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Hélène Ventoura. Le dernier numéro

Hélène Ventoura, Le dernier numéro, Lucernaire Ces femmes qui font les clowns, elles ont vraiment quelque chose de singulier… elles créent des univers décomplexés, où elles abordent sans détour tout ce qui dérange.

On a beaucoup aimé Michèle Guigon dans La vie va où ?…, découverte au Lucernaire en 2008, qui ose parler du temps qui passe et de la maladie avec autant de franchise que de délicatesse.
On peut d’ailleurs aller l’applaudir à nouveau puisqu’elle joue ce spectacle en ce moment même et jusqu’au 14 novembre 2010 au Théâtre du Rond-Point.

A découvrir aussi actuellement, au Lucernaire, Hélène Ventoura, clown 100 % pur jus qui, le temps de ce spectacle court et surprenant joue des numéros inspirés du cirque et du cabaret d’artistes dont c’est… le dernier numéro. Sur ce fond triste au possible – c’est la grâce des farceurs de son espèce – Hélène Ventoura nous fait rire, avec des tours dérisoires, quelques accessoires, trois notes de musique… Douée d’un talent comique irrésistible, auquel s’ajoute l’assurance tranquille d’une Valérie Lemercier, elle parle de la mort d’une façon si cruelle qu’on on redemanderait ! Ce doit être aussi à cela qu’elles servent, nos belles et courageuses clowns…

Hélène Ventoura
Le dernier numéro
Théâtre du Lucernaire
53 rue Notre Dame des Champs – 75006 Paris
A 21 h, durée 1 h
Places à 15 € et 22 €
Jusqu’au 4 décembre 2010

Au revoir Pays. Manufacture des Abbesses

Au revoir pays, Manufacture des Abbesses Découverte, création, émotion. Tel est le cocktail qui vous attend avec Au revoir Pays, un spectacle à voir jusqu’à demain 31 octobre à la Manufacture des Abbesses à Paris.

L’on y découvre une jeune auteur, metteur en scène et comédienne particulièrement douée, Thiane Khamvongsa, dont Au revoir Pays est la première création ; mais aussi une autre comédienne formidable, Na-Bi Shin, au milieu d’une distribution parfois inégale mais pleine de charme.
Le texte est marqué du sceau de la sincérité, puisqu’il s’agit de la propre histoire de la famille de Thiane Khamvongsa, d’origine laotienne, née en 1981 dans un camp de réfugiés en Thaïlande.

En 1975, au Laos, l’arrivée au pouvoir des communistes a bouleversé la vie de cette famille, faisant fuir le fils aîné, enrôlant le cadet de 14 ans dans l’armée révolutionnaire, menaçant de prendre aussi la fille adolescente et envoyant le père qui avait servi dans l’armée royale en camp de redressement. Quand la mère apprend qu’elle est enceinte, elle convainc son époux de fuir le pays pour ne pas donner leur nouvel enfant au régime.
Abandonnant leur pays dans la douleur, les parents, le fils, la fille et le bébé finissent par arriver en France, un pays dont ils ignorent tout, à commencer par la langue et la culture.

Cette pièce bien fichue malgré un didactisme un peu trop systématique saisit le spectateur dès le début et ne le lâche pas d’une heure et demie. L’on s’attache très vite aux membres de cette famille, tant les personnages sont incarnés. On croit à leur histoire et elle nous émeut.
La mise en scène très simple, faite avec peu de moyens, porte la pièce avec une grande efficacité. Le talent des comédiennes jouant la mère – Thiane Khamvongsa – et la fille – Na Bi Shin – participe pleinement de l’agréable sentiment de justesse qui se dégage de ce spectacle fort mais jamais larmoyant, à la portée universelle.

Au revoir Pays
Auteur & metteur en scène : Thiane Khamvongsa
Assistantes à la mise en scène : Sophie O’Byrne & Charlotte Brédy
Avec Mathias Mégard, Thiane Khamvongsa, Fred Aklan, Na Bi Shin, Martin Nikonoff, Hugo Richet, Charlotte Brédy, Sophie O’Byrne
Du jeudi au samedi à 21h, le dimanche à 17h
Durée 1 h 30
Places 13 et 24 €
Manufacture des Abbesses
7 rue Véron 75018 Paris
Au revoir Pays a été récompensé du Prix Paris Jeunes Talents 2010

Le Triptyque de Puccini à l'Opéra national de Paris

Philippe Jordan

Trois mots pour résumer ce spectacle, la première création de la saison de l’Opéra Bastille : très belles soirée.

Il Trittico est un ensemble de trois courts opéras d’une heure, que Puccini a composés pour être joués ensemble. Nécessitant beaucoup de chanteurs, il est rarement monté, et ne l’avait d’ailleurs pas été à Paris depuis près de vingt-cinq ans.

Ces trois pièces nous plongent dans des époques fort différentes. La première, Il Tabarro, se passe au début du XXème siècle sur une péniche à Paris, où l’infidélité de la femme du marinier conduit son époux à assassiner l’amant : c’est un mélodrame à l’intérêt narratif assez limité et d’humeur franchement sordide. La deuxième se passe au XVIIIème siècle, avec l’histoire tragique de Suor Angelica, fille de haut rang qu’un pêché de chair dont est né un enfant a conduit au couvent. Remontant encore le temps, Gianni Schicchi se passe au Moyen-Age à Florence, mais apparaît certainement comme la plus actuelle : il s’agit d’une farce, et les traits dont le personnage de Gianni Schicchi fait la satire – la cupidité et l’hypocrisie d’une famille endeuillée – sont bien éternels.

Du sombre Paris populaire d’il y a cent ans au flamboiement trompeur de l’Italie médiévale en passant par la cruelle clarté du couvent, les atmosphères se suivent et ne se ressemblent pas. Les décors portent ces ruptures – gris dans Il Tabarro puis blanc et bleu ciel d’un kitsch total dans Suor Angelica, rouge et noir enfin dans Gianni Schicchi – et ne dérangent pas.

Le reste est bien mieux que cela : une qualité vocale homogène, une direction d’acteurs des plus vivantes qui soutient la curiosité et le plaisir, et une direction musicale qui fait elle aussi ressortir les reliefs et les contrastes du Triptyque. Il est si merveilleux, après avoir commencé par le plus terne, de poursuivre dans l’émotion la plus bouleversante avant de finir dans l’amusement le plus débridé, digne de la Commedia dell’arte. Il est magnifique de vibrer sous la voix touchante de Tamar Iveri pour découvrir la douceur puis la douleur déchirante de Suor Angelica ; mais aussi de se laisser séduire par un autre inconnu, Saimir Pirgu dans le rôle du fiancé dans Gianni Schicchi, jeune homme à la voix très en place, puissante et suave, et au jeu d’acteur au plaisir communicatif – il faut dire qu’il s’agit pour ce ténor albanais de 29 ans de sa première distribution à l’Opéra de Paris.
Il est divin, enfin, d’écouter Puccini joué par l’orchestre à la fois posé et pétillant de Philippe Jordan, dont les mains sublimes qui s’agitent avec grâce constituent à elles-seules un spectacle chavirant.

Le Triptyque (Il Trittrico)
Trois opéras en un acte composés par Giacomo Puccini
Opéra national de Paris
Prochaines représentations les 25 et 27 octobre 2010
A 19 h, durée 3 h 45 avec 2 entractes
Places de 5 € à 180 €

Direction musicale Philippe Jordan
Mise en scène Luca Ronconi
Décors Margherita Palli
Costumes Silvia Aymonino
Lumières Gianni Mantovanini
Chef de Chœur Alessandro Di Stefano
Orchestre et Choeur de l’Opéra national de Paris
Maîtrise des Hauts-De-Seine / Choeur d’enfants de l’Opéra national de Paris
Décors et Costumes du Teatro Alla Scala, Milan
en coproduction avec Le Teatro Real, Madrid

Le pavement de l'église San Michele à Anacapri

Pavement de majolique de l'église San Michele à Anacapri, Capri Imaginez une petite église baroque au plan octogonal, dont le sol est entièrement couvert d’un pavement polychrome en faïence napolitaine.

Ce ravissement d’art presque naïf a été réalisé par Leonardo Chiaiese en 1761 à Naples.

Jaunes, verts, bleus, c’est une illumination de couleurs douces, dont on fait délicatement le tour sur un rebord de bois longeant les murs.
Les dessins se lisent aisément : ovins, bovins, cheval, licorne, dromadaire, singe, tigre et lion, mais aussi canard, faisan, autruche, paon, porc-épic, ours et éléphant. Tous les animaux sont là, c’est le Paradis terrestre, dont Adam et Eve sont déjà chassés, couverts de peaux félines.
En haut, au centre, l’Arbre de la connaissance du bien et du mal sur lequel repose un hibou, tandis qu’autour de son tronc s’enroule le terrible serpent. De part et d’autre, la lune et le soleil, et au dessus, l’azur constellé d’étoiles.

Pour admirer la majolique dans son ensemble, empruntez le petit escalier de fonte qui s’élève en colimaçon depuis l’entrée de l’église. Vous surplombez alors le tout pour contempler tranquillement le Paradis…

Eglise San Michele
Place San Nicola, Anacapri
Capri, Italie

La Villa San Michele à Capri

Vue depuis la Villa San Michele, Anacapri, Capri La Villa San Michele est l’un des joyaux soigneusement conservés de l’île de Capri – laquelle est, dans son ensemble, et conformément à sa réputation, un joyau en tant que tel.

Arrivé sur cette île de la baie de Naples en 1876, le médecin suédois Axel Munthe acquit une chapelle en ruines et une vieille ferme situées à 327 mètres d’altitude pour y construire une villa entourée de jardins. Amoureux de l’île, de sa villa et de la nature, cet humaniste déploya à Capri ses multiples talents : scientifique, écrivain, architecte, collectionneur d’art…
Ainsi, sa maison, sa chapelle et ses jardins recèlent aussi bien des antiquités égyptiennes, des sculptures romaines, des meubles du XVIIIème que des espèces végétales protégées. L’on apprend aussi que ce protecteur des animaux a beaucoup fait pour le développement de l’ornithologie sur l’île et que ce gourmet délaissait volontiers la viande pour se nourrir de mets simples comme les légumes et les pâtes.
De son œuvre à San Michele, il a tiré une autobiographie quelque peu romancée, Le Livre de San Michele publié en 1929, largement traduit et très lu à l’époque.

La villa n’est ni immense ni somptueuse, mais à parcourir ses pièces intimement aménagées, sa cuisine d’époque, son patio d’antiquités, sa loggia de sculptures et ses délicieux jardins, à admirer la vue imprenable depuis la chapelle, au dos de laquelle il a fait installer, face à la mer, un sphinx dont on ne peut voir le visage, on devine la passion brûlante de cet homme venu du froid qui, bien avant de nombreux autres nordiques, a dû trouver dans le calme, la lumière et la sensualité de Capri, les moyens de se réaliser.

Le sphinx de la Villa San Michele à Anacapri

Villa San Michele
Anacapri, viale Axel Munthe
Capri, Italie

La Cerisaie. Théâtre de l'Odéon

La Cerisaie, théâtre de l'Odéon, mise en scène J Brochen

On lui en veut un peu, à Julie Brochen – et aussi à sa scénographe Julie Terrazzoni.
Pourquoi faire dire le texte à toute vitesse ? Pourquoi faire crier les comédiens ? Pourquoi couvrir parfois leur voix de musique, au point de rendre les mots inaudibles ?
Et non contente de nous troubler l’ouïe, pourquoi nous priver également de la vue ?

Julie Brochen fait courir les acteurs dans tous les sens sans que le procédé en ait toujours un, les dirige de façon outrancière (cris perçants des uns, minauderies de Jeanne Balibar dans le rôle de Lioubov) et, de surcroît, les conserve soigneusement dans une demi-pénombre, réservant sans doute le plaisir de les voir aux deux premiers rangs de l’orchestre.

C’est vraiment dommage. Le talent des comédiens n’est pas en cause, ni la beauté de la musique, encore moins celle des décors – les superbes volumes du plateau sont majestueusement occupés par d’anciennes verrières venant évoquer la splendeur révolue de la Cerisaie et les ravages du temps à travers des vitres brisées.
Le problème est que La Cerisaie est un texte magnifique, montrant des personnages passionnants, atypiques et attachants qui forment un ballet émouvant et amusant à la fois. Or, cette direction d’acteurs, qui sans doute se veut énergique et inventive, alors qu’elle n’est souvent que chichiteuse et ostentatoire, vient gâcher bien des passages, en particulier les longues tirades de Trofimov l’éternel étudiant, et de Lioubov la propriétaire, mais aussi les échanges avec et entre ses filles Ania et Varia. La pièce y perd donc beaucoup.

Deux personnages sont bien-heureusement tout à fait sauvés. Jean-Louis Coulloc’h interprète Lopakhine avec toute la netteté qui sied à ce personnage de fils de moujic devenu riche marchand, incarnant le triomphe de la vulgarité sur la poésie, du travail sur l’oisiveté, mais aussi de l’acquis sur le reçu. Il se trouble à merveille lorsqu’il se fait "bûcheron" (il était d’ailleurs déjà celui de Lady Chatterley dans le film de Pascale Ferran) et fossoyeur de la Cerisaie : la scène de retour de la vente aux enchères est sans doute la plus réussie de la soirée. Quant à André Pomarat, il fait de chacune des apparitions de Firs, le vieux serviteur, des moments d’humour et d’émotion souverains. Dans la scène finale – dont à nouveau l’on ne comprend guère le choix de mise en scène donnant à lire les didascalies au lieu de faire résonner pour de bon les coups de hache qu’elles indiquent -, il bouleverse en exprimant l’anéantissement de ce monde fait d’héritages, de splendeurs et d’asservissement.

La Cerisaie
Anton Tchekhov
Théâtre de l’Odéon
Place de l’Odéon – Paris 6e
Durée 2h10, sans entracte
Places 10 € à 32 €
Jusqu’au 24 Octobre 2010

Mise en scène Julie Brochen
Texte français André Markowicz & Françoise Morvan
Scénographie Julie Terrazzoni
Lumières Olivier Oudiou
Costumes Manon Gignoux
Musique Carjez Gerretsen & Secret Maker (Gérard Tempia Bondat & Martin Saccardy)
Avec Abdul Alafrez, Muriel Inès Amat, Jeanne Balibar, Fred Cacheux, Jean-Louis Coulloc’h, Bernard Gabay, Carjez Gerretsen, Vincent Macaigne, Gildas Milin, Judith Morisseau, Cécile Péricone, André Pomarat, Jean-Christophe Quenon, Hélène Schwaller

Créé le 27 avril 2010 au Théâtre national de Strasbourg
Production Théâtre National de Strasbourg
coréalisation Odéon-Théâtre de l’Europe, Festival d’Automne à Paris

Photo Franck Beloncle

Heinrich Kühn. Musée de l'Orangerie

Heinrich KUHN Nature morte : verres et carafe, Musée d'Orsay Voici une exposition aussi inédite que fascinante.
Heinrich Kühn (1866-1944), photographe allemand du courant pictoraliste, proche des groupes Photo-Club de Paris et Linked Ring à Londres, participant de la Sécession viennoise, demeure en effet relativement peu connu, contrairement à ses contemporains d’avant-garde Alfred Stieglitz et Edward Steichen.
La toute nouvelle exposition de l’Orangerie à Paris, visible jusqu’à fin janvier, est d’ailleurs la première grande rétrospective consacrée à l’artiste. Il est heureux de voir ce long oubli enfin réparé tant les travaux de Kühn témoignent d’expérimentations audacieuses aux résultats très emballants.

Les techniques d’impression photographique qu’il utilise ont pour noms gomme bichromatée, platinotypie, gommogravure, photypie ou encore tirage et report à l’huile… Une pause à mi-parcours les explique.
Malgré leur lecture, pour une grande part, et pour les non-initiés aux secrets du pictoralisme, le mystère reste entier.
Dans quelle mesure s’agit-il de tirages photographiques au sens classique du terme, dans quelle mesure ont-ils été peints ? L’œil a du mal à le déterminer et ce doute, et le léger trouble qu’il engendre, accroissent encore l’attention des visiteurs – assez remarquable de bout en bout.

Après avoir présenté un panorama de ses axes d’investigation, l’exposition suit un fil thématique autour de ses différents modèles, des portraits d’atelier, des natures mortes et des paysages, pour finir avec les autochromes, premier procédé photographique en couleur inventé par les frères Lumières.

Le « plein air » est chez Heinrich Kühn particulièrement enthousiasmant. Les nuances de lumière, les ambiances de clair-obscur à la fin du jour, la « matérialité » des végétaux, l’impression de proximité d’un paysage de montagne, alors même qu’un léger flouté peut border les contours confèrent à ses photographies une admirable force poétique.
L’esthétique est encore sublimée par un sens du cadrage très assuré – le rapprochement avec la peinture de Manet saute aux yeux. On retrouve cet art de la composition dans les portraits, notamment ceux de Mary Warner, qui fut la gouvernante de ses enfants, sa maîtresse et son modèle. Une robe, un sofa, un miroir : alors que la prise risquait le déjà vu ou le surchargé, le résultat est au contraire magnifique d’équilibre, dans les courbes, dans les volumes comme dans l’éclairage.

Lorsqu’il travaille plus intensément sur les effets de lumière – on est chez les impressionnistes ici encore -, il crée des natures mortes simplissimes autour d’un verre d’eau ou d’une carafe, d’une coupe en étain. La transparence scintille, c’est à la fois précis et ouaté, domestique et surnaturel.

Contrairement au célèbre Edward Steichen, Kühn ne s’est lui jamais tourné vers le spectaculaire et le glamour, que ce soit pour ses paysages ou ses portraits ; il a choisi uniquement des sujets familiers. Le regard qu’il leur a porté, inventif, noble et amoureux rend ses œuvres plus émouvantes encore.

Heinrich Kühn
Musée national de l’Orangerie
Jardin des Tuileries – 75001 Paris
TLJ sf mardi de 9 h à 18 h
Entrée (avec musée) 7,5 € (TR 5 €)
Jusqu’au 24 janvier 2010
Exposition organisée par l’Albertina de Vienne en collaboration avec les musées d’Orsay et de l’Orangerie à Paris et le musée des Beaux Arts de Houston

Image : Heinrich Kühn, Nature morte : verres et carafe © DR – RMN (Musée d’Orsay) – Béatrice Hatala

Le salon littéraire de Madame Récamier

Compagnie Cyclone, Dans le salon littéraire de Mme Récamier

Recréer l’atmosphère des salons littéraires tels qu’ils se sont tenus du XVIIème jusqu’au milieu du XIXème siècles, tel est le propos de la pièce-lecture qui sera donnée ce samedi 16 octobre à la Bibliothèque Historique de la Ville de Paris dans le Marais.

Accompagnées de deux musiciens, Agnès Valentin et Florence Carrique-Allaire interprèteront des textes de différentes époques, allant du Grand Siècle à la période Napoléonienne : récits de batailles, textes révolutionnaires mais aussi plus intimes comme « La France n’est plus qu’un vaste théâtre de carnage… », extrait des Mémoires particuliers de Madame Roland.

La Compagnie Cyclone a créé ce spectacle dans une version courte en 2009 lors de la Nuit des Musées à l’Hôtel National des Invalides à Paris, puis l’a repris avec beaucoup de succès lors des Journées du Patrimoine.
L’ambiance plus feutrée de la Bibiothèque historique, sans compter sa vocation même, sont l’occasion de l’enrichir, en nous faisant suivre la grande Histoire à travers ses auteurs illustres tels Racine, Corneille, Molière, Voltaire, Condorcet, Sieyès, Robespierre, Michelet, Napoléon, mais aussi à travers les plumes effilées de madame de Sévigné, Olympe de Gouges, la duchesse d’Abrantès ou encore Juliette Récamier.

Le salon littéraire de Madame Récamier
Lecture-spectacle mise en espace par Philippe Penguy
Avec Agnès Valentin et Florence Carrique-Allaire
Musiciens Jean-Michel Deliers et Denis Zaidman
Bibliothèque Historique de la Ville de Paris
24, rue Pavée – 4° – M° St-Paul
Samedi 16 octobre 2010 à 18 h 30
Durée 1 h
Places au tarif unique de 10 €
Compagnie Cyclone

Photo Stefania Iemmi

Trésor des Médicis. Musée Maillol

Famille de banquiers florentins richissimes à partir de la fin du Quattrocento, la dynastie des Médicis a donné des princes, des papes, et même deux reines à la Couronne de France, Catherine épouse du futur roi Henri II puis Marie épouse d’Henri IV en 1600.

Leur fortune, ils l’ont en partie consacrée aux arts, mais aussi à la science et à la connaissance du monde.
Du XVème au XVIIIème siècles, ils ont accumulé des collections fabuleuses, d’antiques et de « curiosités » notamment ; mais ils ont aussi beaucoup fait travailler les artistes de leur temps.

Le musée Maillol retrace cette éblouissante épopée dans le règne du beau et du savoir à travers 160 œuvres, tableaux, dessins, sculptures, meubles, objets d’arts décoratifs, livres et même instruments de musique et… astronomiques.

De Cosme l’Ancien qui fut le premier grand collectionneur après son retour d’exil à Florence en 1434, à Anne-Marie Luisa, la dernière des Médicis qui, à sa mort en 1743 légua le trésor familial à l’État Toscan à condition que jamais rien ne quitte Florence et que les collections des Médicis soient mises entièrement à la disposition du public, l’on suit au fil des siècles les engouements de ces fous d’art qui, s’ils ne l’ont pas inventé, furent les premiers à développer le mécénat à une telle échelle.

L’exposition est de toute beauté, rendue plus agréable encore par la scénographie de Bruno Moinard. Dans une ambiance empreinte de richesse et de raffinement, la visite commence dans un très beau corail cuivré pour finir dans les tons de vieil or et de gris anthracite, tandis que les œuvres sont mises en valeur grâce à une installation aérée.

Remontant le temps, l’on s’arrête, tour à tour, devant d’admirables statues et camées romains, devant la Sépulture des saints Côme et Damien et de leurs trois frères de Fra Angelico, L’Adoration des Mages de Botticelli, un David de Michel-Ange, ou encore la crosse du pape Léon X…

Hommage incontournable aux illustres florentines qui ont lié leur destin à celui du royaume de France, une salle est consacrée aux fastueux portraits de deux Reines. L’on voit ainsi Marie de Médicis ornée d’une robe robe comptant quelques 300 grosses perles fines et plaques de diamants… Dans un coin, cette huile en grisaille de Rubens, qui a peint les grands épisodes de sa vie pour son palais du Luxembourg.

Dans le Cabinet des Merveilles de François 1er de Médicis, se côtoient des œuvres d’art premier venus d’Amérique Latine, d’Afrique et de l’Océan indien et des objets décoratifs aussi fins qu’originaux. Voici donc un manteau de plumes rouges de la culture tupinambá, un vase en forme de navire en lapis-lazuli, une verseuse en nacre et vermeil gravé composée de deux coquilles…
Parmi les raretés, l’on découvre, plus loin, les merveilleuses marqueteries de pierre dure sur marbre, avec notamment un cabinet en ébène du XVIIème siècle composé de 17 compartiments ornés, ou encore deux tables sur fond de marbre noir, justement appelées A la grenade et Au collier de perles.

La curiosité et les terrains d’investigation des Médicis étaient sans limites, comme en témoignent les objets d’astronomie liés aux découvertes de Galilée. Les livres n’étaient pas moins prisés, à voir les véritables œuvres d’art que sont le Livre d’Heures de l’une filles de Laurent le Magnifique ou encore les Editions princeps des œuvres d’Homère extraits de la bibliothèque médicéenne.

Trésor des Médicis
Musée Maillol
59-61, rue de Grenelle – 75007 Paris
Métro Rue du Bac, bus : n° 63, 68, 69, 83, 84
TLJ de 10 h 30 à 19 h sf 25 déc. et 1er jan., nocturne le ven. jusqu’à 21 h 30
Entrée 11 € (TR 9 €)
Exposition prolongée jusqu’au 13 février 2011

Images : Pierre Paul Rubens Les trois Grâces, 1627-1628 Huile en grisaille sur panneau, 47,5 x 35 cm Florence, Palazzo Pitti, Galleria Palatina Inv. 1890 n. 1165 Photo: Archivio fotografico della soprintendenza di Firenze
et Giusto Utens (Bruxelles ?-Carrare 1609) Vue du palais Pitti et du jardin de Boboli 1598-1599 Huile sur toile, 143 x 285 cm Inscription : en bas, au centre « Belveder (con Pitti) » Museo Storico Topografico Firenze com’era

Les naufragés du fol espoir. Théâtre du soleil

Les naufragés du Fol Espoir, théâtre du Soleil C’est indéniablement le plus spectacle de théâtre vu depuis des mois et des mois. Il est donné à Paris jusqu’au 9 janvier prochain puis partira en tournée en 2011. Mais attention, le succès est au rendez-vous et il faut réserver longtemps à l’avance !

Créé en février dernier, Les Naufragés du Fol Espoir est le dernier spectacle du Théâtre du soleil, la compagnie d’Ariane Mnouchkine qui fête cette année ses 45 ans d’existence.

Mise en abyme magnifique, il parle de création artistique, de construction, de passion, d’engagement politique, de travail et de vie ensemble : il parle du Théâtre du soleil sans le dire et, en détournant le théâtre au profit… du cinéma ! Mettre le cinéma au théâtre sans montrer une once de pellicule, d’image cinématographique au sens propre, il fallait le faire, et Ariane Mnouchkine et sa troupe l’ont fait. C’est un coup de maître.

Nous sommes en 1914, dans le grenier d’une guinguette des bords de Marne dont le patron, fou de cinéma a mis son espace sous les toits à la disposition d’une équipe de cinéma dont le directeur vient de rompre avec la Pathé. Ils tournent un film sur les suites de l’assassinat de l’archiduc Rodolphe de Habsbourg en Autriche en 1889. De ses conséquences politiques en Europe aux appétits colonialistes – notamment victoriens – à l’extrême Sud de l’Amérique Latine, le film nous emmène à bord d’un navire, le Fol Espoir où, après avoir subi les tempêtes du Cap Horn, il croise les quelques Indiens de Patagonie non encore exterminés et en état de sursis.

Au moment du tournage, dans la vie "réelle", l’archiduc François-Ferdinand d’Autriche est assassiné à Sarajevo ; quelques semaines après, c’est Jaurès qui succombe ; la déclaration de guerre est imminente, il faut se dépêcher de finir le film. Le directeur propose d’arrêter le tournage, mais toute l’équipe, en grande partie constitué du personnel de la guinguette au dessous, invitée à voter la poursuite ou non, décide de continuer.

Tout est dit dans ce spectacle de la passion qui anime l’entreprise cinématographique du temps du muet, du temps des débuts du cinéma. Mais c’est aussi le temps des innovations technologiques et scientifiques source de progrès social, des idéaux politiques, de la fondation de l’idée d’Europe, de l’espoir d’une société égalitaire, d’un nouvel humanisme.
Ces élans magnifiques vont se trouver confrontés, fracassés à la réalité, la réalité historique de l’époque du film et la réalité des événements de 1914.

Que d’intelligence et de sensibilité, cela en est presque vertigineux. La mise en scène est une merveille de beauté et d’invention, l’humour délicieux, le jeu des comédiens fascinant, la musique de l’époque enjouée ; le tout débordant d’énergie.
Il faudrait aussi parler de la neige, du vent, de l’oiseau, de la poésie… ; et encore du plaisir partagé, entre les comédiens, avec les spectateurs, autant de manières de dire le plaisir du spectateur tout court.

Les Naufragés du Fol Espoir
Théâtre du Soleil
Une création collective mi-écrite par Hélène Cixous, librement inspirée des Naufragés de Jonathan de Jules Verne sur une proposition d’Ariane Mnouchkine
La Cartoucherie, route du Champ-de-Manœuvre • 75012 Paris
M° Château-de-Vincennes, sortie nº 6 en tête de train vers la station d’autobus où une navette commence ses voyages 1 h 15 avant le début du spectacle et les termine 10 minutes avant – Desservi également par le bus 112
Réservations au n° 01 43 74 24 08 , TLJ de 11 h à 18 h
Mercredi, jeudi, vendredi à 19 h 30, samedi à 14 h et 20 h, dimanche 14 h
Durée : 3 h 50 avec entracte
Places : Individuels 27 € — Collectivités 22 € — Étudiants et scolaires 15 €
Jusqu’au 31 décembre 2010