celui de la longue durée, qui provoquent davantage de méditation. « De plein fouet » : 99 loups se précipitent en un grand bond contre une paroi vitrée, en ressortent plus ou moins assommés, et repartent, à terre, d’où ils viennent. Si les 99 loups sont figés dans leur mouvement, l’ensemble est perçu comme dynamique, et on entend presque le choc contre le verre.

« Réflexion ? Un cadeau d’Iwaki », est l’œuvre la plus sensible : une vieille et grande barque a été déterrée d’un marécage japonais par la population locale. Il en reste une charpente élaborée, puissante et en même temps défaite. Les clous qui tenaient les chevrons dépassent, les rafistolages en fer montrent combien cette barque a vécu. Elle est à moitié recouverte par des débris de porcelaine blanche, comme si son chargement ancien s’était répandu à l’échouage. Une vie rude de marins s’évade de l’installation et nous atteint.

Musée Guggenheim
Avenida Abandoibarra, 2 48001 Bilbao – Espagne
L’exposition Cai Guo-Qiang : Je veux croire est visible jusqu’au 6 sept. 2009
et l’exposition © Murakami jusqu’au 31 mai 2009
Ouvert du mardi au dimanche, de 10 h à 20 h

Sur le travail de Richard Serra, voir aussi »Promenade » – Monumenta 2008

Eros d'argile et Thanatos fusionnels

Mitsukoshi-Etoile, Miwa Kyusetsu Découverte totale et enchanteresse à l’espace Mitsukoshi-Etoile à Paris, où sont exposées jusqu’au 9 mai 2009 des oeuvres du céramiste Miwa Kyusetsu.

Les "Argiles sculptées", comme il les appelle lui-même, créées par ce descendant (XIIème du nom) des Miwa, dynastie de grands potiers japonais bouleversent tout ce que nous connaissons de la céramique.

Bien loin de la poterie traditionnelle en effet se situent ses bols à thé et ses seaux à eau pleins de poésie, nommés Instant de vie ou encore Première floraison, où les lignes douces s’associent aux angles brisés, où la couleur est oubliée pour laisser la place à des dégradés subtils et à la terre brute.

La "révolution" Miwa Kyusetsu a commencé à la fin des années 1960, lorsqu’il a présenté sa série L’Elégante Vie de Hanako (dite Talon Aiguille), escarpin au talon incliné, très fin, qui exalte la cambrure de ce symbole de féminité, ici délicatement bridé et fleuri. En glacis blanc, parfois teinté de bois de rose, voire entièrement dorés, ils évoquent la fragilité et l’abandon et annoncent d’autres séries de sculptures, plus érotiques encore, jambes de femmes repliées et offertes, poitrines généreuses et épaules de soie. On ne saurait être plus explicite.

Certaines oeuvres sont plus mystérieuses et non moins fascinantes, notamment l’ensemble de petits personnages isolés, bouddhas immaculés sur le chemin de l’éveil. Les jeux de matière – raffinement et sensualité du glacis, simplicité abrupte de l’argile – et de lignes géométriques opposées créent l’espace et la lumière et semblent vouloir rappeler les contrastes et contrariétés du monde.

Mais les créations les plus spectaculaires de Miwa Kyusetsu sont ses monumentales Tombes de l’Antiquité, où l’artiste a mis en scène son tombeau à venir ainsi que celui de son épouse, en noir et or entièrement. Objets du quotidien ou symboliques, bouts de squelettes, masques… tout y est mais n’effraie pas, comme si ce céramiste de 69 ans, après avoir sublimé Eros, était parvenu à regarder Thanatos en face dans une majestueuse célébration.

Eros d’argile et Thanatos fusionnels
Espace des Arts Mitsukoshi-Etoile
3 rue de Tilsitt – 75008 Paris
Jusqu’au 9 mai 2009
TJL sauf les dimanches et jours fériés
De 10 h à 18 h
Entrée : 6 euros (TR : 4 euros)

A voir à Toulouse : des chefs-d'oeuvre du Gothique normand

Chefs d'oeuvres du Gothique en Normandie Quand la pierre normande choisit pour écrin la brique toulousaine : c’est dans l’ancien réfectoire du début du XIVème siècle de l’ensemble conventuel des Jacobins à Toulouse, magnifique lieu d’exposition tout de rouge vêtu, que l’on peut voir jusqu’au 20 avril une sélection de chefs-d’œuvres gothiques… normands.

Cette rencontre entre deux Gothiques régionaux conduit le visiteur de l’église abritant les reliques de Saint-Thomas d’Aquin, toute de briques construite, remarquable par sa finesse, sa pureté et son élancement, à un ensemble de sculptures et de pièces d’orfèvrerie produites en Normandie entre le XIIIème et le XVème siècles.

Le parcours chronologique s’ouvre avec la Marie-Madeleine de la Collégiale d’Ecouis (Eure), dont l’ondoyante chevelure descendant jusqu’aux pieds constitue le seul vêtement : sa blancheur, sa simplicité et son naturel en font l’un des joyaux de l’exposition.

Châsse de Saint-Taurin, exposition aux Jacobins à Toulouse Dans la salle suivante, placés en hauteur, les neuf apôtres du Collège apostolique de Saint Pierre de Jumièges (Seine-Maritime), mis en valeur par un jeu de lumières, veillent sur les châsses des reliques de Saint-Taurin et Saint-Romain : datées du XIIIème siècle, en argent et cuivre dorés, elles permettent de se faire une idée de l’architecture richement ornée des églises et des cathédrales du gothique normand.

Suivent un grand nombre de vierges à l’enfant, certaines pleines de tendresse, d’autres plus hiératiques, parfois d’un (trop ?) grand raffinement, marque de la présence d’un mécénat issu de l’entourage royal dans le Vexin Normand au XIVème siècle, qui a tendance à introduire un art de cour parfois teinté de maniérisme.

De belles pièces de vitraux soulignent l’importance de la peinture sur verre lors de la construction ou de la reconstruction des cathédrales à partir du XIIIème siècle, comme les deux panneaux de Dives-sur-mer (Calvados) qui mettent en scène de délicats anges-musiciens.

Exposition aux Jacobins, gothique Normandie Dans la dernière salle sont réunis une multitude de saints de pierre, universels ou locaux, connus ou inconnus. Leur grand succès renvoie aux grandes peurs de l’époque, celles des guerres et des épidémies, sans compter celle de la damnation éternelle.
Le culte des saints protecteurs est aussi à mettre en parallèle avec la diffusion de la "La Légende dorée » de Jacques de Voragine au XIIIème siècle.

Voici donc notamment Sainte Appoline subissant le martyre de l’arrachement de dents, Saint-Clair, invoqué lors des affections oculaires (ici, ses yeux sont représentés dans un tableau reliquaire présenté par le saint), Sainte-Barbe contre sa tour, ou encore Saint-Roch, figuré en pèlerin avec un chien : selon la légende, lorsqu’il fut lui-même atteint par la peste, il se retira dans une forêt pour éviter la contagion et fut nourri grâce à un chien qui lui apportait tous les jours du pain dérobé à la table de son maître…

Chefs-d’oeuvre du Gothique en Normandie
Sculpture et orfèvrerie du XIIIe au XVe siècle
Jusqu’au 20 avril 2009
Ensemble conventuel des Jacobins de Toulouse
Entrée de l’exposition par l’église des Jacobins, rue Lakanal
Ouvert tous les jours y compris les jours fériés de 10 h à 19 h
Entrée 5 € (TR 2,50 €)
Tél. : 05 61 22 21 92

Images : Sainte Marie Madeleine, 1311-1315, Statue, pierre avec traces de polychromie, Écouis (Eure) ; Châsse de saint Taurin – Argent et cuivre doré repoussé et fondu, émaux champlevés – 1240-1255 – Évreux (Eure) ; Huit anges musiciens, deux panneaux de vitrail, vers 1320-1330, Dives-sur-mer (Calvados)

Oublier Rodin ? La sculpture à Paris de 1905 à 1914

Maillol, La Mediterranée au Musée d'Orsay L’exposition présentée au Musée d’Orsay jusqu’au 31 mai est non seulement belle, mais encore tout à fait convaincante.

Elle montre comment, au tournant du XXème siècle et jusqu’à la première Guerre Mondiale, des sculpteurs venus de toute l’Europe se sont retrouvés à Paris le temps d’une décennie pour repenser et renouveler la sculpture.

A l’époque, le modèle entre tous et pour tous est Rodin.
Mais il va devenir le contre-modèle, la statue à déboulonner si l’on ose dire. Contre son expressivité poussée à l’extrême, contre le chaos des portes de l’Enfer, il s’agit alors, pour les Bourdelle, Brancusi, Maillol, Picasso et autres Gonzales, de reprendre la réflexion plastique à son commencement, de rechercher l’essence de la sculpture : le volume, l’architecture, la ligne. Adoptant des formes de plus en plus simplifiées, ces artistes ne font pas pour autant "taire" les visages. Ils les assagissent, les épurent et trouvent d’autres réponses pour exprimer "l’intériorité" de leurs créations.

Exposition Oublier Rodin au Musée d'Orsay On n’est pas encore dans le cubisme (qui ne s’exprime alors qu’en peinture), encore moins dans le non-figuratif ; mais le chemin parcouru depuis Rodin est immense – quelques unes des sculptures du maître permettent de le souligner. Plus de démonstration, plus de tour de force ; la ligne directrice est tout autre.
Mais si les artistes entendent se détourner de l’imitation et de la sensualité, bien des œuvres présentées prouvent qu’ils n’ont pas – et c’est un bonheur – chassé cette dernière. Toute la partie de l’exposition consacrée aux volumes est à cet égard remarquable, avec notamment une galerie de nus féminins où le poli extrême des rondeurs de Maillol voisine une plantureuse Renoir, une immense Pénélope de Bourdelle ou encore une douce Grande Songeuse de Wilhelm Lehmbruck.
Le lyrisme n’est pas davantage absent. Il se fait si délicat avec ce magnifique Buste de jeune fille de Zadkine, tête tournée et penchée, tout en épure, en grâce, en finesse. Et que dire de la célèbre Muse endormie de Brancusi, d’une telle tendresse !

La section consacrée aux lignes est tout aussi passionnante, où l’on voit des corps immobiles et isolés se mettre à occuper l’espace de façon audacieuse, prendre des poses inattendues, en des lignes simples qui les courbent, les agenouillent et les étirent – de façon particulièrement impressionnant chez Lehmbruck. Chez cet artiste d’ailleurs, apparaît progressivement une veine expressionniste, donnant des visages bouleversants, chavirés de souffrance silencieuse (Orante, Tête d’un penseur, Amants…), et qui semble avoir atteint son apogée avec son terrible Prostré.

Tout est beau, tout est à voir dans cette exposition de choix. Il faudrait donc aussi évoquer la salle consacrée aux reliefs, dont les volumes sont si géométriquement circoncis que leur puissance et leur douceur n’en sont que plus spectaculaires.
La Femme accroupie de Maillol, superbe et lisse, repliée et assoupie, occupe pourtant tout son espace avec une formidable présence. Comme s’il ne s’agissait pas que d’une simple question de beauté, comme si elle seule évoquait déjà tout un monde…

Oublier Rodin ? La sculpture à Paris, 1905-1914
Musée d’Orsay
1, rue de la Légion d’Honneur – Paris 7ème
Jusqu’au 31 mai 2009
TLJ sf le lundi, de 9 h 30 à 18 h, le jeudi jsq 21 h 45
Entrée 8 € (TR 5,5 €)

A voir également en ce moment au Musée d’Orsay, et autour de cette exposition : un accrochage de dessins de sculptures, de Chapu à Bourdelle

Images :
Aristide Maillol, La Méditerranée, 1905-1923, Statue, marbre, Paris, musée d’Orsay © photo Christian Baraja
Wilhelm Lehmbruck, Grande figure debout, 1910, Statue, ciment, Otterlo, Kröller-Müller Museum © Coll. Kröller-Müller Museum Otterlo the Netherlands

Camille Claudel : délai supplémentaire

Château de Lavardens, exposition Camille Claudel A la suite de questions posées par certains lecteurs, la nouvelle est confirmée : l’exposition Camille Claudel au Château de Lavardens dans le Gers est prolongée jusqu’au 5 octobre 2008.

Vous y redécouvrirez la vie poignante de l’artiste et y admirerez des dizaines d’oeuvres issues de la collection de Reine-Marie Paris, petite-nièce de l’artiste, parmi les plus célèbres et les plus émouvantes de Camille Claudel.
Bonne visite et bonne balade !

Camille Claudel
Jusqu’au 5 octobre 2008
TLJ de 10 h à 18 h
Château de Lavardens
32360 Lavardens
Tel : 05 62 58 10 62

Rubato ma gissando. Annette Messager/Gérard Pesson

Chapelle des Recollets, Maison de l’Artchitecture, près de la gare de l’Est à Paris.
Du vaisseau renversé, au plafond, pendent des instruments de musique, grosse caisse, cors, guitare. Ils côtoient des sculptures d’Annette Messager, membres en mousse entrelacés dans leur moustiquaire, poupées de laine en grappe, sacs de plastique assemblées en corole.
Lumière rouge, pénombre.
Au sol, des musiciens harnachés à des fils jusqu’à la voûte, saxophone, tuba, violoncelle. Bancs de bois, murs décrépis.

Surgissent de petits chants d’oiseaux, des froissements de feuille, des bruits d’eau. Ou tout autre chose. Cela monte comme un flot. Une nature en éveil. Cela monte et s’accélère avant de se calmer. Violon, cornemuse, grande feuille plastifiée. Cela vrombit, au loin, puis vient une ondée du matin, légère comme un carillon clair. Les mobiles (instruments, sculpture, et même un jeune homme replié) montent et descendent, tandis que bat un coeur, qu’un homme souffle et s’essouffle ; que semble se jouer la vie.
Plus tard, de la matière va couleur et des oiseaux hululer dans une verte nuit.
C’est organique et poétique, grave et léger, savant et enfantin. Il y a des lettres prononcées et de longs nez menteurs. C’est un petit concentré de vie, extraordinaire et quotidien, que nous offre durant quelques (trop courtes) vingt minutes ce tableau vivant et musical brossé par deux immenses talents.

Rubato ma gissando. Annette Messager/Gérard Pesson
Dans le cadre du Festival d’Automne à Paris
Maison de l’Architecture
148, rue du Faubourg Saint-Martin – 75010 Paris
Métro : Gare de l’Est
Jusqu’au 28 septembre 2008
A 20h, 20h45, 21h30, 22h15
Tarif unique : 10 €
Durée : 20’