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Jean-Louis Trintignant, extraits choisis. Théâtre du Rond-Point

Jean-Louis Trintignant, extraits choisis au Théâtre du Rond-Point Il pourrait s’asseoir n’importe où, le calendrier des Postes posé devant lui sur une table et égrener les nom des saints ; on l’écouterait les yeux plein de larmes, aimant chaque prénom et amoureux de sa voix à la fois.
Jean-Louis Trintignant a cette grâce et l’on n’y trouve pas d’explication.

Après avoir lu des extraits du Journal de Jules Renard avec Clémentine Célarié et Manuel Durand en décembre 2005 au théâtre du Petit Hébertot, ce qui était une merveille, Jean-Louis Trintignant reprend ce spectacle au Théatre du Rond-Point jusqu’au 19 avril.

Cette fois, aux textes de Jules Renard se mêlent ceux de Jean-Michel Ribes et la lecture est à quatre voix : Joëlle Belmonte, Manuel Durand et Jean-Louis Bérard l’accompagnent.
Aphorismes, réflexions et historiettes évoquent avec esprit, lucidité et un humour souvent caustique les femmes, l’amour, le couple, l’adultère, la vie, la mort, le bonheur, le théâtre, Dieu, la nature et la poésie. Au plaisir de réécouter ces textes s’ajoute celui des quatre comédiens, tous très bons, convaincus et complices. Le résultat est délicieux.
Mais demeure difficile à exprimer l’émotion qui nous saisit à écouter la voix de cet homme, Jean-Louis Trintignant, si calme, grave et profonde, si habitée et si vivante, à voir cet homme qui fut si jeune et si beau dans des films inoubliables, porter aujourd’hui les années avec tant de splendeur et peut-être plus de simplicité et d’humilité que jamais. Et cela est autre chose qu’un délice ; c’est un bouleversement.

Jean-Louis Trintignant, Extraits choisis
Journal 1887-1910 de Jules Renard, Sursauts, brindilles et pétard et autres textes de Jean-Michel Ribes
Lus par Jean-Louis Trintignant, Jean-Louis Bérard, Manuel Durand, Joëlle Belmonte
Théâtre du Rond-Point
2bis, av. Franklin D. Roosvelt – Paris 8ème
Du mardi au samedi à 18 h 30
Durée 1 h 1/4
Places de 10 € à 33 €

Photo : © Brigitte Enguerand

La salle Giacometti 1964 à la Fondation Maeght

Alberto Giacometti, sculptures, photo Ernst Scheidegger Avec Joan Miró, qui dispose de son labyrinthe paysager constitué de statues et de céramiques exposées au milieu des pins, Alberto Giacometti est l’une des stars de la Fondation Maeght à Saint-Paul.

Un patio lui est consacré, mettant en scène certaines de ses sculptures les plus emblématiques (L’homme qui marche, Le chien, Homme debout, Femme vénitienne…).

Son oeuvre est également évoquée de façon très touchante dans une salle dédiée aux photographies prises par Ernst Scheidegger dans les années 1940 à 1960. Les grands tirages en noir et blanc de celui qui fut l’ami, mais aussi le témoin du travail et de la vie de l’artiste pendant une vingtaine d’années font écho à l’inoubliable exposition L’Atelier d’Alberto Giacometti présentée au Centre Pompidou cet hiver.
Dans le fatras du mythique atelier, où se mêlent terre, couteaux, palettes, flacons et tabourets, avec pour fond les murs perforés, incisés et dessinés, voici le magnifique Alberto, concentré, qui modèle, peint, réfléchit, créé.

Enfin, bel hommage aux fondateurs et à l’artiste, jusqu’au mois de juin, la salle Giacometti est visible dans sa scénographie de 1964, c’est-à-dire telle que les premiers visiteurs l’ont vue lors de l’inauguration de la Fondation le 28 juillet de cette année-là.
Cet espace, à la fois riche et cohérent à l’image de l’oeuvre de Giacometti est une merveille. Les superbes Femmes vénitiennes s’y élancent sur leurs pieds immenses, avec pour certaines des attributs féminins qui les rapprochent des statues africaines, mais toujours surmontés de ces cous fins, tendus, et de ces visages calmes et énigmatiques. Semble s’y trouver concentré tout le travail de recherche d’Alberto Giacometti, sa façon d’essayer différentes possibilités pour représenter un même sujet, ici la femme.
De mémoire, l’exposition du Centre Pompidou présentait peu de groupes. Ici en sont exposés plusieurs, tout à fait remarquables, comme La Clairière, Place neuf figures (1950) : toutes de tailles différentes, ces silhouettes forment un ensemble très harmonieux qui saisit le visiteur d’une sensation de douce vague, d’une ondulation sur une ligne de crête, mer ou forêt.
Un bel écho à la cour Giacometti, à l’extérieur, patio ouvert sur les pins et la mer, écrin de rêve pour quelques unes des plus célèbres oeuvres de l’artiste, ici au plus près de ses origines italiennes.

Fondation Marguerite et Aimé Maeght
06570 Saint-Paul
TJL, du 1er oct. au 30 juin de 10 h à 18 h
et du 1er juil. au 30 sept. de 10 h à 19 h
Entrée 11 € (TR 9 €)

La Fondation Marguerite et Aimé Maeght à Saint-Paul

Fondation Maeght, Saint-Paul Inaugurée le 28 juillet 1964, la Fondation Maeght à Saint-Paul (Alpes-Maritimes) a été pensée comme un ensemble architectural parfaitement intégré au milieu naturel.
Très marqués années 1960, les lieux ont plutôt bien vieillis. Utilisant la pierre récupérée dans les collines, le béton brut et les briques roses modelées à la main et cuites au feu de bois selon la tradition locale, la construction imaginée par Josep Lluis (1) était particulièrement ingénieuse.

Pour profiter du cadre exceptionnel et en particulier de la lumière, les demi-voûtes en verre diffusent un éclairage naturel dans les salles, tandis que les nombreuses ouvertures permettent de garder en permanence un oeil sur l’extérieur et les sculptures qui y sont installées.

Car l’espace muséal de la Fondation Maeght se situe autant à l’intérieur (aux très agréables variations de niveaux) que dans les jardins, architecturés en différents lieux d’exposition, conférant à l’ensemble une sensation de déambulation et de détours qui soutient l’attention tout en faisant de la visite une belle ballade.

L’on admire ainsi notamment : des statues de Giacometti, des sculptures, des peintures, des lithographies et même une tapisserie de Joan Miró, un bassin dont la mosaïque a été dessinée par Georges Braque, à l’origine également du vitrail tout mauve de la petite chapelle Saint-Bernard (édifiée à l’emplacement d’un ancien sanctuaire), des oeuvres de Calder, van Velde, Ubac, Jan Voss…

Sans oublier une superbe salle carrée où quatre immenses toiles se répondent comme pour mieux évoquer le bonheur de la vie méditerranéenne : La vie de Marc Chagall, si joyeux et coloré, Le partage des eaux de Pierre Alechinsky, archipel vu du ciel aux dominantes de bleus et de vert turquoise, L’été de Pierre Bonnard, vision paradisiaque de femmes et d’enfants dans un océan de végétation, et La partie de campagne de Fernand Léger, ode franc aux loisirs et au grand air.
Donc à voir évidemment ; mais ne pas trop attendre pour y aller car l’on a nul besoin de la foule estivale pour admirer ces "choses"-là…

Fondation Marguerite et Aimé Maeght
06570 Saint-Paul
TJL, du 1er oct. au 30 juin de 10 h à 18 h
et du 1er juil. au 30 sept. de 10 h à 19 h
Entrée 11 € (TR 9 €)

(1) Architecte d’origine catalane comme son ami Joan Miró, Josep Lluis travailla à Paris avec Le Corbusier. En 1958, il fut nommé à la tête de la faculté d’architecture à Harvard. Il édifia notamment le pavillon de l’Espagne républicaine où Picasso exposa Guernica à l’Exposition Universelle de Paris en 1937 et la Fondation Miró à Barcelone.

Cafés de la mémoire. Chantal Thomas

Chantal Thomas, Cafés de la mémoire au Seuil Entrée tonitruante en plein Carnaval de Nice : chars, Gagantuas de carton-pâte, roitelets à grosse tête, musique, danse et batailles de fleurs.

Halte au Grand Café de Turin place Garibaldi, carafons de muscadet et magnifique plateau de fruits de mer ; conversations savoureuses avec des inconnus.
Au Grand Café de Turin, on est priés de laisser ses peines à l’entrée. Mais Chantal Thomas a à ses pieds un sac plein à craquer d’un bric-à-bracs de souvenirs, bouts de choses qu’elle a pris chez sa mère tout à l’heure, très vite. Sa mère qui vieillit ; et dont elle admet qu’elle commence à perdre la tête.

Fil d’Ariane de l’autobiographie de ses jeunes années, Chantal Thomas va refaire la tournée des cafés qui les ont accueillies, témoins de ses espoirs, de ses rencontres et de ses ivresses.

En commençant par Arcachon, où, enfant, elle n’en fréquenta aucun, mais en rêva beaucoup, l’imagination excitée par les récits qu’en faisait son grand-père adoré.

Au lycée, auprès d’un professeur prénommé Amaury, elle découvre la philosophie, qui lui apparaît alors comme « la volupté de parler », le passage de la « parole-ustensile à la parole-pensée ». La même année, elle dévore Simone de Beauvoir qui « gagnait sa vie en élaborant des idées » et « voulait s’inventer » en offrant à toutes les jeunes femmes la possibilité d’en faire de même. Elle est son premier modèle lorsque, le soir des résultats du bac, elle peut enfin s’installer dans un café.

Il y aura ensuite la faculté de philosophie à Bordeaux, moments cocasses s’il n’étaient un peu tristes où l’enflammé Amaury est remplacé par un vieux professeur qui se prend pour Hegel et où elle est confrontée à l’hermétisme du cours de logique. Si elle ne connaît pas encore l’ivresse de l’envol sur « sur les ailes grandes déployées de l’Intelligence » qu’elle attendait, ce qu’elle découvre alors l’exalte bien plus que tout ce qu’elle avait imaginé : la liberté d’avoir une chambre à soi, de parcourir la ville jusque tard dans la nuit, de fréquenter les cafés.
C’est dans cette indépendance qu’elle se sent plus proche de Simone de Beauvoir que jamais.

A Bordeaux comme ensuite à Paris, ses Cafés de la mémoire apparaissent alors comme les gardiens de ses folles années : eux ont vu les émerveillements et l’insouciance de cette jeune femme dont le programme ne fut autre qu’empoigner la vie comme elle se présentait.

Cafés de la mémoire. Chantal Thomas
Editions du Seuil
Février 2008
352 p., 20 €

Le musée Masséna à Nice

Le musée d'art et d'histoire Masséna à Nice Au lendemain de la première Guerre mondiale, André Masséna fait don à la ville de Nice du palais édifié pour le petit-fils du maréchal à la fin du XIXème siècle, à la double condition que le lieu soit dédié à l’histoire régionale et que ses jardins soient ouverts au public.
Le Musée Masséna est ainsi inauguré en 1921.

Le 1er mars dernier, après sept ans de travaux, le musée a rouvert ses portes au public. Ses ors soigneusement lustrés et ses murs blancs flambant neufs sont l’occasion d’aller se plonger un moment dans l’histoire du pays niçois.

D’emblée, un compliment et une réserve. La deuxième est de taille mais ne devrait qu’être provisoire (tel est le moins que l’on puisse souhaiter !) : l’absence totale de cartels ! Impossible de comprendre comment un musée, qui plus est historique, se permet d’accueillir ses visiteurs sans indiquer l’origine, la date, l’auteur des oeuvres (peintures, gravures, affiches, statues, meubles, vêtements et objets) exposées !
La perplexité vaguement évacuée par la promesse d’une mise en place des panneaux explicatifs « d’ici le 30 juin », l’on peut suivre avec plaisir le fil de l’histoire de la belle ville de Nice. Car le compliment est là : le musée fait preuve d’une simplicité et d’une clarté très agréables pour retracer les grandes lignes de l’histoire assez complexe de Nice, qui est passée de l’Italie à la France et de la France à l’Italie un certain nombre de fois.

Le flash-back présenté débute avec les guerres d’Italie et les prouesses, dûment récompensées (il est élevé au grade de maréchal en 1804) du commandant Masséna auprès de l’armée de Napoléon Bonaparte.
L’on apprendra que le département des Alpes-Maritimes fut créé deux fois : d’abord en 1793, après la prise de la ville (alors partie des états du roi de Sardaigne) par les révolutionnaires français ; occupation à laquelle il sera mis en fin en 1814 par le Traité de Paris. Puis en 1860, nouvelle création du département, lorsque le roi Victor-Emmanuel II restitue la localité à Napoléon III en remerciement de son aide militaire contre les Autrichiens qui occupaient le nord de l’Italie.

La belle région niçoise, grâce à son cadre, sa lumière et son climat séduira alors tout ce que le monde contient de riches oisifs : après les Anglais (qui y venaient dès le XVIIIème siècle), les Russes (quoique ceux-ci se raréfient après la révolution bolchévique), qui laisseront la place aux Américains dans l’entre-deux guerres et enfin les Européens du Nord.

A partir du XIXème siècle, la ville connaît donc une formidable expansion.
Chemin de fer (1864), Carnaval résuscité (1873), palaces face à la mer, le tout construit avec l’aide d’une immigration transalpine abondante, et auréolé de l’inspiration que les artistes, peintres et écrivains y trouvèrent : la réputation de la Riviera devenue peu à peu Côte d’Azur était faite.
Sa célèbre promenade était, elle, réalisée dès 1822 : au départ simple chemin de terre tracé à l’initiative de la communauté anglaise, la ville l’aménagea en 1844, y déplaçant dès lors le centre de la vie mondaine.

Musée d’Art et d’Histoire – Masséna
Palais Masséna
65, rue de France et 35, promenade des Anglais – Nice
Tél. (+33) 04 93 91 19 10
Fax (+33) 04 93 82 39 79
TLJ sauf le mardi de 10h à 18h
Entrée à tarif réduit jusqu’au 30 juin : 2,50 €

L'Heure d'été. Olivier Assayas

L'Heure d'été, Olivier Assayas Ils sont presque riches, jeunes et beaux ; heureux de se retrouver dans la propriété familiale pour fêter les 75 ans de leur mère Hélène.
Avant de repartir très vite pour Pékin, New-York ou Paris.

Le regard d’Hélène – interprétée de façon impressionnante par Edith Scob -, énergique et rêveur, ne s’anime réellement que lorsqu’il s’agit d’évoquer l’oeuvre de son oncle, peintre et collectionneur dont elle a à coeur de perpétuer la mémoire.

Son seul souci désormais : préparer Frédéric, son fils aîné – le seul resté en France, joué par Charles Berling – au règlement de sa succession, avec le désir d’éviter qu’après elle "les choses ne pèsent trop lourd".

Fin du premier tableau. Hélène s’éteint. Ouverture du deuxième : la succession. D’abord, le caveau, la pierre tombale. Puis les souvenirs et les secrets, qui n’ont pas tous "disparus avec elle", contrairement à ce qu’elle avait prédit à son fils.
Et enfin : les choses, les "résidus", ainsi qu’elle les avait nommés au cours de la même conversation, superbe monologue en réalité, qui contenait presque tout le film.

Lucidité de la mère qui a prévu ce que son fils aîné ne voulait voir. Les chemins pris par sa soeur et son frère – Chine, Etats-Unis – le mettront face à la réalité. Ces résidus ne seront pas gardés par la fratrie, pour être ensuite transmis à ses propres enfants : ils seront vendus ou remis à Orsay.

Olivier Assayas traite avec une grâce et une finesse infinies ces sujets qui ne supportent que la délicatesse. Pas de thèse mais une approche subtile des questions de la transmission (dont il apparaît que l’aspect matériel n’est qu’une forme), de la mémoire, de son poids et de sa nécessité. Rien n’est tranché ni souligné et tous les personnages, les trois enfants mais aussi les petits-enfants et la servante de la défunte sont convaincants dans les différentes façons dont chacun aborde la mort, l’après d’un proche.

Grâce à la manière de filmer d’Olivier Assayas, fluide et toujours un peu froide, L’Heure d’été ne suscite jamais le débordement d’émotion mais s’adresse au spectateur dans un murmure qui suffit à le toucher.

L’Heure d’été. Olivier Assayas
Avec Juliette Binoche, Charles Berling, Jérémie Renier, Edith Scob,
Dominique Reymond, Valérie Bonneton, Isabelle Sadoyan…
Durée 1 h 40

L’Atelier de Man Ray, Unconcerned but not indifferent

L'Atelier de Man Ray à la Pinacothèque de Paris, Hemingway Avec L’Atelier de Man Ray, Unconcerned but not indifferent (Détaché mais pas indifférent), la Pinacothèque de Paris présente jusqu’au 1er juin une vaste sélection de peintures, dessins, collages, sculptures, objets et photographies de Man Ray.

Il faut rappeler que le célèbre photographe a exploré bien des supports, n’hésitant d’ailleurs pas à mélanger les genres, notamment en retravaillant les photos à la peinture ou au dessin.

A New-York, où il débute sa carrière de photographe, il est séduit par la peinture moderne européenne découverte dans les galeries, mais également par la révolution avant-gardiste engagée par Marcel Duchamp et Francis Picabia.
Aussi, il ne s’éternise guère de ce côté-là de l’Atlantique et s’installe dès 1921 à Paris, où il est immédiatement adopté par le groupe Dada, devient l’amant de celle qui sera bientôt Kiki de Montparnasse, avant de suivre André Breton dans l’aventure surréaliste.
Américain il restera, mais Américain de Paris avant tout : son séjour aux Etats-Unis durant les années 1940 ne l’enchantera guère, il retournera à Paris dès 1951 et y finira ses jours en 1976.

Les oeuvres exposées (prêtées à titre exceptionnel par le Man Ray Trust à New-York), mêlant dessins, photos, lithographies, objets uniques, objets personnels et documents sources, permettent ainsi de suivre le parcours passionnant d’un artiste qui a côtoyé et photographié les plus grands de son temps.
L’on y retrouve tous les acteurs de cette période foisonnante que fut la première moitié du XXème siècle en France.
Celui qui fut érigé au statut de photographe d’art (grâce notamment au procédé du rayogramme) était en effet un portraitiste couru qui collaborait régulièrement à Harper’s Bazaar, Vogue, Vu et autre Vanity Fair.

Voici donc le magnifique profil de Picasso, voici Kiki, mutine sous son chapeau cloche, voici encore Cocteau, Hemingway, Gris, Léger, Derain, Satie, Giacometti…
Plus loin, après avoir admiré un classique et somptueux portrait d’Ava Gardner, l’on découvrira deux minuscules diapositives peintes, datées des années 1950, l’une montrant Yves Montant, l’autre Juliette Gréco. Elles sont intimes, elles sont tendres, à l’opposé de bien d’autres oeuvres pleines de puissance de cet artiste assurément multiple et complexe.

L’Atelier de Man Ray, Unconcerned but not indifferent
Pinacothèque de Paris
28, place de la Madeleine – Paris 8ème
Jusqu’au 1er juin 2008
Tlj de 10 h 30 à 18 h
Entrée 7 € (TR 5 €)

Image : Yves Montant, 1950, Diapositive peinte, 8,89 x 6,35 cm © Man Ray Trust – ADAGP Paris 2008

Jaume Plensa au MAMAC à Nice

Jaume Plensa, exposition au Mamac à Nice Oeuvres visuelles, sonores, riches en couleurs, matières, lumières et mots : le Musée d’art moderne et contemporain de Nice propose jusqu’au 27 avril une superbe sélection de sculptures récentes de l’artiste espagnol Jaume Plensa.

Cette dizaine d’oeuvres, présentée dans une muséographie calme, épurée et somptueuse suffit à émerveiller et rasséréner le visiteur.

Accueilli par Doors of Jerusalem, trois personnages en fibre de verre étrangement suspendus à l’angle droit (l’image ci-dessus est dans le bon sens !), il lui suffit de se placer sous leur visage, regard en l’air, pour ressentir tout ce que ces statues au visage impassible et aux jambes repliées sous la poitrine évoquent : le renvoi à une posture ancienne, qui tient à la fois de l’enfance, de la solitude, d’une forme active de l’attente ou de la contemplation.

Puis, à chaque extrémité d’une longue allée sombre, Sitting Tattoo : encore deux statues en résine à taille d’homme, assises cette fois près du sol, mais dont les lumières changent progressivement de couleur. Leurs corps sont tatoués de mots, qui viennent renforcer la fascination qu’exerce sur le spectateur cette étrange transformation : seules les colorations de l’enveloppe charnelle varient, comme sous l’effet d’une intériorité voire d’une spiritualité en mouvement.

Plus loin, en sculptant un corps en lettres métalliques, Plensa remonte à une imaginaire préhistoire du mot, à l’époque théorique où ils ne sont que lettres de l’alphabet : Overflow n’existe que par cet aléatoire assemblage de lettres, qui le dessinent et le prolongent dans un filet débordant sur le sol autour de lui mais laisse son visage libre et muet. La puissance poétique est évidente, et, loin d’une impression de capture, le filet de lettres apparaît comme une évocation de liberté, ici encore dans une posture de recueillement et de proximité terrienne.

Sensation à laquelle fait écho l’oeuvre suivante, Self Portrait with Tree, montrant un homme encerclant un arbre de vie sur un monticule de terre.

Avec les dernières oeuvres, le visiteur retrouvera un concentré des impressions précédentes, en s’enfermant dans l’une des deux cabines de verre à taille d’homme, attentif aux délicieux changements de lumières, concentré sur les couleurs qui se succèdent et l’inondent.

Et au milieu du parcours, coeur et choeur de l’exposition, un magnifique ensemble de dix gongs placés par paires, sur lesquels sont gravés des mots antonymes, permet de lancer des sons fabuleux. Retentissant d’un éclat profond, ils se propagent dans le lointain, avant de finir dans une intime et très longue vibration.

Jaume Plensa
Musée d’Art Moderne et d’Art Contemporain
Promenade des Arts – Nice
Jusqu’au 27 avril 2008
Tramway : Garibadi ou Cathédrale-Vieille Ville
Bus 4, 16, 17 : Acropolis-Barla
Bus 7, 9, 10 : Garibaldi
TLJ de 10 h à 18 h sauf le lundi, 1er janvier, dim. de Pâques, 1er mai et 25 décembre
Entrée : 4 € (TR 2,50 €)
Entrée gratuite le 1er et le 3 ème dimanche de chaque mois

A noter que depuis la mise sur rails du tramway, à l’automne dernier, les Niçois peuvent admirer sur la place Masséna Conversation, installation de personnages blancs et lumineux en haut de grands mâts (l’intégration avec l’architecture de la place superbement rénovée est extrêmement heureuse), réalisée par ce plasticien habitué à investir les espaces publics (Portes à Valence, Crown Fontain à Chicago).

Bernard Plossu. Couleur Fresson

Exposition Bernard Plossu, Couleur Fresson à Nice Avec une sélection de 130 photographies en couleurs, le Théâtre de la photographie et de l’image à Nice présente jusqu’au 16 mars une partie peu montrée du travail de Bernard Plossu.

Ce globe-trotteur devant l’éternel, né au Vietnam en 1945 et marqué par les idées de la beat generation a entamé très tôt sa carrière, consacrée essentiellement à la photo de voyage.
De renommée internationale, il a reçu le Grand prix français de la Photographie après la rétrospective organisée au Centre Pompidou en 1988, Les paysages intermédiaires.

Davantage connu pour ses photos en noir et blanc, Bernard Plossu a réalisé parallèlement une oeuvre en couleurs singulière et passionnante.
Tirées au « Fresson », procédé au charbon direct inventé par Théodore-Henri Fresson vers 1890 et dont le propre fils Pierre réalisa le premier tirage couleur en 1952, les photographies de cette exposition, qui couvrent quarante ans de travail (1965-2005) emmènent le visiteur dans d’autres mondes.

Les scènes sont pourtant tout ce qu’il y a de plus réaliste : des paysages classiques, des scènes urbaines ordinaires et populaires, des objets du quotidien.
Mais le grain particulier, très mat, du procédé Fresson intercale un imperceptible voile entre le sujet photographié et le spectateur, à qui toute place est ainsi faite pour la contemplation et l’envol de l’imaginaire.
Car les photos de Bernard Plossu sont profondément belles tout en étant épargnées du clinquant, et cette absence d’agressivité des couleurs prête au rêve. Voici des scènes de rue et de route, aux Etats-Unis, à Paris ou ailleurs en Europe, captées à cette indéfinissable heure du soir, « entre chien et loup » : pluie et brouillard peut-être, les vues se déclinent dans une tonalité de bleus qui entraîne bien loin de ces lieux.

Les paysages du Mexique et du Nouveau-Mexique (ci-dessus) sont certainement les plus beaux de l’exposition : le ciel lui-même semble devenir le protagoniste principal de la photo ; le gris orage se pare d’une lumière presque surnaturelle qui donne aux grands espaces une intensité dramatique impressionnante.

Mais ces tirages en couleurs ont aussi leur paradoxe : le procédé Fresson renforce l’âge de la scène (typiquement : des mariés dans une fête foraine ou un homme charriant un sac de charbon, deux photos prises en France en 1968 ; ou encore un décor d’intérieur sans homme, mais qui en dit long, dans le sud du Maroc en 1975). L’irréalité de ces clichés aux sujets prosaïques – mais ainsi mis à distance – en fait des images de souvenir pur, des scènes d’histoire ; elles sont en cela presque des scènes en noir et blanc.

Théâtre de la Photographie et de l’Image Charles Nègre
27, boulevard Dubouchage – Nice
TJL sauf le lundi de 10 h à 18 h
Entrée libre
Catalogue (TPIN), 144 p., 31 €

Arthur et George. Julian Barnes

Arthur et George, Julian Barnes Arthur est le roi de l’enquête policière, par l’intermédiaire du héros qui l’a rendu célèbre : Sherlock Holmes.

George vient d’être libéré, sans raison officielle, après trois années passées en prison sur les sept qu’on lui avait promis. Arthur Conan Doyle lit le dossier sur le cas de George Edalji et est immédiatement convaincu que le jeune avoué condamné « pour avoir grièvement blessé un cheval » ne peut pas être coupable.

Le livre est l’histoire de la rencontre entre ces deux hommes si différents l’un de l’autre. Les biographies se construisent d’abord peu à peu, en parallèle.
L’Angleterre de la fin du XIXème siècle nous est décrite du point de vue d’un village rural, dans la famille d’un pasteur d’origine indienne marié à une écossaise, et du point de vue de la classe urbaine aisée, dont les membres peuvent à la fois adhérer à l’esprit scientifique (Conan Doyle était médecin) et aux croyances spirites.

Arthur rencontre George et est encore davantage convaincu de l’erreur judiciaire : « non, je ne pense pas que vous êtes innocent ; non je ne crois pas que vous êtes innocent ; je sais que vous êtes innocent ». Et le père de Sherlock Holmes part en enquête sur le terrain. Il veut comprendre comment la machine policière puis la machine judiciaire ont pu produire une telle bévue.

Si nous avons l’impression de lire un polar, nous sommes en fait dans le récit d’une histoire minutieusement reconstituée d’après les documents de l’époque : George Edalji a bel et bien existé, Conan Doyle a effectivement pris sa défense.
Mais c’est aussi l’occasion pour Julian Barnes de faire le portrait d’un Arthur très attachant, pris dans de belles histoires d’amour, auteur prisonnier de son héros (il a dû ressusciter Sherlock sur la pression de ses lecteurs), animateur enthousiaste de sociétés spirites.

Mais l’hypothèse centrale du livre est très finement travaillée : pour Conan Doyle, c’est le racisme qui est à la base de toute l’affaire. Dans une Angleterre qui affichait haut et fort le respect pour ses minorités, il devenait impossible de démontrer « l’acte » raciste, même si souterrainement le sentiment anti étranger œuvrait. C’est la victime même qui ne peut croire à cette thèse, comme George veut le dire à Arthur : « Je ne suis pas assez naïf pour ne pas me rendre compte que certaines personnes me regardent différemment. Mais je suis un homme de loi, sir Arthur. Quelle preuve ai-je qu’on a agi contre moi à cause d’un préjugé racial ? Le brigadier Upton essayait de me faire peur, mais il rudoyait sûrement d’autres garçons aussi. Le capitaine Anson m’a pris manifestement en grippe, sans m’avoir jamais rencontré. Ce qui m’inquiétait davantage au sujet de la police c’était son incompétence ».

Un gros roman qui emplit de bonnes heures d’existence par l’impression qu’il nous laisse d’ouvrage « total », dans lequel individu et société se comprennent l’un par l’autre.

Arthur et George. Julian Barnes
Traduit de l’anglais par Jean-Pierre Aoustin
552 p., 24,40 €
Mercure de France (2007)